« SI J'AVAIS UN MARTEAU… » HAB Galerie, Nantes. Jusqu’au 6 janvier 2013

« SI J'AVAIS UN MARTEAU… » HAB Galerie, Nantes. Jusqu’au 6 janvier 2013

L'exposition est située au hangar à bananes, que, soyons franc je connaissais essentiellement pour ces bars qui longent la Loire, et moins pour la galerie du "hangar 21",soit la HAB galerie.

Alors que je suis sur le point de rentrer pour commencer l'exposition, je me prends à réfléchir sur le thème donné...

"Si j'avais un marteau" m'évoque des ouvriers en train de travailler, le bruit d'un marteau-piqueur que l'on entend depuis la rue, les magasins de bricolage, Claude François... 

Mais voilà que je cesse de dériver sur ce que ce sujet m'évoque. Je suis dans la galerie. Je commence la visite.

Le bruit d'un marteau.

L'espace est "simple", il n'y a pas de couloirs alambiqués, juste une salle en forme de L à l'envers dans laquelle nous évoluons d'œuvre en œuvre, d'artiste en artiste.

C'est dès l'entrée sur la droite, qu'une forme de malaise m'envahit, une œuvre en particulier en est la cause : elle consiste en une palissade (Raymond Hains) posée sur le mur de la galerie sans aucune autre intervention que le fait de l'avoir déplacée dans ce lieu d'exposition. Alors qu'une bataille fait rage en moi pour décider si cette œuvre m'amuse ou si elle m'exaspère, je continue à regarder autour de moi et je réalise la diversité des œuvres proposées.

On entend en fond sonore un martèlement qui rythme toute l'exposition (vidéo Monica Bonvicini) alors que l'on avance et que l'on regarde. Vidéo, maquette, peinture, installation, photo,

L'exposition a le mérite de présenter des œuvres sur un même thème dans bien des langages différents. Sur la gauche, je reconnais la peinture de Philippe Cognée, une œuvre de Gordon Matta-Clark. Les maquettes sont impressionnantes, tant par le réalisme poussé de certaines (Didier Marcel) que par le travail de précision monstrueux nécessaire à la fabrication de telles pièces. Sur ma droite un mur immense coupe l'espace au milieu de l'exposition. Sur ce mur on voit un motif noir sur fond blanc d'un ouvrier; ou plutôt un symbole d'un ouvrier (Philippe Cazal).

Toujours le bruit du marteau.

Je me retourne et je peux voir l'entrée de la galerie avec la palissade sur laquelle mon opinion ne semble pas s'être encore arrêtée. Je vois un échafaudage au milieu (Dominique Ghesquière), puis sur la droite la peinture de Cognée. Je réalise à quel point les œuvres communiquent les unes avec les autres, elles dialoguent dans l'espace, les installations se superposent aux œuvres 2D sur les murs leur donnant une perspective différente selon notre position.

Dans la galerie se trouvent des ruines, des bouts de constructions qui maintenant sont œuvre d'art (Régis Perray). Entre les échafaudages, le bruit rythmé du marteau contre un mur et les gravats disposés vers le bout de la galerie, il en résulte une immersion totale dans le monde du chantier. Quel chantier? Celui de l'art. Destruction, création, travaux, reconstruction...

Je me dis que cette exposition est à l'image du monde de l'art d'aujourd'hui, du monde de l'art en général.

En perpétuelle évolution, les artistes reconstruisent inlassablement, participant à un chantier qui les dépasse: le chantier de l'art.

Guillaume Duhirel

Etienne Bossut, Out, 2005

TABLE à l'Atelier Alain Lebras, Nantes

TABLE à l'Atelier Alain Lebras, Nantes

Elise Guihard, Romain Rambaud, Cat Fenwick, Marine Class,

Pierre-Alandre Remy, Chloé Jarry

 

J'ai eu ce flyer entre les mains qui m'a donné envie d'aller voir ça de plus près.

C'est sûrement la table bleue en lévitation

ou les cinq personnes qui l'entourent

les bras au-dessus de la tête

les yeux mi-clos

patientant jusqu'à l'arrivée

 de spectateurs curieux.

J'entre

Ils ne sont pas là.

Je dis zut

puis me déleste de mes attentes.

Je vois le lino s'extraire du sol à deux endroits

pour venir s'allonger mollement sur deux paires de tréteaux

 formant des drôles de table incurvées

je ne touche pas

j'aimerais toucher.

Plus loin s'élèvent des formes violentes oranges et anguleuses faites d'acier

la table éclatée.

Il n'y a pas de textes pas de photos

juste des sculptures.

Plus loin une grande plaque de métal perforée de centaines de trous est placée en tension sur un tronc d'argile

l'acier se cambre et la terre jaillit

immobile.

Sur une petite table ronde de café il y a une nappe blanche

sur la petite nappe blanche il y a une petite cafetière et des petites tasses en porcelaine

dans les petites tasses en porcelaine il y a du sucre

dans une des petites tasses en porcelaine avec du sucre il y a une cuillère

mon esprit analyse.

On me dit

"normalement si on bouge la petite cuillère ça fait Miiiiiaaaouuuu mais là la pile ne marche plus alors on attend l'artiste qui doit nous en apporter une nouvelle"

Je me dis zut encore

J’aurais aimé découvrir ça tout seul et être surpris.

Ensuite ça brille

de magnifiques V à l'envers transpercent comme des montagnes d'or une planche de bois noire

je la scrute sous tous les angles.

Je grimpe les quatre marches fragiles d'un étroit escalier pour me retrouver face à la dernière œuvre de l'exposition

c'est abstrait

c'est une lumière qui vient du plafond

c'est une nappe colorée de bleu de blanc de vert et de noir

dessous

c'est encore de la lumière

dessus

c'est une sculpture en étain qui

par endroit brille

par endroit est mat

et qu'on ne doit pas toucher avec les doigts pour ne pas laisser de traces acides.

Je rigole avec deux des artistes qui tiennent l'atelier

et m'en vais paisiblement

Arthur d’Haeyer

Pour la dernière et pour la première fois, Sophie Calle, Galerie Emmanuel Perrotin, Paris Du 08/09/12 au 27/10/12

Pour la dernière et pour la première fois, Sophie Calle, Galerie Emmanuel Perrotin, Paris

Du 08/09/12 au 27/10/12

De Sophie Calle, je connaissais déjà sa série «Les Aveugles» dans laquelle elle demande à des aveugles leur conception de la beauté. L’exposition ici présentée explore des thématiques similaires.

Dans la première partie, des portraits photographiques de personnes aveugles sont posés sur les murs. Ce sont des personnes auxquelles Sophie a demandé de parler de la dernière image dont ils se souvenaient avant de perdre la vue. Un texte encadré et des photographies diverses accompagnent ces portraits. Tandis que le texte retranscrivant les paroles de ces personnes est le récit de chacun, les autres images sont choisies par Sophie et illustrent l’image qui ressort le plus du récit, et ceci de la manière la plus neutre et épurée possible. Pour certains, elle montre l’image telle qu’on la verrait nous-mêmes dans les mêmes conditions physiques, pour d’autres elle ne fait que suggérer cette image par des indices, enfin pour un troisième type de photos, c’est la personne devenue aveugle qui mime les évènements. Cela dépend de la manière dont celle-ci a vécu l’évènement et de la nature de celui-ci.

Pour quelqu’un qui voit normalement, ces images sont tout à fait banales, mais le contexte dans lequel Calle les place, en tant que représentation du dernier souvenir de la vue d’une personne, les rend d’autant plus tragiques et touchantes.

Néanmoins, je ressors de ces deux salles avec une impression mitigée, car aussi épurées et neutres soient les images - évitant ainsi un sentimentalisme facile - j’ai l’impression que le tout manque de profondeur, que Calle ne se contente que de  traiter le sujet superficiellement. Dans l’un des récits par exemple, un homme raconte que c’est un lever de soleil sur un port qui représente la dernière image dont il se souvienne. Calle se contente alors simplement de montrer une photographie de lever de soleil sur un port telle qu’on le verrait sur une carte postale. Un peu simplet, surtout que peu de ses  photographies arrivent à se démarquer réellement d’une représentation littérale de l’image décrite, même si pour certaines, elle entretient un lien plus intéressant et plus subtil avec le récit.

Dans la salle suivante, je fais face à six écrans posés par trois sur deux murs perpendiculaires. Dans chacun de ceux-ci, une personne est filmée de dos et fait face à la mer. J’apprends alors que ce sont des personnes qui n’ont jamais vu la mer auparavant, et que Calle a filmé leur première fois. La salle suivante présente la même chose, à la différence qu’il n y a que trois écrans, qu’ils sont plus grands, et que chacun occupe un mur. Là encore, Calle laisse place à l’essentiel : La personne concernée et la mer. Chacun regarde celle-ci pendant quelques minutes, puis se retourne pour faire face à la caméra. 

Après un moment, l’écran tourne alors au blanc. La démarche est particulière, car de dos, il est plus difficile de savoir comment réagit une personne. On se doute néanmoins que c’est pour eux quelque chose d’important, qu’ils sont fascinés par cette étendue d’eau qui leur fait face et qui semble être infinie, mais la manière de filmer nous place dans  une attente,  jusqu’au moment où la personne se retourne, et où on peut lire les émotions sur son visage.

Là encore cependant, je trouve le tout superficiel. C’est touchant, Calle réussit à jouer avec nos émotions, mais le tout me semble trop enfermé dans son sujet pour que je sois réellement intéressé par ce qui se passe sur les écrans. L’épure et la distance dont Calle fait preuve sublime cette émotion, mais c’est tout.

Je ressors de l’exposition mitigé au final. L’ensemble m’a touché, mais je ne peux m’empêcher de penser que le tout manque de profondeur.

Alexandre Gaud-Chevreux.

"The Blind. At home" / "Les Aveugles. Chez moi" 1986 

Adel Abdessemed

 Je suis innocent, Adel Abdessemed,

Au Centre Pompidou.

Jusqu’au 7 Janvier 2013

Lorsque vous passerez à Beaubourg voir l’exposition de Bertrand Lavier ou simplement flâner dans l’accrochage permanent, il vous est fortement recommandé de rentabiliser votre ticket et d’aller faire un tour dans la galerie sud. Vous y découvrirez en effet l’univers déroutant d’Adel Abdessemed, jeune artiste contemporain algérien.

La première salle donne immédiatement le ton de l’exposition. Interdite aux mineurs pour son caractère violent ou sexuellement explicite, elle vous entraîne dans un monde d’images brutales, poétiques ou absurdes. On y suit un enchaînement de vidéos, parfois très simples, telle qu’un citron écrasé sous un pied, et montant crescendo jusqu’au délire visuel avec Lise, présentant une femme allaitant un porcelet, ou encore Telle mère tel fils, gigantesque carcasse d’avion écrasé. On circule avec perplexité au milieu de ce déchaînement cruel et incongru. Combat à mort entre un serpent et une grenouille, prêtre jouant de la flûte entièrement nu, couples copulant sous les applaudissements du public ou voiture carbonisée, cette grande rétrospective du jeune artiste déroute. S’agit-il d’images choc gratuites ? Ou d’une réelle dénonciation de la société actuelle ?

Abdessemed traite en effet au travers de son œuvre de la violence du monde contemporain, comme avec cette grande barque évoquant l’émigration remplie de sacs poubelle, tout en adoptant un langage très référencé aux œuvres classiques. On ressent dans son travail les influences de Grunewald, Goya ou Desidero (un tableau de ce dernier est d’ailleurs présent à l’exposition), et Who’s afraid of the big bad wolf ? , grand panneau d’animaux empaillés, est une référence claire à Guernica. Les travaux de l’artiste alternent ainsi entre références et modernité, entre voiture carbonisée et Christ en fils barbelés, entre statue monumentale de Zidane et travail sur le motif. L’œuvre interpelle sur la sauvagerie et la décadence du monde qui après tout semblent ne pas être si neuves.

Néanmoins et paradoxalement l’artiste dont le travail est très engagé et qui n’hésite pas à choquer (son œuvre Don’t trust me avait même été censurée) semble adopter un certain recul par rapport à son œuvre, une forme de distance presque gênante. Le simple titre de l’exposition « Je suis innocent » peut paraître étrange. Comme si l’artiste se désengageait totalement des images qu’il créait.

Je ne me permettrai donc pas comme il serait de bon ton de le faire en fin d’article de prononcer un avis tranché sur cette exposition. Certaines images présentent un choc visuel et émotionnel qu’il serait honteux de rater mais l’exposition sans véritable ligne directrice peut laisser perplexe. Enfin quant à la démarche de l’artiste qui peut sembler confuse, peut être ne s’agit il après tout que de pointer la violence du monde qui nous entoure sans y prendre part, tel un spectateur innocent. Comme l’illustre cette célèbre anecdote lorsqu’en 1937 l’ambassadeur nazi Otto Abetz se trouvant dans l’atelier de Picasso s’arrêtant devant le tableau Guernica, demanda outré au peintre :

• C’est vous qui avez fait ça ?
• Non, répond Picasso, c’est vous !

V.B

« Les apparences »

 « Les apparences » de Gilles Baumont à la galerie Confluence, Nantes.




En entrant j'aperçois des photographies en noir et blanc, comme des étoiles ou des constellations sur un ciel foncé. Des lignes blanches relient des petits galets sur le sable. Plus en détail et apparaît un quadrillage séparant des sols différents. Je continue mon chemin dans la galerie et je tombe sur des photographies de coquillages... Toutes sont en assez grand format.

Je reste sceptique. Mais je cherche à comprendre.

La série de coquillages se nomme « La Mythologie d'Estran »...

Petit à petit des formes apparaissent, comme des personnages ou des objets imaginaires. Une façon poétique de voir la nature et de s'évader
La seconde série se nomme « Les constellations »...

Comme un entre deux. Ciel? Terre?

Les « ciels étoilés » de Gilles Baumont sont composés de plusieurs bouts de terre (ou de sable), comme un puzzle de ciel. Le quadrillage représente les méridiens célestes permettant de reconstruire, en aplat les constellations. Il nous donne à voir une nouvelle lecture du ciel et des astres. Un univers qui n'est ni ciel ni terre, mais peut-être les deux à la fois



Et dans un petit coin de la galerie j'entrevois une petite photographie que m'interpelle. Elle n'est pas comme les autres. Sa taille est différente. Le décor et les méridiens ne sont pas les même que dans la série « Les constellations ». Mais elle en fait partie.

Bizarrement c'est celle qui me plaît le plus.
La couleur. La forêt. Le dessin que font les méridiens. Les étoiles brillantes.
C'est comme une toile d'araignée entre les arbres.


Alix

Performance d’Olivier MARBOEUF

Performance d’’Olivier MARBOEUF
Au Cinématographe, Nantes



« Tout finit toujours par une histoire de zombie », voilà ce qu’Olivier Marboeuf. nous a démontré ce soir-là. A la fin de sa performance, il avait relevé son défi  de nous le faire croire. Pendant environ une heure, il a assemblé des histoires entre elles, les a combinées. (Physiquement, aussi, au moyen d’un tableau blanc. Au bout de la représentation, tout était clair et connecté).
Il a fallu bien suivre (mais O.M. nous avait prévenus), et durant les vingt premières minutes, difficile de savoir où il voulait nous emmener. Il a enchaîné les histoires, toutes plus rocambolesques les unes que les autres. Mais toujours vraies ! Preuves à l’appui… Sur son grand bureau installé sur la scène, O.M. disposait les témoignages de ses recherches.
Ainsi, son grand-père est bien Félicien Marboeuf, il est bien présent dans le livre « Artistes sans œuvres » de Jean-Yves Jouannais. Tout comme Roland Barthes. Dont le grand-père a bien été l’explorateur de la Côte d’Ivoire. La collection qu’il a ramenée de ses expéditions a bien été léguée à sa fille, qui l’a vendue à André Fabius, le père de Laurent Fabius, notre ancien premier ministre, etc.
Au fur et à mesure, O.M. nous emporte de plus en plus loin, et il m’est même impossible de me rappeler d’où nous étions partis. L’océan ? Nantes ? Son prénom ? Flaubert ? L’envoûtement ? Les grandes bibliothèques ? … L’artiste, avant de commencer nous avait pourtant informés : « Je projette des films dans la tête des gens ». Mission accomplie.

Clémence DELILLE

FIAC 2012

FIAC 2012




La FIAC est un sport de combat. On s’en prend plein les yeux, plein la tête,...
Avant d’y entrer, il faut se sentir léger, respirer un bon coup, être prêt car c’est parti pour trois heures d’art non-stop et des milliers d’œuvres alignées dans la nef du Grand Palais.

Les participants de la foire sont clairement définis. Il y a l’exposant, l’artiste, le visiteur professionnel, l’étudiant en art, le touriste culturel, le personnel de sécurité ou d’entretien,… Entre chacun d’eux , il y a une certaine distance. On a beau se bousculer (la FIAC rassemble plus de  85 000 visiteurs en 4 jours) cela reste une ambiance assez froide et pompeuse… Au point qu’il y a aussi une distance face aux œuvres : peu de gens s’aventurent dans les salles fermées par un rideau ou alors ils ne glissent que leurs têtes, quitte à ne pas entrer réellement dans l’œuvre elle-même. On a l’impression que le  regard est dur, qu’il juge plus qu'il ne profite. Peut -être à cause du nombre d’œuvres. On voit mais on ne regarde plus.
Les œuvres exposées sont régulièrement signées par des artistes-stars de l’art contemporain (Damien Hirst, Wim Delvoye,…) et quelques  nouvelles têtes (Claire Morgane, Khaled Jarrar,…).

La FIAC rappelle aussi la réalité de l'art aujourd’hui : c’est un marché financier. On apprend qu’un tableau de Fabrice Hyber vaut plus qu’un autre de Marc Desgranchamps et qu'un tirage de Bruno Serralongue coûte le même prix que deux œuvres d’Eric Poitevin ..

Le Grand Palais rassemble les galeries du monde entier (en particulier France, USA, Allemagne, Amérique Latine et Asie )
Cela permet de jeter un coup d’œil sur les galeries étrangères et de découvrir autant leurs poulains que leurs œuvres majeures.

Ce que l’on retient surtout de la FIAC c’est qu’elle reste un évènement incontournable, sérieux et de qualité, toujours très actuel. On en sort surpris et enrichi par nos découvertes de nouveaux talents. Cette année les œuvres étaient diverses et intéressantes mais pas bouleversantes. Je n’ai eu aucun réel coup de cœur. Peut être que face à trop d'œuvres on se perd un peu et que l'on profite moins de chacune, que l'on passe à coté de certains artistes pleins de talents.

Marion Garczynski