Niki de Saint Phalle

Niki de Saint Phalle, exposition au Grand Palais du 17 septembre 2014 au 2 février 2015 à Paris

Commissaire d'exposition: Camille Morineau

Niki de Saint Phalle, une beauté armée, l'esthétique d'un combat. 

        Ses œuvres sont chargées pas sa révolte et ses munitions sont ses idées.

Je marche dans les allées de son évolution, de sa résolution, et je comprends au fur et à mesure de mes déambulations ce que l'artiste dénonce et démontre, au travers de son oeuvre.

D'abord une observation, comme une étude de la femme et de sa condition. Toujours accompagnées d'une comparaison avec l'homme, ses créations sont résolument féminines (pas encore tout à fait féministes). Elle répond à l'homme sceptique: "évidemment que mes œuvres sont féminines, je suis la créatrice et je suis une femme."

L'homme envierait-il la femme? Lui qui a le pouvoir, lui qui construit la politique et les buildings, il ne sera jamais maître de la création première car la femme accouche.

La femme crée et l'homme dirige.

Niki de Saint Phalle ne saurait se résoudre à cette idée et invente la série des "Nanas". Son message est celui de l'espoir, de la joie, de la beauté et de la liberté.

Mais je décèle une contradiction, tout au long du parcours, celle qu'elle porte en elle depuis son enfance, celle de sa (pratique) plastique et de sa sombre histoire. Ses œuvres plaident une cause féministe, portent un message contre la société patriarcale, cherchent à tuer le pouvoir de l'homme. Cherchent à tuer le père ? Le premier homme à avoir abusé d'elle. Et ses "Nanas" sont sexualisées, on peut entrer en elles par le trou de la matrice. Sauf que dans ses œuvres, Niki maîtrise, Niki contrôle, Niki décide. Renforcée par ce pouvoir, l'artiste s'arme et tire. Elle fait couler la peinture des objets, de la société, de certaines idées et s'affirme sur la scène artistique.         Elle prend de plus en plus de place. 
Niki de Saint Phalle commence par dénoncer, puis tue, puis reconstruit un monde à sa manière, à son envie, avec toute la beauté d'un monde qu'elle voudrait féminin et dans lequel elle serait heureuse de vivre.

Le Jardin des Tarots, reconstitué à la fin de l'exposition, nous plonge dans cet univers, débarrassé de la violence, bâti par un besoin de sérénité. La mosaïque et les éclats de miroirs me renvoient toujours à cette vie morcelée et aux premiers travaux de l'artiste, reconnue schizophrène à 23 ans. Son combat semble se terminer dans ce jardin de la douce folie. Niki de Saint Phalle accepterait-elle enfin la paix?

Emma BATHILDE

Tenir le pas perdu, Claire Pollet

Lieu : Short - Nantes / http://www.espaceshort.com/
Artiste : Claire Pollet
Dates de l'exposition : 06/09 - 05/10/2014

Tenir le pas perdu

Perplexe, je suis déçue, je m'attendais à une grande exposition, diverse et variée, mais non. Je me retrouve dans une salle de quinze mètres carrés, blanche immaculée où se trouvent trois tables, sur lesquelles sont posées des feuilles recouvertes d'écrits. L'art contemporain à l'état pur. 

Mais voilà comme souvent, cet art est réservé aux personnes curieuses et patientes. Il faut comprendre l'œuvre pour l'apprécier. 

Dans cette petite salle se trouve bien plus que de simples pages posées sur des tables. L'artiste dont il est question s'appelle Claire Pollet. Elle nous présente ici son œuvre intitulée "Tenir le pas perdu". 

Je pense que pour bien comprendre son œuvre et sa démarche, il faut remonter en amont de sa carrière. En effet, il y a quatre ans en 2010, Claire réalise Réserve, une œuvre en trois temps : lecture de livres suivie de leur destruction par immersion, puis enfermement dans un bloc de glace. 

  Or, en réalisant cette œuvre, c'est elle-même qui s'enferme dans un bloc de glace. Elle plonge dans une longue période glaciaire, durant laquelle elle se retrouve dans l'incapacité de créer quoi que ce soit. 

Tenir le pas perdu, est en fait un autoportrait constitué d'emprunts. Elle se délaisse de ses maux en utilisant les mots des autres. On y aperçoit presque une sorte de thérapie, qui lui a permis au fur et à mesure de renouer avec la création artistique.

L'artiste est extrêmement présente. Il y a le battement de son cœur que l'on entend en fond sonore, mais aussi un mécanisme permettant aux pages de tourner sans l'intervention du spectateur. C'est comme si nous étions en elle, dans un cocon. Elle est là, et nous guide au rythme de son cœur et de ses mots. 

Perplexe au début je me retrouve finalement devant une œuvre d'une élégante simplicité qui se suffit à elle même grâce à sa sincérité.

Carrouée Pauline. 

Perturbations, Céleste Boursier-Mougenot

Perturbations, Céleste Boursier-Mougenot

Perturbations, Céleste Boursier-Mougenot

aux Abattoirs à Toulouse (FRAC Midi-Pyrénées)

du 31 janvier 2014 au 4 mai 2014.

Nef des Abattoirs je traverse, pour atteindre le vide laissant apparaître le sous-sol : une pluie file devant mes yeux et touche les peaux transparentes des toms. Paiste, pourquoi n’avez-vous pas scintillé ?

Descendons les escaliers blancs sur notre droite : le Carré d’eau finissant par vibrer lui aussi dans une logique de fission nucléaire Pacifique, semble finalement orchestrer ce ballet d’une beauté absurde. Maria, que dis-tu ? Des pianos à queue glissant, se cognant sans même entendre leurs cordes vibrer ? Du bois de cerisier.

Ce canapé Chesterfield renvoie la couleur de ton subwoofer, mais non, pas le temps d’en goûter le plaisir, des images N&B s’inversant scintillant inondent la rétine concave déjà condamnée. Avec cette télécommande tu fais survivre le flux pendant que le drone survole déjà mes zones auditives associatives.

Allongés dans le noir, nous nous laissons envahir par ces corps sonores. Ils nous dévorent sensuellement : je suis l’heureuse impuissance. Hypnotisés nous sommes dans ces Dunes de Smarin : peut-être t’évoqueront-elles le confort des Liquid Crystal Environments ?

Julie MENGUY

L'oeuvre averses de Céleste Boursier-Mougenot (© Peter Van Balmoos)

Supportive, Gustav Metzger au MAC de Lyon, en 2013 (pdf)

Conférence et discussion publiques autour de l’œuvre "Averses" de Céleste Boursier-Mougenot, le 3 Avril 2014 à 18h30 aux Abattoirs

Une vidéo de l'exposition réalisée par Le mur dans le miroir

A Propos du Labex OCEVU, partenaire de l’artiste Céleste Boursier-Mougenot aux Abattoirs de Toulouse

Céleste Boursier-Mougenot à la galerie Xippas

Bill Viola au Grand Palais

Bill Viola

Artiste : Bill Viola

Commissaire : Jérôme Neutres

Lieu de l’exposition : Grand Palais 3, Avenue Du Général Eisenhower, Paris 75008

Les dates : 5 mars-21 juillet 2014

Site internet : http://www.grandpalais.fr

L’œuvre de Bill Viola a été présentée dans de nombreux musées du monde, mais c’est la première rétrospective en France, ainsi que la première exposition dédiée à l’art vidéo.

J’ai visité avec beaucoup de surprise chaque salle plongée dans une pénombre presque constante. Les salles, l’une après l’autre, proposaient de nouvelles vidéos évidemment, mais aussi de nouvelles compositions et installations de projections. J’ai été touchée par la diversité des formats, tantôt des petites télés, tantôt un unique format très allongé ou encore une installation avec plusieurs écrans les uns après les autres faisant se mélanger deux vidéos. A chaque moment l’œil est captivé, attiré par des mouvements, des couleurs, des histoires, il n’y a pas de pause il se passe toujours quelque chose même si c’est imperceptible (des ralentis sans fin par exemple, qui pour moi créaient une immense tension)

Pour ma part je ne connais pas bien l’art vidéo et je ne me suis jamais beaucoup intéressée à ce médium. Souvent dans les expositions les vidéos ne me parlent pas, je n’arrive pas à les comprendre ou alors je les trouve sans intérêt. C’est assez rare que cela me captive et pourtant je suis allée voir cette exposition qui est assez longue à visiter et je ne me suis jamais ennuyée, les vidéos racontent énormément de choses et quand je ne les comprenais pas vraiment elles étaient juste incroyablement belles. Je n’avais pas envie de partir je voulais rester revoir les vidéos et jusqu'à aujourd’hui je sais que je retournerai voir l’exposition avant qu’elle ne se termine. Je pense que c’est peut- être une bonne chose d’y aller deux fois car effectivement c’est une longue exposition (il y a des vidéos qui durent 30 minutes), qui peut demander certaines formes de concentration. Et en sortant de l’exposition et les jours qui ont suivi j’interprétais ce que j’ai vu, de ce fait j’ai très envie d’aller revoir ces vidéos en ayant réfléchi sur le travail de Bill Viola afin de peut être saisir encore autre chose de ses images ou bien d’en être touchée différemment.

Elisa Ramirez L1 (2013- 2014)

NOUVELLES HISTOIRES DE FANTÔMES

NOUVELLES HISTOIRES DE FANTÔMES

GEORGES DIDI-HUBERMAN ET ARNO GISINGER

14/02/2014-07/09/14

Palais de Tokyo

Jusqu’au 7 septembre, le philosophe et critique d’art Georges Didi-Huberman et le photographe Arno Gisinger proposent, au Palais de Tokyo, l’exposition « Nouvelles histoires de fantômes »; un travail d’installation de photos et vidéos s’inspirant de l’Atlas Mnémosyne réalisé par le travail de recherches qu’Aby Warburg entreprit entre 1923 et 1927. Cette exposition fait écho à l ‘exposition Atlas réalisée par Didi-Huberman en 2010 au Musée national centre d’art Reina Sofía à Madrid et à l’exposition réalisée par Didi Huberman et Arno Gisinger au Fresnoy en 2012 dont elle reprend le dispositif.
L’Atlas de Warburg se construit comme une bibliothèque d'images organisée en différentes planches, correspondant chacune à un thème, qui recensent tout un panel iconographique issu de l'histoire de l’art.Nouvelles histoires de fantômes traite de la planche 42 de cet Atlas, consacrée au motif de la Pietà et des lamentations que les vivants murmurent, profèrent, hurlent ou chantent devant leurs morts.
Ici, les 2 artistes prolongent cette réflexion sur la « tragédie de la culture occidentale» dans une relecture des travaux de Warburg.
L’exposition est introduite par une projection de la vidéo Mnémosyn 42, qui propose différents points de vue de la planche 42 de l’Atlas Mnémosyne. Un escalier mène ensuite à une coursive surplombant l'espace principal de l'exposition. Sur le sol, au-dessous de nous, sont projetés des extraits de films et des photos sélectionnés par Georges Didi-Huberman. De Pasolini à Godard, en passant par Eisenstein, les images de fiction se mêlent à des images d'archive, documentaires, anthropologiques, ethnologiques ou photographiques, qui viennent prolonger la thématique du deuil et proposent ainsi une mise en espace sonore et visuelle de l’énergie déployée par les vivants autour de leurs morts. Sur les murs de ce même espace, Arno Gisinger présente la pièce photographique Atlas , suite. L’artiste a photographié pendant 3 semaines l’exposition Atlas citée plus haut. Il en présente aussi bien le montage que le démontage ; on aperçoit des œuvres emballées, empaquetées, des perceuses, des balais, des caisses, ainsi que les œuvres alors présentées. Atlas, suite est un travail d’interprétation et de remontage, un essai visuel sur certaines constellations d’images à partir desquelles de nouvelles rencontres, de nouvelles significations surgissent.

Anjeli Pillay

 

                        

                        

LEÇONS D’HARMONIE

LEÇONS D’HARMONIE

Réalisé par Emir Baigazin

Kazakhstan

En salle le 26 mars 2014 (durée 1H44min)

Aslan est un adolescent vivant dans un village du Kazakhstan avec sa grand-mère. Isolé et perpétuellement brimé par ses camarades, dont un gang de racketteurs mené par le caïd Bolat. Aslan se replie sur lui-même, il est d’une intelligence perverse et expérimente la chimie seul chez lui, il souffre apparemment d’un perfectionnisme effronté. Il semble en désaccord complet avec son environnement dont il détient cependant tous les codes.

Une leçon d’harmonie ? En musique, l'harmonie renvoie aux simultanéités sonores et plus précisément aux accords. Dans la théorie de la musique occidentale, l'harmonie étudie la construction des accords, les principes qui les gouvernent et leurs enchaînements.

Dans le drame d’Emir Baigazin, c’est une leçon de composition qui nous est imposée, l’enchaînement des événements depuis la première scène nous plonge dans un suspens qui pourrait devenir insoutenable bien que régulé par la lenteur de la construction.

La caméra est un témoin, au même niveau que le spectateur, des dérives du film. Violence, drame, crime, tentative de suicide, la suggestion est un travail primordial pour Emir Baigazin, l’ellipse devient une fascination.

Mais là ou une réalité est filmée crûment, on assiste à une très inquiétante leçon d’harmonie de la modernité. Dans une importante opposition entre des cours d’histoire ou un professeur fait un portrait de Gandhi, la morale de l’islam et les smartphones et baskets nike des collégiens vivant pour la plupart dans la misère.

La leçon d’harmonie c’est bien Aslan qui nous la dispense, le personnage nous immerge dans un semi-rêve d’images parfaites et nous laisse construire un thriller qui n’en est pas un, manipulation silencieuse et gracieuse, perturbante leçon de cinéma.

Capucine Lageat

Les Journées du Code Créatif à Stereolux, Nantes

Les Journées du Code Créatif à Stereolux, Nantes

Les 30 et 31 janvier 2014, le Stereolux (Nantes) a organisé les Journées du Code Créatif, consacrées au langage de programmation "Processing".

Le logiciel Processing est l'un des principaux environnements de programmation permettant la génération d’œuvres multimédia sur ordinateur : Design génératif, arts numériques, visualisation des données.

Lorsque l'on entre dans l'exposition ‘Processing’ on est tout de suite frappé par le peu d'œuvres en relief exposées, une seule œuvre interactive ‘Murmur’ et quelques écrans diffusant en continu des créations vidéo du moment, délivrées du web le temps de cette exposition.

L'œuvre interactive ‘Murmur’ est « une prothèse architecture » qui permet un dialogue entre les passants et le mur sur lequel elle est connectée. L'installation simule le déplacement des ondes sonores de la voix du spectateur qui construit un pont lumineux entre le monde physique et les mondes virtuels.  Il y a un effet magique, un mystère sur la manière dont les ondes sonores se déplacent pour se transformer chaque fois de manière différente à la surface du mur. ‘Murmur’ se concentre sur ce mouvement, créant ainsi un dialogue conventionnel entre le public et le mur, matérialisant le déplacement des ondes sonores. ‘Murmur’ détourne les notions de vitesse, d’espace et de temps.

Les vidéos présentées varient en contenu, on a pu voir des danseurs faits de particules se désintégrer au grè de leurs propres mouvements (Cédric Kiefer), des univers 3D s'enroulant sur eux-mêmes, ainsi que des lignes tendues dans l'espace qui réagissent aux sons et se transforment jusqu’ à former des motifs psychédéliques (Daniel Sierra).

Processing s'adapte très bien à divers domaines de création (son, mouvements etc…) ceci permettant de créer des œuvres interactives avec une multitude de possibilités.

Le spectateur se trouve transporté et happé par des univers virtuels qui éblouissent par leur complexité et leur fluidité. On se prend à rêver de programmer des animations de toutes sortes. On tire aussi une grande satisfaction à imaginer le travail du programmeur et les obstacles rencontrés dans cet environnement rigide et froid pour aboutir à une production fluide et scintillante.

Processing est en somme un outil de programmation sur lequel il faut désormais compter et qui, si l'on si met, peut permettre de réaliser des productions intéressantes.

Eliot Lee