Sylvain Bonniol

_{Sylvain Bonniol Galerie RDV Nantes du 8/09 au 13/10/2012}

_{VISIONS ACOUSTIQUES}

_{Cette exposition nous emmène dans un voyage du regard sur les parois glaciales d’une usine vide d’un laboratoire d’acoustique sans l'activité sonore : ici la pièce fait place au Silence.}

_{Il s'agit d'un travail de contraste des teintes et de collage de prises de vues aléatoires et spontanées du regard photographique numérique. Kaléidoscopes géants rendant non pas la poésie du verre concassé et coloré vers un monde imaginaire mais la froideur de l'imagerie scientifique et toute la beauté liée à l'univers des machines sonores. La Ruche est dans le motif}

_{Encastrement des formes à la manière des mosaïques. Mur anti-son}

_{Fils électriques Matériels sonores}

_{Casque de chantier Boîtiers Prises un Chercheur}

_{Espaces insolites Escabeau horizontal Une Chaise seule}

_{Impression de voir double et trouble. Vertige du trop plein d'images.}

_{Distorsion du Volume par le regard.}

_{Remarquable travail graphique accentué par l'effet d'optique que crée le quadrillage en blanc qui sépare chaque cliché.}

_{Danse Volutes Rondes comme les Ondes du Son}

_{Même sensation que peut produire le Son sur le corps ou l'esprit mais à travers le regard : quelque chose de direct nous fait vibrer ou nous répulse.}

_{C’est à la fois fascinant de beauté plastique, composition des formes, rapport des tonalités et des rythmes qu’accentuent les couleurs franches, mais c’est à la fois ultra angoissant. Impression de claustrophobie et d'étouffement. Tout est enfermé alors que l’on pourrait être dehors (certains espaces faisant référence à l’extérieur dans des collages où priment les lieux intérieurs). Son de Studio, Studio de Son, Reconstitution factice de sons pour tester des matériaux de résistance sonore. Ambivalence intrigante et intéressante mais qui peut être une expérience désagréable. Il y a toute la froideur de la géométrie, toute l'esthétique glaciale et fascinante des machines :}

_{Comme les viscères d'un ordinateur monumental.}

_{Dans l'autre salle, un projecteur nous donne à voir une par une dans la pénombre, une sélection de photographies comme les diapositives observées rigoureusement par le photographe effectuant son choix. Notre regard se pose enfin, soulagé, appréciant la qualité de chaque composition.}

_{Fascination de l'auteur pour ces usines d’expérimentations sonores : « Laboratoire de recherche du Mans » …... sensation désagréable d’hôpital, des lieux de recherches psycho-pathologique de médecine sur cobaye. `}

_{Les coloris, contrastes et formes sont vraiment surprenants hypnotiques psychédéliques dans le travail rigoureux. Le montage, en fait lié à la prise de vue, pourrait également être celui de l’ingénieur du son qui compose un morceau constitué de multitude de captations sonores. Et toujours cette réflexion inhérente à notre époque du trop plein d'images avec un questionnement sur la confrontation numérique/argentique, collage/photographie, son/image. A mon sens : Exposition très réussie. Blanche Denarnaud}

Modern Ghosts au lieu unique

Visite de l'exposition Modern Ghosts au lieu unique, Nantes.

Elle représente l’œuvre et l'univers d'un collectif de trois artistes belges : Jérôme Meynen, François Dieltiens et Antoine Detaille. Trois personnalités et styles différents qui s'animent en un seul imaginaire désenchanté.

 A peine rentré dans la pièce, je suis déjà happé par le premier dessin encadré grand sur le mur. Premier coup d’œil timide devant autant de fins détails, de déplacements tortueux en tous sens et insensés. Une attraction s'anime autour de cette danse figée mêlant en situation de tout genre des personnages propres à leurs univers, mais salis dans l'action qui en ressort pourtant bien poétique. J'ai tout de suite été captivé et digérai chaque action tourmentée en un unique équilibre mystique.

Le temps de faire le tour et il y a déjà une affection et une fascination pour ce monde si bordelliquement bien foutu. Les autres œuvres sont autant de puits d'imagination, un parc fantastique vivant sous le jeu perpétuel et magique d'une peuplade inconnue, qui s’entre déchire et s’entrecroise en une harmonie ni niaise ni morne. Ponctuation de couleurs automnales et de feuilles chutant parmi des animaux qui chuchotent en forêt, redondance du bois et de l'arbre, pouvant se construire en maisonnette abandonnée emportée par une tempête animale. Des têtes de morts se subliment en un si riche espace en pause. 

Ces êtres hybrides d'aspect joyeux et sympathique révèle en fait une vision caustique de la nature humaine et de la société. J'adore.

Un tour de salle de seulement quatre murs, et pourtant une grande immersion dans cette autre réalité. Plusieurs sculptures occupent l'espace intérieur afin d'unir le tout grâce à une cible, un défi d'équilibre et un portail sur petit soulier.

Je ressens comme une sorte de résonnance entre ces œuvres qui se mêlent aussi bien que les trois mains qui les font naître. J'aime leurs univers qui me font penser à Bruegel et Escher des références pour moi.

Simon Bureau

Robert Crumb au Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris

De l’Underground à la Genèse

Dès l'entrée de l'exposition Robert Crumb nous fait pénétrer dans son intimité en nous faisant découvrir ses toutes premières sources d'inspiration, sous-verres. Il nous présente sa collection personnelle de magazines d'enfance, des albums de Picsou des années soixante écornés, usés et jaunis à force de manipulation. « Ce sont mes premières sources d'inspiration, celles qui m’ont poussé à faire du dessin ».

L’immense première salle regroupe de nombreuses planches publiées dans le magazine « Zap » et « Foo »  vers la fin des années 1960. On y rencontre ses personnages emblématiques comme le chat Fritz, Mr Natural, ou Eggs Acley, la plupart naquirent sous l'effet du LSD quand Crumb perdait confiance en lui. Déjantés et sans gêne, ils reflètent les désirs pervers de leur créateur, ici Fritz et son ami dévorent une femme-poule après l’avoir violée ; Mr Natural s’interroge sur les dérives des hommes. Les spectateurs se retrouvent troublés par une histoire complètement loufoque et malsaine confrontés à un dessin simplifié qu'on a plus l'habitude de trouver dans les magazines pour enfant.

Le génie de Crumb se développe dans cela, l'appel à des codes déjà connus et reconnus, confronté à des histoires sordides réveillant nos consciences adultes. Dans la seconde salle, on retrouve des œuvres plus engagées, la couverture du numéro  « Actuel » contre l'avortement sauvage, les différentes couvertures du New-Yorker dont celle jamais publiée sur le mariage gay, ses illustrations d'Harvey Pekar sur les jazzmen de Cleveland. Tout nous rappelle l'engagement qu'avait Crumb dans la société.

Aussi la troisième salle réunissant toutes les planches de la genèse on y découvre un trait plus recherché et poussé mais pas moins personnel. Elle nous rappelle l’éducation stricte qu'il a reçue chez les sœurs durant son enfance néanmoins l'auteur avoue en effet n'avoir pu en faire une œuvre satyrique. Cependant, son style très brut nous révèle une histoire très violente et particulièrement cruelle du premier livre de la bible.

L'exposition se finit par une dernière salle où s'exposent différentes illustrations et études de modèle féminin, femme fatale ou dominatrice, toutes différentes dans leurs morphologies et leurs comportements on peut y voir autant de complicité que de crainte dans ces différentes femmes. Cela est d’ailleurs mis à l'honneur à la fin de cette exposition, le dernier cadre nous permet de voir,  un mot dédiant cette exposition à Aline.

Carole Pêcheur

La belle peinture est derrière nous

La belle peinture est derrière nous

Le lieu unique, Nantes, Du 16 mars au 13 mai 2012

Entrée libre

BERNINI, KATIA BOURDAREL, ALKIS BOUTLIS, DAMIEN CADIO, NICOLAS DARROT, DAMIEN DEROUBAIX, GREGORY FORSTNER, CRISTINE GUINAMAND, YOUCEF KORICHI, KOSTA KULUNDZIC, P. NICOLAS LEDOUX, ÉLODIE LESOURD, IRIS LEVASSEUR, FRÉDÉRIQUE LOUTZ, MARLÈNE MOCQUET, AUDREY NERVI, MAËL NOZAHIC, FLORENCE OBRECHT, AXEL PAHLAVI, STÉPHANE PENCRÉAC’H, RAPHAËLLE RICOL, LIONEL SABATTÉ, IDA TURSIC & WILFRIED MILLE, JÉRÔME ZONDER.

A l’entrée un écriteau noir sur mur blanc, comme souvent, ici je prends le temps de faire une pause. La belle peinture est derrière nous.

Il parle des divergences, des façons de regarder en arrière. « L’œil de la nouvelle génération ne quitte jamais vraiment le rétroviseur de la tradition », mais le texte me fait mal aux yeux, les lettres noires se penchent. Il s’achève « Les abrutis ne voient jamais le beau que dans les belles choses. »

Sur l’autre partie du mur, je vois un type tatoué de bleu qui tire une gueule étrange. Je reste dubitative mais je capte le lien avec la dernière phrase du texte. Il n’empêche que je ne suis pas convaincue, je veux en voir plus.

Je m’arrête devant la première toile qui me tape à l’œil ; du grand, du rouge. Un vieil asiatique, portrait grossier mais efficace. Il crache de la fumée. Tout flou. C’est le Cosaque 2, Gregory Fostner 2004

Ça devient plus clair, l’agencement entre la toile du Cosaque et sa voisine de gauche.

Au début, des allumettes qui se sont malheureusement collées à une vielle toile enduite de noir à qui on a mené la vie dure. Genre bafouée depuis des mois dans un endroit sombre et humide. Puis je me rends compte et là ça m’intéresse, ce mouvement de fumée dans lequel les allumettes peintes se perdent.  Une bouffée de fumée dans un espace sombre. La jolie perdrix Lionel Sabatte 2011

Je reste insensible aux sculptures qui occupent le lieu peut être est- ce un défaut de ma part mais j’ai l’impression qu’elle s’intègrent à l’atmosphère du lieu mais elles n’attirent pas mon regard.

Jérôme Zonder nous invite à marcher sur des corps pour rejoindre la porte qui est en face. Ah non, la lumière fait que j’y suis déjà. Dans le cadre de la porte, et d’autres visiteurs m’y rejoignent ; c’est notre reflet.

J’avoue être impressionnée par ce sombre étalage de corps, il y a une certaine élégance  dans le traitement des sujets et une certaine distance prise entre eux et nous. Ça me fait penser à La forêt des cauchemars (2010) du même artiste. Sauf que là c’est une pièce qui est cauchemardesque et non un long couloir. Il nous fait baisser les yeux je le ressens comme une forme de soumission à son travail. Ici c’est presque un soulagement de ne pas être contraint d’avancer sur le charnier pour atteindre une autre pièce, on peut être lâche et ne pas voir l’œuvre dans son intégralité on a le choix de la distance.

La première porte (2012) Jérôme Zonder T’es là (2011) Jérôme Zonder

Je m’arrête devant un portrait, un vieil homme derrière un pot de fleur me semble t’il joue avec un canon miniature ou du moins s’apprête à y toucher. Il a l’air mélancolique. Je ne pense pas saisir l’idée, si tant est il y en a une, et puis je suis prise de cours par le temps. Quelqu’un me tape sur l’épaule et me dit que l’exposition ferme ses portes. Je sors.

Les micros pendus dans le vide n’émettaient pas de son, mais le bruit venait d’ailleurs.  Sonorité mentale. Des yeux de cet homme, des bruits des sabots de ce cheval déambulant dans le noir. Des chiens que j’ai pris d’abord pour des hyènes, ricanant lors d’un carnaval. Peut être s’amusaient-ils de nos visages perturbés sous l’écrasante ambiance de la peinture nouvelle.

Laure Maltête

Jérôme Zonder, T’es là, 2011,
150 x 150 cm, Mine de plomb et fusain sur papier.

P. Nicolas Ledoux, Gasio B, 2011,
huile sur toile, 217 X 172 cm

Ida Tursic et Wilfried Mille, LNP, 2010,
huile sur toile, 200 x 300 cm

           

Un week-end singulier

Un week-end singulier
Exposition du 19 au 22 avril au lieu unique
DIDIER POIRAUD
WOOD ADDICT
Hors-Normes. En Marge. Culture Populaire. Experimentations. Laboratoires Imaginaires. Clandestins. Decloisonnement. Poetique De Deraison. Indisciplines. Brut. Spontane. Singulier. Curiosite. Insolite. Liberte Absolue. Transgression. Territoires Liberes. Utopie. Autodidactes. Anarchique. Excentrique. Naif. Loufoque. Rebuts. Outsider. Art Modeste. Extraordinaire. Meconnus. Passe-Temps. Rupture...

Autant de 'mots clefs' pour parler d'un univers où l'usage social de la création est plongé au coeur d'un monde de l'alternatif. "l'art ne vient pas se coucher dans les lits qu'on a fait pour lui" comme dirait Jeau Dubuffet.

Dans la pénombre de son espace, l'artiste nous embarque sur son "radeau de la méduse version art brut" vers une sorte de Far West à la fois tribal et futuriste.
Accueillis par un robocop fait de bois de récupération. L'atmosphère du lieu est à la fois poussiéreuse et tendue, comme dans son film Escarpins Sauvages; et underground comme dans le report du festoch Burning Man de la contre-culture californienne.
Des personnages sortis de mythologies aux oreilles gantées et aux chaussures compensées, Didier Poiraud semble nous faire visiter son ethno-fiction personnelle, au bord de laquelle des moniteurs mettent en abyme des univers bruts de décoffrage.
Ce qui me plaît à moi dans ce travail c'est ce petit clin d'oeil aux 'djeun's' et à leurs résistances alternatives et créatrices; cet intérêt pour les cultures populaires dites marginales; cette quête pour un paysage mythique, une esthétique primitive, une rudesse synonyme de simplicité et de sincérité; l'unité du matériau.
Ce qui me touche c'est cette recherche pour l'avaleur des mondes. Ce croisement de friches culturelles, de terrains praticables par l'expérimentation, la recherche, l'audace, de créer des fruits dérangeants, explosifs, déstabilisants, faits de bric et de broc, d'espaces de liberté et de rencontre, non pas dans les "offs" mais sur place, là où l'on se trouve.
    S'intéressant à des formes d'art non conventionnel, des créateurs qui inventent des formes esthétiques diverses et cabrent les cadres culturels. Comme s'il y avait un art officiel, OGMisé, modifié pour plaire à la tutelle, à la critique, être génétiquement convenable, autosuffisant. Ces artistes de l'alternatif sont désignés par le reportage de l'artiste comme des circuits courts culturels.



Installation de Didier Poiraud – Wood Addict
du 19 avril au 6 mai au lieu unique
Sculptures et vidéos de sites et de portraits d'artistes rencontrés lors de son
Road Documentary dans l'ouest des Etats-Unis et au Mexique

Guillaume Constantin ou les Fantômes du Quartz

Guillaume Constantin ou les Fantômes du Quartz,
Exposition du 21 janvier au 25 février 2012 à la galerie de l'EMAP Cholet.

Au commencement, il s'agit d'une fascination.
Un développement. Ici, le langage est complexe, le choix de médiums varié. Gravats, liège d'isolation, carapace de tortue de mer…Guillaume Constantin nous perd dans un labyrinthe où chaque élément est la clé d'une idée. Le matériau est avant tout pour lui une "palette dans laquelle il puise formes et propositions".
Souvent, l'artiste emprunte à Roger Caillois écrivain et sociologue certains textes concernant l'observation minérale et plus précisément celle du quartz. Comme un leitmotiv, la pierre fascine l'artiste tant par la zone de mystère qui l'entoure que par sa forme et sa composition complexe…Une trace du passé.
Dans la galerie, nous nous retrouvons face à divers objets sans liens visibles. Au sol, un damier de carton, sert de support à une multitude de petits éléments plus ou moins identifiables (peigne finement ciselé fait de bois ou d'os, pierres brutes…) Rapidement, on se sent comme plongé dans un cabinet de curiosités…Au centre de cette installation se dresse, majestueusement moderne, en contraste total, un écran, sur lequel défilent des images : reproductions picturales, photos de lieux, ou de personnes…  Archives de l'artiste semble-t-il… Souvenirs
Plus loin s'élève une large structure blanche et lisse. Difficile d'en définir la composition, elle pourrait être de plastique ou d'émail, soutenue par de fins tasseaux de bois, elle semble fragile comme le verre. Pendant un instant, on est tenté de tendre la main, de l'effleurer.
En réalité, il s'agit du patron d'un vêtement du XIXe revisité, devenant sculpture rigide et légère de polystyrène. Dans la pièce précédente, le revêtement du sol  n'est autre qu'une reproduction de carrelage ancien réalisé en adhésif.
Constantin, joue avec nos perceptions, nous berne.
Passé, présent, futur, vrai, faux s'enroulent, et se nouent inextricablement.
Nous avancions, dans le silence, parmi les objets, parmi les souvenirs, parmi les traces, les fantômes du Quartz.


Normand Sarah.

Traces

Traces
Installation d’Amos Gitai
05 février 2011 - 10 avril
Palais de Tokyo

Un sous-sol immense en friche, c’est dans cet espace déjà chargé d’une aura particulière qu’Amos Gitai décide d’immerger son installation vidéographique. Des projections sont faites directement sur les murs dégradés qui les mettent en valeur et donnent aux vidéos une matière, une texture.
Elles s’ancrent ainsi dans le lieu et dans l’histoire de celui-ci, l’endroit même où furent regroupés les biens juifs spoliés lors de la Seconde Guerre Mondiale.
Mieux, elles semblent être produites par les murs eux-mêmes à la façon de fantômes, témoignages du lieu, traces de l’histoire, seules lumières présentes dans ce gigantesque espace sombre.
Cependant, ces extraits de films ne se contentent pas d’occuper l’espace visuellement, leur proximité forme un vaste espace sonore, mélangeant chants, musiques, langues étrangères… Ce son emplit l’espace, formant une trame changeant sans cesse, suivant nos déplacements.
Nous déambulons donc, dans cette échelle d’espace légèrement en décalage par rapport à nous, décalage par l’échelle spatiale car chaque vidéo nous montre une échelle humaine légèrement ou excessivement agrandie, et un son également amplifié. Un écart également au niveau de l’échelle temporelle car chaque vidéo possède sa propre temporalité, sa propre mémoire, exacerbée par l’histoire même du lieu.

Anna Nguyen