Michel JOURNIAC

24 heures de la vie d’une femme ordinaire

Fantasmes /Réalités

1974

Œuvre exposée au Centre Pompidou de Paris, dans l’exposition Elles@Centre Pompidou

Entrée gratuite pour les moins de 26 ans

27 mai 2009 - 21 février 2011

11h00 - 21h00

 

Tic Tac

L’horloge tourne, les heures défilent.

La ménagère a 24heures pour montrer qu’elle est la femme au foyer parfaite

Arrêt sur images. Panorama  noir et blanc

Etrange banalité ?

ELLE,

Et son habit de ménagère

Souriante, aimante, intentionnée

Prise dans une machine infernale

Celle des tâches quotidiennes

« Nettoyer, balayer, astiquer »

Oubliée, enfermée dans ce tourbillon de tâches

A la fois triste et drôle 

Cette « desperate housewife »

Etrange malaise ?

LUI,

Les traits durs, effacés

Ignorant et désintéressé

Propriétaire des clefs de la cage de verre

Où  s’affaire

Sa chère et tendre

Sois belle, serviable

Aux petits soins de ton mari

Mais surtout tais toi

Tic Tac. Arrêt sur image. Atmosphère dérangeante

Ce corps,

A la fois matériau et moyen de communication

Un troisième sexe

Mis en scène et instrumentalisé

Repoussant, désirant, … inquiétant

Nous tirant à la fois les larmes et les rires

Ce corps travesti dérangeant. Etrange

Le troisième sexe

Ni masculin, ni féminin

Les 24 heures de la vie d’une femme ordinaire sont là représentées par douze photographies en noir et blanc accrochées  au mur de l’exposition fait par et pour les femmes artistes. Sauf que ces photographies se situent dans une section originale nommée « Transformers », dont les œuvres rejettent les catégories sexuelles traditionnelles.

Tic Tac.

Face à ce mur blanc l’horloge se met en route. Telle une marionnette la ménagère rentre parfaitement dans son rôle. Elle enchaîne assidûment les tâches. Toujours souriante, aimante.

Pathétique. 

Cependant une question persiste … Est-ce la réalité ou un fantasme ?

Boudot Mélina

L1 Audencia

 

 

Kim En Joong

Kim En Joong
Passeur de lumière

Du 26/10/10 au 05/03/11

tarif réduit 1€, gratuité moins de 18 ans et demandeur d’emploi

Passage Sainte Croix, 9 rue de la Bâclerie, 44 000 NANTES

http://www.pedagogie.ac-nantes.fr/

Le Passage Sainte-Croix expose depuis peu certaines œuvres de l’artiste sud-coréen Kim En Jong. L’architecture du lieu se prête particulièrement bien à l’œuvre de cet artiste qui, comme il le dit lui-même, travaille la matière pour « aller des ténèbres à la lumière ». En effet le Passage, inondé de lumière du fait de son toit de verre, recèle cependant quelques zones d’ombre soulignées par les vieilles poutres qui agrémentent son architecture. Le spectateur évolue alors dans un environnement, entre ténèbres et lumière, qui favorise sa sensibilité et le prédispose à appréhender l’œuvre de ce peintre abstrait.

                Influencé très jeune par la culture artistique occidentale, son travail le distingue des artistes asiatiques traditionnels. Il est possible de voir dans cette exposition divers types d’œuvre : sur toile, sur papier, et même sur verre. Cependant, quelque soit le support utilisé, chacune de ces œuvres reflète le même cheminement de pensée. L’artiste ne cherche pas à représenter, il ne donne d’ailleurs pas de titre à ces œuvres, afin de ne pas diriger le spectateur vers une interprétation plutôt qu’une autre. A ce dernier de regarder la peinture « comme un nuage », pour reprendre les mots de l’artiste. 

                En effet, il ne s’agit pas face à ces œuvres d’y rechercher quelque chose. Le spectateur n’a qu’à se laisser guider par ses sensations. Appuyé par l’agencement du Passage et ses jeux de lumière, toute l’exposition prend une dimension particulière.

                L’amateur d’art, confirmé ou non, sera charmé par le travail de l’artiste et sa mise en scène dans le Passage Sainte Croix. Quant au spectateur qui sera entré dans le Passage par hasard pour échapper au froid glacial ou rompre la monotonie de sa journée, il aura bien choisi son exposition. On ne reste pas insensible à la lumière qui se dégage de l’œuvre de Kim En Joong, et l’on en garde un souvenir longtemps après avoir quitté le Passage.

Pourprix Madeline

L1Audencia

Edwin Apps

Edwin Apps
« les sans voix » et « il fait jour »
Galerie d’art contemporain Alain Rouzé, Nantes

L’entrée dans l’univers des sans voix d’Edwin Apps m’arrache un sourire tant ces personnages aux couleurs vives et visages lisses m’étonnent, la marée des visages identiques, bouches bée, me submerge, m’imposant le silence voire l’adoption d’une expression similaire. Ces visages privés de parole dénoncent l’impuissance du peuple d’aujourd’hui à s’exprimer, des hommes aphones, incapables de faire entendre leurs voix et surtout leurs critiques, amenés alors à tolérer une politique révoltante, celle de Bush, qu’Edwin Apps critique ouvertement.

Edwin Apps a fait l’expérience de la vie retirée du monde actuel, de sa globalité, en décidant de renoncer aux moyens de communication qui nous sont aujourd’hui indispensables. Exilé pendant un demi-siècle, il ressort de l’ombre et découvre un monde qu’il ne comprend pas, un monde absurde. Il exprime alors l’agressivité de la lumière rentrant dans une pièce montrant que le jour est levé, signalant le départ de la journée, des activités familières, peut-être trop… dès lors le monde extérieur est l’effrayant reflet de l’hostilité primaire de la nature et l’envie de rentrer, de s’enfermer pour n’avoir que pour seule compagnie les divagations de mes pensées me prend, irrésistible et troublante révélation de l’angoisse refoulée de sortir au grand jour, d’affronter la vie. Je me sentais alors terriblement proche de l’homme qui devant moi redevenait l’enfant à la fois craintif et curieux mais qui, pour grandir, devait quitter son cocon et la chaleureuse douceur qui y régnait. Le message politique de l’artiste, indispensable à mes yeux afin d’apprécier ses œuvres s’estompe dès lors que chacun trouve la résonnance personnelle qui lui permet de ressentir l’œuvre…

C’est la vérité troublante, crue que nous offre l’étonnant Edwin Apps, incisif, plein d’humour et avec cette part d’enfance rafraichissante dans un monde trop grave et trop sérieux, où le rêve et les convictions disparaissent trop souvent dès l’entrée dans la « cour des grands »…

Lucile Sanquer

L1 Audencia

Jean-Michel Basquiat

Jean-Michel Basquiat,
Musée d’art moderne, Paris du 15/10/2010 au 31/01/2011

Un appel, un cri. L’envie viscérale de connaître, de comprendre la race humaine et soi avant tout. Et cette réponse qui tombe comme la lame d’une guillotine : on ne perce pas le secret de la conscience humaine. Les cours de Gray expliquent et mettent le corps à nu. Or c’est à travers le regard naïf d’un enfant perdu dans un monde décomposé que la vérité transparaît. Sa vérité. Mais aussi ses rêves, ses passions colorées et la parole poétique de cet être destiné à une vie fulgurante, de ce jeune homme qui aspirait à exister tout simplement. Si l’on est déconcerté à l’entrée, on en ressort grandi, gonflé d’un élan vital qu’a réussi à nous insuffler le prince de New York qui apposera sa couronne dans son œuvre toute au long de sa vie. 

Organisée chronologiquement, on suit le parcours du peintre depuis sa première exposition à la galerie Annina Nosei à New York en 1981 jusqu’à celle qui fut réalisée à la galerie Larry Gagosian de Los Angeles en 1986. L’évolution du style est sensible ; on note en effet un glissement d’une peinture essentiellement composée de figures divines et humaines qui exhibent leur anatomie et de jets de couleurs vives à une peinture relativement plus sobre et plus bouleversante dans la mesure où les mots et les chiffres instaurent un dialogue avec le dessin. Mais la transition reste floue tandis que les influences extérieures viennent enrichir la vision déjà large et originale de cet artiste marginal et charismatique.  Son regard curieux se pose sur toute sorte d’objets et d’œuvres qu’il invite dans ses tableaux et qui deviennent dès lors les sujets de notre curiosité. Une exposition radieuse qui force ceux qui se laissent happer par ses compositions à retrouver leurs yeux d’enfants et leurs premières angoisses face aux souffrances humaines et à l’inanité de l’existence.

Laure Deroche

L1 Audencia

Air(e) de retard Exposition d’Alain Bernardini

L’artiste-photographe, vitriote, ancien résident du CENTQUATRE, tente de proposer depuis cinq ans une autre représentation du monde du travail. Cette fois-ci, il est exposé à la base d’Appui d’Entre Deux à Nantes, qui assure la promotion et la diffusion  de l’art public contemporain.

Devant la base d’Appui de l’Entre Deux, on peut voir un petit panneau routier avec comme indication « Air(e)  de retard », puis on entre par une porte vitrée, on suit un petit couloir, avant d’atterrir sur une estrade en bois. Ça a l’air chaleureux comme endroit. La preuve, un chat dort sur l’estrade. Onze photos nous font face, certaines ont comme support des panneaux métalliques comme ceux placés au bord des routes.

Camionnette. Air(e) de retard. Deux femmes. Attendre. Homme. Cravate. Voiture. Construction.

Premier sentiment : intriguée.

Aucun cartel. Pas de titre. Pas d’indice.

J’avais décidé de ne pas me renseigner sur l’artiste et sur ses travaux précédents avant d’aller voir l’exposition.

Questionnement. Déambulation. Etonnement. Tâtonnement. Questionnement. Flânerie.

J’élabore des interprétations farfelues pour chacune des photos.

Je me tourne vers des bulletins de retard, soussignés Alain Bernardini, adressés à des salariés. Pour voir ce que ça fait. Sans raison. Pour visionner des films. Pour discuter.

Je souris. C’est drôle ! Je retourne vers les photos. Je marche, je m’approche, je m’arrête, puis je crois comprendre.

Air(e) de retard. Salariés. Travail. Route. Voiture. Pause. Se garer. Temps. Hypermobilité. Résistance. Pression. Ponctualité. Paysage. Mer. Sable.

J’adhère.

Sur le point de m’en aller, dernière photo non placée sur le même mur me fait face. J’ai failli partir sans la voir, illumination ! Enfin…je crois.

Où voir cette exposition ?

A la base d’Appui d’Entre Deux

5 avenue de l’Hôtel Dieu à Nantes

Quand ?

Les mardis, jeudis, vendredis, samedis de 14h30 à 19h.

Jusqu’au 18 décembre 2010.

Entrée Libre

http://www.entre-deux.org/

La route de la soie, Le tri postal, Lille

De retour dans ma ville natale ce weekend de décembre, comment ne pas me sentir inexorablement poussée par son dynamisme culturel? Me frayant un chemin à travers la neige, je décidais de faire un tour dans ma galerie d'art contemporain favorite : le Tri Postal. Depuis le 20 octobre et jusqu'au 16 janvier s'y tient une exposition... exceptionnelle : «La route de la soie» dans le cadre de la manifestation culturelle Lille 3000. Celle-ci accueille une trentaine d'artistes venus des pays composant cette route : Inde, Iran, Pakistan, Chine... Les œuvres (soixante en tout) sont issues de la célèbre collection de la Saatchi Gallery, une des plus grandes collections d'art contemporain d'Europe située à Londres.

En entrant, une première impression, celle de voir se dessiner sous mes yeux une nouvelle route de la soie, celle d'aujourd'hui, une route du commerce international, de ses grands nœuds et de ses conséquences. Ici, une vache, animal sacré en Inde, se retrouve coincée dans un tuyau de canalisation (sculpture de Huma Mulji intitulée her Suburban Dream). Elle nous emmène dans son pays, on y voit la métaphore de tous ces paysans indiens qui eux aussi à leur arrivée dans les grandes villes mondiales naissantes de l'Inde se sont retrouvés coincés dans des bidonvilles sans issue et qui s’étendent à l'infini, démunis et sans emplois.

Là, des corps d'ouvriers chinois suspendus au plafond, progéniture littéralement «moulée» du gouvernement chinois (installation du chinois Zhang Dali, Chinese offspring).

Ces œuvres nous touchent parce qu'elles nous parlent, parce qu'elles dénoncent, et toute l'exposition est une invitation à la découverte de chacun de ces pays moteurs du monde et de leurs problématiques et injustices. Bref, un regard passionné et passionnant d'artistes sur leurs pays, étapes légendaires d'une route commerciale qui décidément n'a pas finit de faire parler d'elle.

Elise Wiart.

Audencia L1

Pour en savoir plus : http://www.lille3000.eu/laroutedelasoie/fr/

 

Regards croisés : Nantes - Bamako

Mohamed Camara

L’Atelier (1 rue de Châteaubriand, Nantes)

Du mercredi 10 novembre au dimanche 5 décembre 2010
Du mardi au samedi de 13h à 19h et le dimanche de 10h à 15h

Entrée libre

J’ai d’abord été surprise et déçue en parcourant les premières salles de cette exposition. Les photographies étaient intéressantes mais la qualité de tirage était mauvaise. En effet, dans ces salles (photographies de 2002 à 2006), les tirages étaient inappropriés et les pixels étaient très visibles. De plus j’ai trouvé les photographies assez inégales. Certaines paraissaient vraiment recherchées : des jeux de lumière, d’ombre et de tissus ; d’autres au contraire semblaient très amateurs. Ces photographies représentaient la vie de tous les jours d’un jeune malien : sa maison, ses proches, ses passions (le football notamment), etc. Elles étaient prises d’un point de vue assez intime. Nous entrons dans la vie du photographe et de ses proches mais gardons en même temps une certaine distance respectueuse. Par exemple, des mains sur un tissu coloré, une femme dans l’embrasure d’une porte, entre l’obscurité de l’intérieur et la lumière aveuglante de l’extérieur, deux amis dormant l’un en face de l’autre, un homme priant, etc.

En arrivant dans la dernière pièce, qui correspondait aux photographies les plus récentes de Mohamed Camara, j’ai été frappée par l’évolution de sa photographie. Tout d’abord, la qualité des photographies était très bonne ; de plus, on sentait qu’il ne s’agissait plus d’un jeune homme utilisant un appareil photo pour la première fois. En 2002, Mohamed Camara s’était vu prêter un appareil photo pour quelques jours alors qu’il était adolescent à Bamako. Il ne connaissait alors rien à la photographie mais a été tenté par le défi qui lui était lancé. Dans cette salle étaient exposés douze diptyques sur le thème regards croisés entre Nantes et Bamako.

Sans ces explications, il me semble difficile de comprendre cette exposition et j’aurais, je pense, garder un souvenir plutôt négatif de cette exposition. La démarche me paraît en effet quasiment plus intéressante que certaines des photographies. En connaissant le contexte, il apparaît clairement que Mohamed Camara a (et avait même sans connaissance de la photographie) ce « quelque chose » : un point de vue à lui.

Clémentine Pasquet

L1 Audencia