« Idiot ! Parce que nous aurions dû nous aimer »

Mercredi 19, Jeudi 20 et Vendredi 21 Novembre 

Metteur en scène : Vincent Macaigne 

Titre : « Idiot ! Parce que nous aurions dû nous aimer » inspiré du roman « L’idiot» de Fiodor Dostoïevski

Inspiré par « L’idiot » de Fiodor Dostoïevski qui dans son roman expose les difficultés de la vérité et de la sincérité dans les cercles mondains, le spectacle en retient ses lignes de forces.

La mise en scène de Vincent Macaigne mêle tous les registres en allant du grotesque au lyrique, du tragique au dérisoire, de la violence à la douceur. 

Le plateau en deviendrait une « installation » avec ces boues noires qui tombent des murs, ces détritus en pagaille, ces corps qui trébuchent, le mur qui s’écroule … C’est un bric-à-brac scénique.

L’épuisement est comme le thème principal, la souillure, la hargne et le désespoir, face aux cris, aux hurlements qui s’intensifient à chaque parole mais le cri n’est pas dit comme une hystérie mais comme une urgence à dire, le spectateur s’en va ou encaisse ! C’est sans dire que Vincent Macaigne partage la rage de Fiodor Dostoïevski, la douleur des corps et des âmes, ce manifeste interroge sur l’état dégénératif d’une société qui se veut corrompue. 

Il adopte un point de vue philosophique d'après lequel le monde et l'existence humaine sont dénués de tout sens et de toutes valeurs. Un miroir de l’humanité désireuse de croire aux changements présentés dans un état d’exaltation violente et d’égarement menant aux pires excès mais dans une perpétuelle volonté de réagir et de sauver. 

Tous les êtres sont salis sauf «  l’idiot», ce prince naïf qui est pourtant le seul cœur pur.

L’urgence et le besoin apparaissent dans l’esthétique démesurée du début à la fin, il y avait une vision lourde dans la scénographie. La pièce n’accordait aucun repos tant dans le visuel que dans le dialogue. Si je devais parler de la démesure des cris, l’excessivité du jeu des acteurs face à la panique des spectateurs, on pourrait s’y sentir soit effrayé, soit attiré par cette rage qui les animaient, trouble psychique d’un grand mal être. Une mise en scène maximaliste qui met au dépourvu est difficilement supportable. Ces positionnements conflictuels, surjoués par les uns et les autres n'aident pas à comprendre quelles sont les solutions possibles pour sortir de cette situation et ne permettent pas d'arriver à trouver rapidement un consensus. La musique rock qui était très subversive accompagnait bien les propos. 

Pour conclure, nous sortons de ce spectacle avec l’idée dérangeante que nous sommes nous aussi responsables de la décadence de cette société et avec l’envie de lire cet auteur certainement indispensable à la pensée contemporaine...

C’est tout mais c’est déjà pas mal et c’est sans doute le principal.

Anais Chaussinand 

TIMO TOOTS « Z »

TIMO TOOTS « Z »

Du 6 déc au 4 janv. Au lieu unique. 1er étage.

Mar > Sam : 14h – 19h

Dim : 15h - 19h

« Z », c'est une grande pièce plongée dans l'obscurité. Un espace occupé par des objets connus de tous, mais dont les formes et les effets ne vous sont dévoilés que si vous êtes équipé de l'outil adapté, qui vous sera bien entendu remis à l'entrée. Vous voilà donc pourvu d'une curieuse machine sur roues, doté d'un écran relié à une caméra. Cette machine vous paraît lourde, de facture douteuse, mais elle sera néanmoins votre seule amie durant votre pérégrination. Quelques pas suffisent au premier étonnement : vous voyez à travers l'écran des choses que vous ne voyez pas à l’œil nu. Une première question se pose donc sur le fonctionnement de ladite machine. La vision nocturne est donc au programme, mais lorsque vous vous rapprochez de l'objet vous ne voyez rien, hormis du noir, ce noir si pesant. Quelle technologie permet cela ? Vous décidez de continuer dans la pièce, bien décidé à résoudre ce mystère en allant chercher des indices au centre de cette dernière. C'est à ce moment qu'un flot de lumière envahi votre écran. C'est à n'y rien comprendre, un coup d’œil dans la pièce vous  prouve bien que rien n'est allumé, que seule l'obscurité persiste. Après avoir remis votre santé mentale en question, vous vous approchez des objets et y décelez quelques indices intéressants, mais ne résolvant en rien le problème : comment cela est-il possible ? Toots utilise donc une technologie particulière pour nous montrer quelque chose. Mais quoi ? La question vous taraude et à cet instant vous voyez sur l'écran quelque chose de nouveau, quelque chose que vous n'avez pas en face de vous. Une main devant la caméra vous le confirme, vous suspectez un bug, et vous voyez finalement une personne inconnue devant vous, mais l'image est déjà revenue sur la pièce. Curieux. C'est donc avec prudence et amusement que vous continuez votre voyage, laissant de coté les phénomènes surnaturels donc vous avez été témoin. Vous comprenez assez vite que Timo Toots propose, grâce à ces images flottantes, une vision alternative du multimédia et de la connexion. Vous venez de vivre « différemment » cet instant dans cette pièce si étrange. Vous sortez de la salle, rangez la machine. C'est enfin le moment ; la seule décision que vous aurez à prendre durant cette expérience : demander toutes les explications (qui vous seront livrées), ou repartir comme vous êtes entré, perplexe.

Victor COURCIER

Présenter L'irreprésentable

Présenter L'irreprésentable

HAB Galerie, Nantes

29 novembre 2014 - 22 février 2015

De 13h à 18h du mercredi au vendredi et jusqu'à 19h le weekend

Commissariat : Alice Fleury et Blandine Chavanne

La thématique proposée fait à l’évidence appel à la notion de représentation sans doute un des questionnements majeurs dans l’histoire de l’art. La divergence des réponses proposées par les trois artistes, qui peut être déroutante, révèle la complexité d’une telle problématique. Comment présenter l’irreprésentable ?

Pour Jean-Jacques Lebel, le ton est engagé. L’irreprésentable figure ici les menaces indicibles et continuelles des dérives brutales de l’humanité. Le point d’articulation est sans doute le grand tableau antifasciste fonctionnant en écho avec Le labyrinthe et Hitler et Eva Braun cinéastes. C’est la répétition insidieuse de l’Histoire qui est révélée : les totalitarismes de la Seconde Guerre mondiale, la guerre d’Algérie, les exactions commises par l’armée américaine en Afghanistan… La confrontation aux œuvres se veut brutale, sourde et combative.

Dans la proposition d’Alain Fleischer, l’irreprésentable dévoile plutôt ce qui échappe à la perception physique et à la reconstitution mentale. Ses travaux évoquent les réflexions sur la photographie de Walter Benjamin  qui révèle entre autres les difficultés à appréhender la relation entre espace et temps. Comment comprendre que l’espace d’une image a son temps propre ou inversement, que chaque instant a son espace physique propre ?  

Dans Théâtre pour la main, un hommage au Marquis de Sade, Danielle Schirman propose une mise en scène du désir sans frontière. La vidéo est issue d'un livre d'illustrations animé réalisé par l'artiste elle-même contenant des saynètes manipulables par le spectateur évoquant la société libertine du XVIIIème. Dans la vidéo cette possibilité n'est plus offerte au spectateur, les images sont imposées... La présentation du désir est également évoquée dans les propositions d'Alain Fleischer "Ecran sensible" et de Jean Jacques Lebel de même "Les avatars de Vénus".

Maxime Charbonnier

André Robillard, L’autre de l’art

« Une claque dans ma tronche »

LaM, Villeneuve d’Ascq, André Robillard in exposition L’autre de l’art 

J’avais les yeux dans le brouillard avant d’arriver au LAM. En entrant dans ce dernier, mon état s’est entièrement transformé : c’était comme une grande claque dans ma tronche.

L’art brut m’a toujours convaincu que les fous et les enfants ont la plus grande sincérité artistique. Dans ce musée, par cet esprit infantile, natif, volcanique et poétique, je me suis retrouvé charmé par ce voyage dans cette exposition.

Si je devais citer l’exemple le plus marquant et le plus éloquent, ce serait, sans aucun doute, pour ma part, le travail d’André Robillard. Ses œuvres sont marquantes par leurs libertés créatrices notamment au niveau des couleurs très surprenantes. Habituellement j’ai peur de mêler certaines pigmentations, il existe une sorte de mur qui m’empêche de céder à l’utilisation du nuancier dans mes productions et sujets. Ce mur, je l’ai retrouvé brisé et démoli lors de ma contemplation des œuvres de Robillard. C’est sans aucun doute ce que je recherche le plus lors d’une visite d’exposition : l’exaltation vers l’inconnu, quelque chose que je ne connais pas et que je ne sais pas faire.

Bien évidemment, on ne peut qu’admirer le travail de Robillard quant à la forme et l’essence même de l’iconographie qu’il nous impose : ces armes qu’il représente dans leurs lignes claires, apparaissent et deviennent des objets comiques et touchants. Il y a une proximité au hasard dans ses choix de matériaux, ce qui apporte une dimension parfois absurde à ses productions. Les armes, dans leurs aspects froids, s’imprègnent d’une chaleur dans la façon dont il les compose grâce à des objets de toutes sortes. J’ai été agréablement surpris, lors de ma promenade culturelle, de sa vision colorée autant dans ses sculptures que dans ses dessins.

Enfin, le LAM a véritablement réussi à créer en moi un sentiment de découverte et d’émerveillement tant dans son organisation de l’espace, libre et légère, que dans la présentation des cycles et artistes. 

Mathias Brosset

'SCULPTURES & DRAWINGS 2000 - 2014' — BERLINDE DE BRUYCKERE

18.10.2014 — 15.02.2015

S.M.A.K. — Gent, BE

web — smak.be

—

Première exposition à mi-carrière de l'œuvre de la représentante belge à la Biennale de Venise 2013.

Exit la rétrospective chronologique, j'arrive au premier étage du S.M.A.K. et commence à déambuler au milieu d'immenses salles à la lumière plutôt froide, au milieu desquelles s'embrassent de manière homogène, même organique, dessins, sculptures, installations.

Les corps souffrants gisent dans des vitrines et répondent aux dessins, lesquels dégagent un truc qui me renvoie à quelque chose de familier.

Quelque chose me prend au ventre, on y est, c'est pour ça que je suis là. Chaque pièce, chaque croquis transpercent, à l'image de Kreupelhout - Cripplewood, colonne vertébrale de l'œuvre de Berlinde de Bruyckere. La pièce monumentale exposée à la Biennale de Venise 2013 montre la mutation d'un arbre colossal en un corps à l'agonie, à la fois végétal dans sa forme, et animal par sa peau de cire ensanglanté et par les cris de souffrance qu'il s'en dégage.

Cette dualité semble de prime abord être le fil rouge du travail de l'artiste et de la lecture que l'on peut en faire. Mais on s'aperçoit assez rapidement que les axes et niveaux de compréhensions se multiplient, au fur et à mesure que l'on explore la profondeur abyssale que donne De Bruyckere à l'expression de la douleur et du corps dégénérescent, qui, comme dans un dernier râle, dégage une beauté et une puissance rappelant certaines représentations mythologiques et liturgiques.

C'est cette universalité dans la représentation de la douleur qui lui rend sa beauté.

C'est l'intemporalité dans la finalité qui rend la mort vivante. 

Cette expédition en Belgique fut empreint d'une aura salvatrice tant inconsciemment j'étais dans l'attente de trouver un plasticien capable de me prendre aux tripes comme peuvent le faire certains groupes de musique (Cult of luna, Isis, Neurosis ou encore Amenra qui a collaboré avec Berlinde de Bruyckere pour l'Artwork d'un de leur LP (cf. photo plus bas)).

Cet univers est éprouvant, dans la tête dans le cœur et dans les jambes. Et même si tout le monde n'est pas à l'aise avec ces émotions-là, allez-y ! Allez-y, prenez une baffe et revenez en boitant.

—

Adrien Cavallin 

'TENIR LE PAS PERDU' — CLAIRE POLLET

06.09 — 05.10.2014

Espace Short — Nantes

commissariat — Hélène Cheguillaume

web — espaceshort.com / clairepollet.com

—

L'endroit est à première vue calme, un peu en retrait, modeste mais chargé d'histoire. Je pénètre au sein de ces quatre murs de béton armés d'une froideur impressionnante. Au milieu se trouvent trois tables, installées modestement, elles présentent chacune un ouvrage composé de trois feuilles format raisin, la feuille centrale mise en mouvement par un dispositif discret composé d'un moteur et d'une carte arduino qui contrôle le mouvement et la cadence.

Le ton est donné et le superflu laissé à l'entrée.

Le travail de Claire Pollet est à l'image d'un livre : d'une simplicité, d'une modestie plastique et scénographique presque affolante tant le corps des travaux est consistant.

Épicentre de son œuvre, le livre est pour l'artiste à la fois la cause et le remède de tous. Amené au stade de relique, celui-ci semble contenir l'intégralité de l'identité de son œuvre. Comme une âme, les bouquins font partie intégrante de Claire Pollet qui s'exprime par eux, à travers eux.

Réserve fait suite à un long travail de recherche par la lecture effectué entre septembre 2009 et mai 2010, et au travers desquelles elle essaye d'approfondir la compréhension de son propre travail. L'exposition dans sa temporalité (de la genèse à la finalité) plonge l'artiste dans un état d'auto-empêchement qui la mènera à se retirer du milieu de la création pendant trois ans.

Tenir le pas perdu est donc un retour, une thérapie par la recherche là encore « Recommencer sans oublier le passé ».

Claire Pollet traite ici comme dans le reste de son œuvre de la lecture comme émancipation, libération, comme espoir. Le livre comme corpus mémoriel, dans lequel l'artiste vient piocher, cueillir, chercher de la matière première à une réflexion sur elle même.

Cette relation aux livres reste quelque chose de personnel. Ceux-ci sont le reflet d'un apprentissage, d'une évolution, d'une maturation par le mot, d'une pratique (artistique ?).

La question est telle qu'elle. La lecture peut-elle constituer à elle seule une pratique artistique ?

L'artiste nous livre une proposition de réponse en trois actes, trois tables invitant le spectateur à partager l'intimité d'une lecture.

Un premier tome, synthèse d'un archivage mécanique, systématique qui accompagne Claire dans ses lectures.

Un second se voit marqué de doutes, de questions sans réponses apposées sur le format d'un style hésitant, brouillon rappelant celui de la pensée elle même.

Les conclusions tirées de ces lectures et de ces questionnements sont réunis sur la troisième table, prenant une fois de plus la forme de la citation.

Sartre : « Longtemps j'ai pris ma plume pour une épée: à présent je connais notre impuissance. N'importe : je fais, je ferai des livres ; il en faut; cela sert tout de même. La culture ne sauve rien ni personne, elle ne justifie pas. Mais c'est un produit de l'homme : il s'y projette, s'y reconnaît; seul, ce miroir critique lui offre son image. »

— ceci dit,

Pourquoi la lecture à l'écriture ?

Pourquoi cette cueillette frénétique préférée à la rédaction ?

On sent l'artiste assaillie par les mots, les phrases. On sent une addiction à l'objet, un certain abandon. On sent également une certaine impuissance face à cela, une admiration, un dévouement qui va au-delà du respect. Je ressens comme une incapacité de la part de l'artiste à se détacher du livre objet.

Cette modestie dont est empreinte l'œuvre, se retrouve également de façon assez nette; je trouve, dans la démarche.

Ecrire serait donc prétentieux.

Ecrire nécessiterait d'outrepasser cet état d'abandon au livre qui semble habiller l'artiste, le cloisonner même. Ce qui la pousse à parler à travers le mot de l'autre pour communiquer sans pour autant « …se laisser abêtir, […] se laisser bercer de mots, […] suivre le courant. »

Tenir bon

Tenir le coup

Tenir le cap

Tenir le pas perdu

Tenir le pas gagné

Sauter le pas

Outre l'écume

Il faut continuer

—

Adrien Cavallin 

Lucinda Childs, Sonia Delaunay.

DANCE, Lucinda Childs, Théâtre de Ville, du 17 au 25 octobre 2014

Exposition - Sonia Delaunay, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, du 17 octobre 2014 au 22 février 2015

Un week-end à Paris : deux femmes.

Sonia Delaunay, Lucinda Childs. Lucinda, Sonia. 

L’une au Théâtre de la Ville, l’autre au Musée d’Art Moderne. Dans les deux cas, le corps comme support, le corps inévitable. L’une l’inscrit dans un espace scénique, en mouvement, l’autre le destine à la toile et aux vêtements.

Le corps fait face, le corps s’efface. 

Le corps dévoile et se dévoile. 

L’un se déploie, l’autre s’enveloppe. 

Le dehors, le dedans, le dedans, le dehors. Le dedans qui s’élance vers le dehors, le dehors qui exhibe le dedans.

Comme une musique redondante, abondante, permanente, épuisante. Le corps encore.

D’une artiste à une autre, il n’y a qu’un pas. Le saut de chat, le grand écart, ou la pirouette.

Résonance, confluence, importance. Le corps encore.

Intemporelle. Un temps pour elles.

En un instant. Un long moment.

Le temps qui s’étend, les souvenirs bientôt. Images, mots, mémoires, raccourci.

Mathilde Berger