Au temps de Klimt

Au temps de Klimt
La sécession à Vienne.

Pinacothèque de Paris
Du 12 février au 21 juin 2015
Commissaire de l'exposition : Alfred Weidinger

10h15 : Il pleut
10H16 : J'épie les vitrines de la boutique du musée. Coussins et dessus de table, stylo et cartes postales à l'effigie des œuvres de Klimt.
11H00 : Ticket en poche, j'entre enfin. L'endroit est clairement sombre.
11H05 : Beaucoup de tableaux, de dessins d'architecture, d'objets. L'histoire de la sécession.
11H20 : Je continue à observer plusieurs œuvres. Les cartels sont vides. Quelques phrases au mur, j'y vois un petit peu plus clair. Je cherche Gustav.
11H25 : Il est là, au fond de la pièce violette. Dans un cube en verre, les premiers dessins. Un livre. J'oublie le reste.
11H30 : Fresque sur le mur. Je l'observe par morceaux, l'espace est étroit, il n'y a pas de recul possible. La rousse aux mains crochues a l'air malicieux.
Klimt bat le rythme de l'exposition.   
Plus j'observe et plus j'en vois. Le sourire en haut à gauche, les ronces, et les chevilles liées.
11H50 : Dessins, croquis. Il y a ce cadre doré que je ne comprends pas. Mais précédé et suivi de ces corps quasiment fantastiques. Il y a Judith aussi, haute comme trois pommes, mais très impressionnante.
Il y a celle à la robe noire, celle aux cheveux rouges, celle aux boucles d'oreilles dorées. Chacune est plus réaliste que la précédente.
12H10 : La respiration devient difficile, la sortie est à droite, je reprends mon souffle auprès des autres visiteurs et de leurs enfants insupportables qui réclament sans cesse leurs cadeaux pour s'être tenus tranquilles.

http://www.pinacotheque.com/index.php?id=1000


Mary Hemmerter

Concert lors de "La Folle Journée 2015" à Nantes

            A l'occasion de la Folle journée 2015 à la Cité des congrès, eut lieu le 1^er février un concert d'Antonio Zambujo, une jeune chanteur portugais dont la musique est imprégnée du chant traditionnel de son pays : le fado. Le concert a duré environ 1 heure, la scène est occupée sobrement en accord avec le nombre de musiciens (5 exécutants) et leurs instruments acoustiques. Le chanteur est assis au centre, muni d'une guitare acoustique classique accompagné d'un autre guitariste à sa droite, muni d'une guitare portugaise traditionnelle, très employée pour les lignes mélodiques et les “solos” (il y a d'ailleurs introduit la première musique). Il y a aussi une importante composante du rythme à la contrebasse (à gauche du chanteur) qui n'a jamais recouru à l'archet afin de frotter les cordes, mais uniquement en les pinçant. Cela lui a donné une certaine liberté manuelle durant le concert, car il a pu jouer également du frottement des cordes allié au battement de la main sur le bois qui constitue matériellement tout l'instrument.

            C'est déjà un choix étonnant d'y ajouter cet élément à l'ensemble car on ne le trouve pas dans un groupe de musiciens traditionnels, bien que le fado soit rythmé par les cordes pincées de plusieurs guitares. C'est un instrument que l'on retrouve beaucoup en jazz notamment. Mais ce qui va encore contribuer à la nouveauté du groupe sont la clarinette et la trompette, en retrait par rapport aux autres musiciens présents sur la scène, qui ont eux aussi leur solo au sein de quelques morceaux. Souvent en duo, ils arrivent cependant à tirer de surprenantes sensations dans la façon qu'ils ont de jouer. Par exemple lors d'un morceau, le clarinettiste (simple et basse), tout en nappant d'un son régulier (que permettent les instruments à vents en fonction du souffle) va le scinder par résonnance en “ventousant” le bec de l'instrument ce qui crée véritablement un effet de ventouse. Le trompettiste qui l'accompagne, intervient aussi par des solos, en étant loin de la vision basique que l'on en a habituellement grâce aux nuances du son souvent dans l'adoucissement et dans des valeurs de notes allongées sur le temps, comme la clarinette dans une sorte de survol figurant tantôt en arrière plan tantôt en prenant de l'ampleur. Outre ces autres éléments qui transforment la tradition, la voix de l'interprète est de manière générale presque dans le chuchotement, ce qui s'écarte encore des chants qui regorgent d'un coffre vocal puissant.

            A côté de la musique, l'artiste était très sympathique et prenait la parole lors de chaque pause; vers la fin d'un morceau par exemple, un bébé s'est mis à pleurer, les musiciens terminant à peine de jouer le chanteur dit légèrement : « je vais quand même continuer à chanter.»

Robin Lopes

Timbuktu

Timbuktu
Film de Abderrahmane Sissako, 2014



Une gazelle court dans le sable.
Elle fuit les hommes. Chasseurs à la kalachnikov.
Près de Tombouctou, dans un petit village du Mali, des hommes se sont installés. Ce sont des djihadistes, de ceux qui ne se déchaussent pas dans les lieux saints, de ceux qui font appliquer la charia sur les autres avant de le faire sur eux-mêmes. Ils patrouillent, armés, dans les rues du village et dictent aux habitants la conduite à suivre; les femmes doivent porter des gants et des chaussettes, la musique est interdite, le football est interdit, les cigarettes également. 

Abderrahmane Sissako filme le quotidien. C'est du quotidien, surtout pas du sensationnel. C'est-à-dire que tous les événements vécus par les villageois sont de l'ordre de la vie courante. C'est pourquoi les scènes de violences n'ont rien de choquant si ce n'est leur existence même. On peut dire que la caméra est complètement objective. C'est, en ce sens, un film documentaire. 

Kidane vit dans les dunes avec sa famille. Il élève des vaches. Il représente la paix, la simplicité, la vertu. Car lui aussi est musulman, mais proche de dieu d'une manière différente. Les scènes de vie de cette famille sont agréables à regarder, il s'en dégage une beauté sincère. Les rapports humains sont vrais, les discussions essentielles, n'est dit que le nécessaire, la vérité. Cette famille ne vit pas dans le village, elle est éloignée des autres hommes, elle s'en est éloignée. Elle vit là où le vent souffle, où les dunes ondulent sous le soleil du soir. Cette famille est libre et indépendante. Cependant, les djihadistes viennent parfois, quand Kidane n'est pas là, pour parler à sa femme, sans doute pour la séduire. Cela montre bien que ce n'est pas du non-respect de l'autre, mais de la non-conscience de l'autre. C'est tout simplement de la bêtise. Je trouve d'ailleurs que ce film nous en dit beaucoup sur la bêtise.

Avant d'en dire plus, il faut préciser que toutes les personnes sont filmées de la même façon, les djihadistes comme les villageois, avec leurs forces, avec leurs faiblesses (caméra objective). En effet, on peut être attendri par une scène dans laquelle un père embrasse sa fille aussi bien que par les djihadistes qui se querellent à propos de football. Je trouve cela très humain et très intelligent pour aborder un tel sujet. Revenons-en à la bêtise.
Quand je dis bêtise, je pense ignorance. C'est-à-dire que certains des djihadistes ne savent pas exactement ce qu'ils font là, et pourquoi ils font de telles choses, au nom de quoi ? De dieu ? Ou parce qu'ils ont été influencés? En bref, sont-ils maîtres de leurs pensées, de leurs actions ? Une scène est particulièrement significative. Un jeune djihadiste (qui vient probablement de France) est censé dire devant la caméra à quel point ce qu'il fait est bon pour lui comme pour les autres (je parle de la charia). Cependant, il n'y parvient pas, il bégaie, ne sait pas quoi dire, son acolyte lui souffle même les réponses. On a pitié de ce jeune homme, qui certes tue des gens, mais se tue lui-même. Les gens qu'il tuera seront morts pour rien car ses idéaux n'existent pas, et c'est là que je parle de bêtise, de bêtise profonde.
On se rend compte du ridicule des djihadistes, bien qu'ils soient armés, violents et inconscients. Le premier sentiment est celui du ridicule. Ils sont ridicules. Paradoxalement, ils en sont drôles. Sissako dans le film ne remet la faute sur personne, il nous présente une situation religieuse et politique qui a pris le dessus sur les hommes. Ces derniers sont dépassés par les événements. C'est du pur gâchis. Ce qui est dur en regardant ce film est de se dire que tout cela pourrait facilement ne pas exister. C'est complètement absurde et maintenant personne n'y peut plus rien. 

Une des forces de ce film est qu'il nous met (en plus d'être spectateur) face à l'impuissance et je le redis, face à la bêtise, à l'ignorance, aux problèmes d'éducation, de transmission du savoir.
Ce film pourrait être la base de débats sur la société, la politique, la religion, la psychologie... Mais ce n'est pas le but ici.

L'image est belle, la scène panoramique qui suit le meurtre dans le fleuve est magnifique, elle est suave et douce, très délicate. La caméra glisse d'un endroit à un autre, d'une dune à l'autre avec finesse. De plus, elle filme des belles personnes. Le sourire des uns, les magnifiques vêtements des autres, les voix, les chansons, le silence. Le personnage de l'excentrique du village est intéressant (elle me rappelle Antonin Artaud " je suis fissurée !"). D'ailleurs la scène où un djihadiste danse sous ses yeux est très poétique. Cette "folle" fait de la résistance, accompagnée de son coq elle arpente les rues, fière, libre et sauvage. Elle est comme un oracle désabusé qui a accepté le sens de la vie et le cours des choses, mais qui lutte toujours fidèlement. 

En outre, la bande originale est enveloppante. D'autant plus que dans le film, la musique est interdite... De fait, quand on assiste au chant de Fatoumata Diawara, les poils se dressent sur les visages. Mes poils ont d'ailleurs presque quitté mon visage lors de la scène ou punie par la charia, elle chante sous les coups de fouets.  Diégétique
Pour finir, je dirais que ce film n'est ni porteur d'espoir, ni pessimiste, il est une traduction du réel et de ce qui existe, de ce que vivent les gens. Ce film est de l'ordre de la transmission du savoir. Surtout ici en Europe où il est très difficile d'imaginer un autre quotidien que le nôtre.

(Merci au réalisateur pour son humilité.)
La gazelle court toujours dans le sable. 

Olivier Gros-Laroche

« Idiot ! Parce que nous aurions dû nous aimer »

Mercredi 19, Jeudi 20 et Vendredi 21 Novembre 

Metteur en scène : Vincent Macaigne 

Titre : « Idiot ! Parce que nous aurions dû nous aimer » inspiré du roman « L’idiot» de Fiodor Dostoïevski

Inspiré par « L’idiot » de Fiodor Dostoïevski qui dans son roman expose les difficultés de la vérité et de la sincérité dans les cercles mondains, le spectacle en retient ses lignes de forces.

La mise en scène de Vincent Macaigne mêle tous les registres en allant du grotesque au lyrique, du tragique au dérisoire, de la violence à la douceur. 

Le plateau en deviendrait une « installation » avec ces boues noires qui tombent des murs, ces détritus en pagaille, ces corps qui trébuchent, le mur qui s’écroule … C’est un bric-à-brac scénique.

L’épuisement est comme le thème principal, la souillure, la hargne et le désespoir, face aux cris, aux hurlements qui s’intensifient à chaque parole mais le cri n’est pas dit comme une hystérie mais comme une urgence à dire, le spectateur s’en va ou encaisse ! C’est sans dire que Vincent Macaigne partage la rage de Fiodor Dostoïevski, la douleur des corps et des âmes, ce manifeste interroge sur l’état dégénératif d’une société qui se veut corrompue. 

Il adopte un point de vue philosophique d'après lequel le monde et l'existence humaine sont dénués de tout sens et de toutes valeurs. Un miroir de l’humanité désireuse de croire aux changements présentés dans un état d’exaltation violente et d’égarement menant aux pires excès mais dans une perpétuelle volonté de réagir et de sauver. 

Tous les êtres sont salis sauf «  l’idiot», ce prince naïf qui est pourtant le seul cœur pur.

L’urgence et le besoin apparaissent dans l’esthétique démesurée du début à la fin, il y avait une vision lourde dans la scénographie. La pièce n’accordait aucun repos tant dans le visuel que dans le dialogue. Si je devais parler de la démesure des cris, l’excessivité du jeu des acteurs face à la panique des spectateurs, on pourrait s’y sentir soit effrayé, soit attiré par cette rage qui les animaient, trouble psychique d’un grand mal être. Une mise en scène maximaliste qui met au dépourvu est difficilement supportable. Ces positionnements conflictuels, surjoués par les uns et les autres n'aident pas à comprendre quelles sont les solutions possibles pour sortir de cette situation et ne permettent pas d'arriver à trouver rapidement un consensus. La musique rock qui était très subversive accompagnait bien les propos. 

Pour conclure, nous sortons de ce spectacle avec l’idée dérangeante que nous sommes nous aussi responsables de la décadence de cette société et avec l’envie de lire cet auteur certainement indispensable à la pensée contemporaine...

C’est tout mais c’est déjà pas mal et c’est sans doute le principal.

Anais Chaussinand 

TIMO TOOTS « Z »

TIMO TOOTS « Z »

Du 6 déc au 4 janv. Au lieu unique. 1er étage.

Mar > Sam : 14h – 19h

Dim : 15h - 19h

« Z », c'est une grande pièce plongée dans l'obscurité. Un espace occupé par des objets connus de tous, mais dont les formes et les effets ne vous sont dévoilés que si vous êtes équipé de l'outil adapté, qui vous sera bien entendu remis à l'entrée. Vous voilà donc pourvu d'une curieuse machine sur roues, doté d'un écran relié à une caméra. Cette machine vous paraît lourde, de facture douteuse, mais elle sera néanmoins votre seule amie durant votre pérégrination. Quelques pas suffisent au premier étonnement : vous voyez à travers l'écran des choses que vous ne voyez pas à l’œil nu. Une première question se pose donc sur le fonctionnement de ladite machine. La vision nocturne est donc au programme, mais lorsque vous vous rapprochez de l'objet vous ne voyez rien, hormis du noir, ce noir si pesant. Quelle technologie permet cela ? Vous décidez de continuer dans la pièce, bien décidé à résoudre ce mystère en allant chercher des indices au centre de cette dernière. C'est à ce moment qu'un flot de lumière envahi votre écran. C'est à n'y rien comprendre, un coup d’œil dans la pièce vous  prouve bien que rien n'est allumé, que seule l'obscurité persiste. Après avoir remis votre santé mentale en question, vous vous approchez des objets et y décelez quelques indices intéressants, mais ne résolvant en rien le problème : comment cela est-il possible ? Toots utilise donc une technologie particulière pour nous montrer quelque chose. Mais quoi ? La question vous taraude et à cet instant vous voyez sur l'écran quelque chose de nouveau, quelque chose que vous n'avez pas en face de vous. Une main devant la caméra vous le confirme, vous suspectez un bug, et vous voyez finalement une personne inconnue devant vous, mais l'image est déjà revenue sur la pièce. Curieux. C'est donc avec prudence et amusement que vous continuez votre voyage, laissant de coté les phénomènes surnaturels donc vous avez été témoin. Vous comprenez assez vite que Timo Toots propose, grâce à ces images flottantes, une vision alternative du multimédia et de la connexion. Vous venez de vivre « différemment » cet instant dans cette pièce si étrange. Vous sortez de la salle, rangez la machine. C'est enfin le moment ; la seule décision que vous aurez à prendre durant cette expérience : demander toutes les explications (qui vous seront livrées), ou repartir comme vous êtes entré, perplexe.

Victor COURCIER

Présenter L'irreprésentable

Présenter L'irreprésentable

HAB Galerie, Nantes

29 novembre 2014 - 22 février 2015

De 13h à 18h du mercredi au vendredi et jusqu'à 19h le weekend

Commissariat : Alice Fleury et Blandine Chavanne

La thématique proposée fait à l’évidence appel à la notion de représentation sans doute un des questionnements majeurs dans l’histoire de l’art. La divergence des réponses proposées par les trois artistes, qui peut être déroutante, révèle la complexité d’une telle problématique. Comment présenter l’irreprésentable ?

Pour Jean-Jacques Lebel, le ton est engagé. L’irreprésentable figure ici les menaces indicibles et continuelles des dérives brutales de l’humanité. Le point d’articulation est sans doute le grand tableau antifasciste fonctionnant en écho avec Le labyrinthe et Hitler et Eva Braun cinéastes. C’est la répétition insidieuse de l’Histoire qui est révélée : les totalitarismes de la Seconde Guerre mondiale, la guerre d’Algérie, les exactions commises par l’armée américaine en Afghanistan… La confrontation aux œuvres se veut brutale, sourde et combative.

Dans la proposition d’Alain Fleischer, l’irreprésentable dévoile plutôt ce qui échappe à la perception physique et à la reconstitution mentale. Ses travaux évoquent les réflexions sur la photographie de Walter Benjamin  qui révèle entre autres les difficultés à appréhender la relation entre espace et temps. Comment comprendre que l’espace d’une image a son temps propre ou inversement, que chaque instant a son espace physique propre ?  

Dans Théâtre pour la main, un hommage au Marquis de Sade, Danielle Schirman propose une mise en scène du désir sans frontière. La vidéo est issue d'un livre d'illustrations animé réalisé par l'artiste elle-même contenant des saynètes manipulables par le spectateur évoquant la société libertine du XVIIIème. Dans la vidéo cette possibilité n'est plus offerte au spectateur, les images sont imposées... La présentation du désir est également évoquée dans les propositions d'Alain Fleischer "Ecran sensible" et de Jean Jacques Lebel de même "Les avatars de Vénus".

Maxime Charbonnier

André Robillard, L’autre de l’art

« Une claque dans ma tronche »

LaM, Villeneuve d’Ascq, André Robillard in exposition L’autre de l’art 

J’avais les yeux dans le brouillard avant d’arriver au LAM. En entrant dans ce dernier, mon état s’est entièrement transformé : c’était comme une grande claque dans ma tronche.

L’art brut m’a toujours convaincu que les fous et les enfants ont la plus grande sincérité artistique. Dans ce musée, par cet esprit infantile, natif, volcanique et poétique, je me suis retrouvé charmé par ce voyage dans cette exposition.

Si je devais citer l’exemple le plus marquant et le plus éloquent, ce serait, sans aucun doute, pour ma part, le travail d’André Robillard. Ses œuvres sont marquantes par leurs libertés créatrices notamment au niveau des couleurs très surprenantes. Habituellement j’ai peur de mêler certaines pigmentations, il existe une sorte de mur qui m’empêche de céder à l’utilisation du nuancier dans mes productions et sujets. Ce mur, je l’ai retrouvé brisé et démoli lors de ma contemplation des œuvres de Robillard. C’est sans aucun doute ce que je recherche le plus lors d’une visite d’exposition : l’exaltation vers l’inconnu, quelque chose que je ne connais pas et que je ne sais pas faire.

Bien évidemment, on ne peut qu’admirer le travail de Robillard quant à la forme et l’essence même de l’iconographie qu’il nous impose : ces armes qu’il représente dans leurs lignes claires, apparaissent et deviennent des objets comiques et touchants. Il y a une proximité au hasard dans ses choix de matériaux, ce qui apporte une dimension parfois absurde à ses productions. Les armes, dans leurs aspects froids, s’imprègnent d’une chaleur dans la façon dont il les compose grâce à des objets de toutes sortes. J’ai été agréablement surpris, lors de ma promenade culturelle, de sa vision colorée autant dans ses sculptures que dans ses dessins.

Enfin, le LAM a véritablement réussi à créer en moi un sentiment de découverte et d’émerveillement tant dans son organisation de l’espace, libre et légère, que dans la présentation des cycles et artistes. 

Mathias Brosset