Par-delà l’horizon liquide, le lieu unique, Nantes

Par-delà l’horizon liquide

Du 21 octobre au 06 janvier 2019

Au Lieu Unique, 2 rue de la biscuiterie, 44000 Nantes

A travers l’épais rideau noir, c’est l’obscurité qui m’entoure. Une épaisse brume d’information dans un monde en perpétuel changement. En seulement 40 ans, l’Homme aura réduit de moitié la population d’espèces sauvages tandis que leurs images, quant à elles, n’auront jamais été aussi présentes dans notre quotidien.

 De nos écrans de cristal jusqu’aux plus profondes abysses, cette exposition se tenant au Lieu Unique de Nantes jusqu’au 6 janvier propose à une douzaine de jeunes artistes internationaux de travailler par-delà l’horizon liquide et de proposer s’ils le souhaitent un récit spéculatif d’un futur incertain. La narration de l’exposition se base sur une eau forte de l’artiste estonien Vello Vinn intitulée Fusées et sur l’œuvre de l’écrivain d’origine nantaise Jules Verne

20 000 lieux sous les mers.

Entre poésie, écologie et science-fiction, cette exposition réalisée dans le cadre du centenaire de la république d’Estonie est magiquement orchestrée par la commissaire d’exposition Kati Ilves. La scénographie de Tõnu Narro fonctionne quant à elle incroyablement bien, elle réunit au sein de l’exposition un grand nombre de médiums hétéroclites : Installation, sculpture,  vidéo, gravure et son. « Et encore, aujourd’hui nous sommes peu nombreux, les jours de grande affluence on voit tout son potentiel » me confie un des guides de l’exposition, « Même si je dois l’avouer, la disposition des cartels n’est pas son fort… ». En sortant de l’immense salle sombre, je me trouve baigné dans une lumière aveuglante. L’expérience que j’ai vécue me semblait hors du temps, ou peut-être était-elle bien trop dans le temps.

Artistes exposés :

Anni Puolakka & Jaakko Pallasvuo ; Guan Xiao ; Joey Holder ; Katja Novitskova ; Kristina Õllek ; Laura Põld ; Nicholas Riis ; Norman Orro ; Simon Wald-Lasowski ; Sol Archer ; Taavi

Suisalu ; Vello Vinn.

Pour plus d’informations : http://www.lelieuunique.com/evenement/par-dela-lhorizon-liquide/

Georges Davidovits

FROM DOGS TO GODS, Céleste Richard Zimmermann

FROM DOGS TO GODS, Céleste Richard Zimmermann

Dans le cadre d'une exposition collective :

« Le cœur des collectionneurs ne cesse jamais de battre »

à L'Atelier, Nantes,  du 25/10 au 18/11/18

Dans cette vidéo l'artiste nous rapporte à la manière d'un documentaire une scène hebdomadaire de chasse aux rats à New York. Les R.A.T.S (comme ils se nomment) partent pour une chasse urbaine avec leurs chiens (grotesques car ce ne sont même pas des chiens de chasse mais une sorte de petits caniches).

Au final cette équipe barbare a l'air ridicule car ils se mettent à plusieurs pour un si petit animal qui est pourtant beaucoup plus intelligent qu'eux (stratégie mise en place pour fuir).

Au fur et à mesure de la vidéo on se demande qui est le plus cruel, qui est le plus primitif ?

Céleste Richard Zimmermann, ancienne étudiante aux Beaux-Arts de Nantes travaille sur un thème récurrent qui est celui de la relation Homme/Animal. En effet ici le chien : meilleur ami de l'homme se bat contre son ennemi symbolique : le rat qui représente ici le « Mal ». Il y a donc une dimension religieuse et manichéenne (le Bien contre le Mal).

On voit aussi que les chasseurs urbains faisant preuve de cruauté sont très religieux (dans leur discours), c'est presque comme s’ils utilisaient cet argument pour justifier leurs actes.

Ces chasseurs ont une réelle volonté de contrôle sur la nature, ce sont des hommes qui se prennent pour Dieu (ce qui explique aussi le titre) ils s’octroient le pouvoir de choisir qui peut vivre ou mourir.

Dans cette vidéo j'ai vu un homme « moderne » qui se retrouve à chasser l’animal des villes : un récit sombre, presque glaçant.

On peut remarquer un contraste entre la ville qui est symbole de civilisation et leurs actes barbares, sauvages, sanguinaires. Ils prennent même plaisir à se prendre en photo avec leur butin, ils se complaisent dans un narcissisme malsain. Il y a également un contraste entre un outil contemporain : le smartphone pour capturer un moment primitif : eux-mêmes avec leur affreux trophée.

Paola Bonami

Rudy Ricciotti : La HQE brille comme ses initiales sur la chevalière au doigt

Rudy Ricciotti, un architecte français, publie en 2013 son ouvrage : HQE : La HQE brille comme ses initiales sur la chevalière au doigt. Ce pamphlet présente la troisième version, revue et augmentée d'un texte de Rudy Ricciotti paru en 2013. 
Au-delà d'un livre uniquement critique sur un problème majeur de l'architecture, l'auteur ouvre la porte à de nombreux débats qui peuvent, en fonction de nos propres opinions et centre d'intérêt, dévier. Il est particulièrement virulent quant à l'uniformisation technique et formelle qu'engendre la HQE (Haute Qualité Environnementale, charte de chantier français datant de 2004). Ce sujet peut nous amener à penser dans le domaine de l'art à l'uniformisation des white cubes. Et si le « désordre », l'hétérogénéité d'un lieu ne pouvait-elle pas produire une nouvelle forme d'art ?
Comme évoqué en début d'article, Rudy Ricciotti a augmenté son ouvrage à trois reprises. Cette approche, au sein même de la lecture du dernier livre en date, apporte une réelle vision dans le temps. On ne se sent pas piégé au sein d'une seule et même année et des « prédictions futures ». Ses écrits ne vieillissent donc pas d'une certaine façon. Il reprend son propre travail, ses propres critiques à plusieurs reprises : une approche du travail qui se fait sentir dans ses propos.
Enfin, ce qui peut marquer le plus lors de la lecture de HQE est à mon sens le parler même de l'auteur : il mêle langage cru et soutenu nous piquant directement en tant que lecteur. Cela pourrait paraître effrayant en un certain sens : trop polémique, trop critique...etc. Cependant, il permet, de mon point de vue, de dialoguer au fur et à mesure de la lecture avec l'auteur : de débattre avec lui.

Léa Raïs

Masterclass Tsai Ming-Liang

Masterclass Tsai Ming-Liang

25 novembre, 2018.  Grand atelier - Lieu unique, Nantes

(Festival Des 3 Continents. 20-27 novembre 2018.)

    La 40ème édition du Festival Des 3 Continents au lieu unique présentait un programme Taipei Stories, dont douze films réalisés à différentes époques à Taipei, Taïwan. Your Face, Vive l’amour, Goodbye Dragon Inn, trois films de Tsai Ming-Liang ont été présentés lors du festival.

    Tsai Ming-Liang, réalisateur malaisien, a fait ses études puis travaillé à Taipei. Il a donné une conférence pour partager son histoire, ses expériences, et sa vision de la réalisation d’un film.

    Les visages, selon Tsai, sont fondamentalement intéressants ; néanmoins, les gens ne prennent pas assez de temps dans la vie pour bien regarder le visage des autres. Il explique en effet qu’il pense n’avoir véritablement regardé le visage de sa mère que deux fois dans sa vie — lors de sa propre naissance et quand sa mère est décédée. Ce que nous avons peut-être manqué dans la vie, c’est ce qu’il veut porter à l’écran et nous montrer. Il passe donc beaucoup de temps sur les visages des personnages dans ses films. Filmer des visages n’est pas plus simple que de filmer des paysages ; la composition et la lumière sont aussi complexes dans les premiers comme dans les seconds.

    Sans aucun doute, l’histoire d’un film est importante; les spectateurs, en général, regardent des films et suivent un déroulé d'événements qui s'enchaînent. Tsai produit les films avec un point de vue différent : il se concentre sur les apparences, l’esthétique de la simplicité, et laisse aux spectateurs la liberté d'imaginer. Le film perd de son mystère, ce qui est la plus belle chose pour lui, quand on en montre trop aux spectateurs.

    Pendant la conférence, Tsai a aussi mentionné la situation du marché du film asiatique. Ainsi, il a expliqué que la plupart des studios de production suivent la tendance contemporaine en produisant des films grand public. Cependant, Tsai préfère sortir du système industriel et produire des films avec un grand sens esthétique, de vraies créations artistiques.

Wen-Che LIN

Tsai Ming-Liang photo-by-Chang-Jhong-Yuan, octobre 2018

Archives #3 / Kamiel Verschuren

Archives #3 / Kamiel Verschuren

Paradise, centre d’art, Nantes

18 octobre-16 novembre 2018

Ceci n´est pas comme ailleurs.Ce n´est pas quelque chose qui saute sur moi, qui attaque directement mon regard, qui supplie mon attention. C´est un peu un bazard, qui attend tranquillement d‘être déshabillé. Il faut aller vers lui, s’approcher, se calmer. Les Archives sont un univers très stable semblant infini, qui nous invite à plonger dans la charité.

Le rassemblement d’œuvres de Kamiel Verschuren sur les dernières 27 années, nous interroge d’abord sur le nombre de vies que l’artiste a vécues. Il a mis en place de nombreux projets contribuant au progrès dans la vie publique, et a réalisé des œuvres d’art activistes traitant des questions sociales, ce qui apporte de la paix, de l’espoir.

 Il sème de la bienveillance un peu partout dans le monde. Il est à l’écoute des besoins du public et il trouve souplement des solutions pour améliorer son milieu de vie. Sa maîtrise de la question de la communauté est impressionnante. Son travail consiste en plusieurs expérimentations économiques alternatives, des projets collectifs et solidaires, des propositions de plateformes de développement d’existence artistique.  « Le but de toutes ces initiatives est de créer une vie publique, de mettre en relation les gens afin de les autonomiser des pouvoirs publics, de questionner l'autorité et de créer de la liberté, tout en assumant ses responsabilités»

Des petites surprises, le hongrois, l’architecture humaniste, la poésie circulaire.

Un très beau projet de fabrique de puzzles avec des images de vanités humaines, des catastrophes historiques, des souvenirs de souffrance. Il reprend des photos dont il n’est pas l’auteur, donc ne porte aucune signature sur les emballages, pourtant il les produit lui- même. Les puzzles seront vendus pour 100 euros dont 100 pour cent seront récupérés par la Croix Rouge.

L’espoir. Le désir de multiplier cela dans le monde entier. De s’occuper des autres. De s’offrir.

Je le nommerais l’Artruisme.  

Bianka Zamatoczka

http://www.galerie-paradise.fr/#archives-3-kamiel-verschuren

Galerie Paradise, 6 Rue Sanlecque, 44000 Nantes

Disposer du vent, Raphaël Ilias

Le FRAC Pays de la Loire est un FRAC seconde génération, c’est-à-dire qu’il possède un espace dédié à l’exposition des œuvres acquises, en plus de la conservation et la restauration de celles qu’il possède.

La pièce Disposer du vent, a été réalisée par l’artiste mexicain Raphaël Ilias dans le cadre de la résidence Ateliers Internationaux. Cette résidence entre Yucatán au Mexique et le FRAC a donné lieu à l’exposition Tenir L’écart, ayant visible du 27 octobre 2017 au 21 janvier 2018.

Cette œuvre est composée de feuilles de polyester suspendues par des pinces à dessin, reliées à des moteurs. Les moteurs font bouger les feuilles de manière à ce qu’elles reproduisent le son du vent. Cette pièce reprend une œuvre antérieure de l’artiste nommée Disponer el viento. Qui de la même manière reproduisait le son du vent du Yucatán à l’aide de fruits séchés, créant des sortes de maracas.

L’artiste à travers ces deux installations joue sur le lien entre l’espace et les sonorités, ou comment le son fait partie intégrante de l’espace. Il joue aussi sur les différences culturelles entre son pays natal et la France, où l’on entend, retranscrite la sonorité du vent de manière différente.

Il fait jouer son installation avec le lieu de manière subtile et sensible. L’œuvre, in situ, n’est pas située dans les deux espaces du FRAC liés à l’exposition des œuvres mais elle est accrochée dans le couloir, qui n’est pas un espace d’exposition usuel.

Pour autant elle s’inscrit avec finesse dans cet espace, qui permet, avec sa longueur d’accrocher les feuilles tout du long, et dans le sens du mouvement que l’endroit impose. Le son lui aussi suit la longueur et incite le déplacement du regard. Le couloir mène à une fenêtre qui propose un jeu de lumières grâce à la transparence des feuilles.

Cette pièce dialogue avec la sensibilité du spectateur et de l’espace dans lequel elle s’inscrit.

Pascaline Amblard

Raphaël Ilias, disposer du vent (version) 2017, Frac des Pays de la Loire

Exposition « Mademoiselle » au CRAC de Sète.

Cette exposition est une exposition collective et temporaire (du 12 juillet au 6 janvier) ayant lieu au CRAC d’Occitanie. Elle marque le début de la carrière de la nouvelle directrice artistique Marie Cozette et la fin de celle de Noëlle Tissier.

Cette exposition collective regroupe plus de 30 artistes, toutes des artistes femmes contemporaines, dont Laure Prouvost, Ackroyd Rebbeca, Argimon Bianca, Bukman Zoé etc. Ayant pour commissaire d’exposition Tara Londi.

Cette exposition fait référence à l’interdiction récente du titre « Mademoiselle ». Sous ce terme sont présentées une trentaine d’artistes, toutes des femmes car « Mademoiselle ». Je n’ai pas réellement apprécié cette exposition, non pas pour les œuvres présentées mais pour l’exposition elle-même, le concept, l’idée qui, finalement, peut être à la limite du sexisme.

On peut très facilement faire un rapprochement avec les expositions précédentes ayant eu lieu au CRAC : « Tempête » ou un nouveau terme fourre-tout pour y entreposer plus de 50 artistes.

La peur du vide ? Le lieu est un immense bâtiment, haut de plafond, qui met à disposition d’énormes espaces, pouvant être assez impressionnants. Chaque pièce est donc remplie d’œuvres ayant des propos diamétralement opposés.

Qu’est-ce qu’une œuvre de femme ? Ce terme colle à la peau des pièces. En quoi la vidéo de Gery Georgieva (ayant la forme d’un tutoriel make up de youtube) est-elle une oeuvre de femme ? Car elle traite d’un sujet supposément exclusivement féminin ?

Le titre général « Mademoiselle » nous permet de voir un éventail d’œuvres et de propos très large et différent. À travers notre déambulation dans cette immense frigidaire, on perd tout propos et le seul fil rouge traversant l’exposition est ce terme flottant « Mademoiselle ».

http://crac.laregion.fr/exposition_fiche/229/3170-expositions-art-contemporain-futures-crac-sete.htm

Pascaline Amblard

Exposition collective Mademoiselle @ CRAC OCCITANIE à Sète

Zanele Muholi, Phaphama at Cassilhaus, North Carolina, 2016. 

Courtesy de l’artiste Yancey Richardson Gallery, New York, 

Stevenson Gallery, Cape Town et Johannesbourg