Colloque l'irreprésentable

Colloque l'irreprésentable, tenu à l'esba 

organisé par le musée des beaux-arts de Nantes

Participants : Alain Fleisher, Jean-Jacques Lebel, Anne Tronche, Sandra Adam-Couralet  , Joseph Cohen, Raphaël Zagury-Orly, Daniel Dobbels, et un mystérieux greffier qui, selon mon humble avis, et celui de toute la salle, devrait écrire un bouquin.

Genre : Discussion avec artistes et philosophes autour de l'irreprésentable, parallèlement à l'exposition tenue à la Hab Galerie.

 « Il n'est point d'homme qui ne veuille être despote quand il bande »

                                                                Sade.

« La torture est de plus en plus souvent sexuelle, et c'est de pire en pire, avec les nouvelles technologies »

Jean-Jacques Lebel, dans une introduction monumentalement simple, en antifasciste convaincu, nous dresse un rapide tableau de la barbarie humaine moderne.

Jean-Jacques Lebel, rappelons-le, à l'origine de l'installation Hitler et Eva Braun, cinéastes.

Car parfois, dans l'irreprésentable, la plus puissante évocation de l'horreur se trouve dans le sourire des bourreaux.

Noirs de gris

et parés d'oriflammes

ils époussettent mollement

leurs jaquettes innommables

légèreté du tyran

invincible, et Goebbels

sur la scène, la tête entre

les cimes, ils rigolent

et puis le ciel est beau

constellé de nuages

les montagnes résultent

d'un autre moyen-âge

et son regard limpide

se serre dans un étau

l'amour est là, présent

et à force de mots

tous leurs corps d'Allemandes

sont l'innocence même

d'une jeunesse démente

et l'horreur sous-jacente

va leur dire, à tes gosses

qui ne comprennent pas

dans l'horizon subsiste,

la mémoire de tes pas.

Avec Alain Fleisher

L'image comme simple image

sans cesser d’être des images

semble s'enfoncer dans l'espace de la vision

dans les artifices de Sodome

l'échappatoire souverain du comique

les aberrations de la déraison

irrésistible appel au rire

trop vite, sans doute.

Emportement jusqu'au-boutiste

qui échappe

créer l'espace et le temps de réception

dans l'horreur inestimable

des mots usés

l'horreur du lexique

les quatre murs de son cachot

impossible regardeur

outil d'exploration de l'infini

pauvreté de l'insuffisance

présentés invisibles

TROP BLANC TROP LUMINEUX

S'ensuit la parenthèse philosophique

Branlette

Branlette

Branlette intellectuelle

Pardon à Joseph Cohen et Raphaël Zagury-Orly que je crois sincères,

et qui étaient gentils comme tout.

Mais j'ai pas tout compris.

Opérations magiques

de sorcellerie

Tout artiste est récidiviste

les spectres ne parlent pas

dans les ruines

on n'entend plus que des souffles

les spectres n'ont pas d'autre langage

que le souffle

la parole, c'est de l'air

qui passe par un corps

la pari phonatoire transforme

le souffle en parole

la revenance dans une temporalité

 réversible

Elle peut revenir du présent

la solution finale est impossible

impensée

dans un secret absolu

Cet impensable est resté.

Car ce qui est pensé, c'est la technique

comme la bombe H

L'impensable, en revanche

C'est le résultat de la technique.

« Le mot le plus fréquemment utilisé, et qui retombe à chaque fois dans ces derniers faits-divers horribles, c'est le mot Kalachnikov... Comme si c'était la Kalachnikov la responsable de toute la violence de ces derniers jours...On est en train de réduire le résultat à la technique même.» Alain Fleisher, à propos des attentats de Charlie Hebdo.

Daniel Dobbels, car la danse, c'est créer, résister aux captations de l'image pour que l'apparition des corps dansants soit assez parlante pour que l'on n’ait pas envie d'effacer tout de suite ce mouvement de la mémoire

Daniel Dobbels, car notre sensibilité a une vapeur, et que l'homme a enfin son atmosphère.

«La danse est un arc tendu entre deux corps »

J'ai cru voir

un cobra

un oiseau

une statue

j'ai cru voir

de la cire

 en mouvement

j'ai cru voir

un enfant

un fœtus

un vieillard

j'ai cru voir

une poupée

un pantin

disloqué

j'ai cru voir

une armée

macchabée

et des chairs

en mouvement

j'ai cru voir

un espace

hors du temps

de l'espace

en mouvement

j'ai cru voir

un mouvement

tremblement

et un corps

et un mort

j'ai cru voir

un vivant

Suite à une Danse par Carole Quettier, de la compagnie de l'entre-deux, sur le « Stabat Mater » de Vivaldi.

Merci, Carole, pour ce moment sublime.

Anne Tronche, c'est le syndrome de la beauté, cette recherche du beau dans la douleur, mais sans Baudelaire.

L'actionnisme viennois vous libère des pulsions interdites par la culture

L'actionnisme viennois est violent

L'actionnisme viennois cherche à vous convaincre de l’utilité de cette violence

L'actionnisme viennois est le blasphème

L'actionnisme viennois mêle équarrissage et rite judéo-chrétien

L'actionnisme viennois veut exorciser dans le sang une société fasciste

L'actionnisme viennois appartient à la catégorie du dérangeant

L'actionnisme viennois vous oblige à prendre parti

L'actionnisme viennois ne connaît pas d'entre-deux.

Anne Tronche, c'est cette esthétique qui enlève aux images toute leur subversion, leur provocation, et leur pouvoir d'évocation, qui les étouffe sous l'oreiller de la beauté puisque ce qui est beau se vend bien.

Anne Tronche, c'est la révolte contre une photographie contemporaine capable de puiser dans l'intolérable les restes de la beauté du monde.

Anne Tronche, c'est dénoncer la faculté digestive et transformatrice de notre société, qui rentabilise chaque centimètre carré du monde, qui extirpe des crédits de la tourbe

et qui prend dans l'innommable les miettes dilapidées de la dignité humaine pour finir par les sacrifier sur l'autel de la consommation.

Anne Tronche, c'est finir par dire « Il fut un temps ou l'intolérable des images formait l'effort de conscience et la légitimité de la révolte ».

Puis, le greffier annonce une conclusion judéo-chrétienne

Altéré par des convictions morales

interdictions et impuissances

prendre en charge un croisement

il souffre en lui même

ce que le monde contemporain

offre en horreur

l'image des dieux grecs

statues et images

impuissantes

à nous faire plier les genoux

représenter cet état de grâce

l'orthographe est flottante

mais elle produit des variantes

pointe de sublime

et copies falsifiées

dans un paradigme du silence

le visage de la sagesse

car le cinéma échoue

codifie la représentation

qu'une copie

et son acceptation valable

la mimesis à terme

ce qu'elle ne peut pas

œuvrer

Elle a le pouvoir de représenter la nature

qui est conscience artistique

elle nous apprend à voir

elle nous rend supportable à la vue

ce que dans la réalité

il nous est insupportable de voir

l'immensité dans la figure

le séduire dans l'esclavage

la longueur dans la brièveté

la gloire dans la confusion

la dualité humaine

évidemment de la représentation

c'est en l'homme qu'est le monde sensible

et intelligible

la voie de passage est en nous même

elle est l'équivalent du ciel étoilé

au-dessus de moi

la pensée, l'art et l'emprise sur le réel

s'éloigner pour mieux y revenir

si l'art s'absente du monde

c'est pour mieux y revenir

L'art contemporain ne peut

faire le deuil de sa radicalité

l'humanité du Christ

n'a rien d'exceptionnel

mais le fait qu'il puisse

être sujet à la torture

à la souffrance et à la mort

l'est.

La danse magnifiée

tient tous ces corps

qui n'est pas crucifixion

mon corps ne perçoit pas

mais il est construit par une perception

qui s'exprime à travers lui

Les harmonies émouvantes

sont une esquisse sommaire

une impossibilité de s'arrêter

à quelque consolation que ce soit

Quelque chose de plus

Mais l'irreprésentable

est seul

il est le défaut ou l'excès de représentation

entre sensible et intelligible

peut être y a t il dans ce tableau

la définition de ce qui est nôtre

des gestes qui la font naître

mais un vide est présent de toutes parts

la représentation appelle quelque chose

est le parangon de l'irreprésentable

celles-ci ne sont pas dans la nature

mais n'habitent pas un autre monde

que le nôtre

Celui que je pris pour le greffier s'est avéré être Jean Claude Conesa, l'organisateur même du colloque, et si j'avais su que les notes prises par ce personnage discret et effacé (c'est ainsi qu'il m'a paru) allaient servir à composer cette conclusion magistrale qui nous a tous ravis, tant dans sa longueur inattendue que dans son extrême richesse, je me serais abstenu de nommer « greffier » cet homme doué d'un remarquable talent pour la synthèse , et ce dans un mélange de puissance verbale et d'extrême modestie. Merci à lui.

ROY Martin

Les rencontres de Sophie

Les rencontres de Sophie 

Les nourritures terrestres 

Le lieu unique – mars 2015

Concevoir un art olfactif ?

Conférence par Chantal Jaquet, professeur à l'Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, spécialiste de Spinoza et de la philosophie du corps.

L’art olfactif est marginal, pour ne pas dire inexistant en tant que concept à proprement parler dans nos sociétés occidentales. On peut expliquer cette marginalité par la faible place accordée au nez dans l’histoire de l’art et plus particulièrement par la faiblesse de l’odorat humain et son rôle minimisé dans la perception du monde comparée à la vue : les humains font pâle figure dans l’échelle de l’évolution olfactive comparés aux autres animaux. Mais cela tient plus au manque d’éducation olfactive qu’à la faiblesse olfactive de l’homme, et encore, cette faiblesse n’est-elle que supposée, puisqu’il est prouvé qu’un nez humain entraîné peut discerner plus de deux mille odeurs différentes. Le peu d’ouvertures vers des perceptions olfactives est donc dû à un préjugé sociétal au sens que le monde des parfums n’enroberait pas une « perception solide et durable du monde » bien que ce présupposé soit discutable, car une odeur peut être solide et durable en fonction de la longueur et de la persistance de ses notes. Il n’est pas rare d’ailleurs que l’on se souvienne d’un lieu ou d’une personne simplement en percevant les mêmes effluves dans l’air déplacé par un passant ou dans l’atmosphère qui se dégage des bâtiments.

Il y a par ailleurs une analogie troublante entre la musique et les parfums, de par leur mode d’écriture, qui, comme la cuisine, d’ailleurs, sont retransmis sur le papier, à l’image d’une partition ou d’une recette. La formule d’un parfum est à la senteur ce que la partition est à la musique : un scénario de reconstitution.

Dans nos sociétés occidentales, l’odeur se réduirait donc à sa seule conception physique et soi-disant éphémère de sa condition. Pourquoi ne pas conférer au monde olfactif la jouissance esthétique accompagnée par l’expérience du sublime et de l’élévation de l’âme ? Le parfum ne serait-il qu’une action toute physique qui ne permettrait pas l’expression de l’intelligible et du sensible au-delà de son action éphémère ?

L’art des parfums ne se résume pas à une préparation chimique et technique, même si ils sont parfois pensés comme une suite de processus algébriques entre le rapport des substances combinées et leur équilibre, car il serait faux d’exclure dans l’art une parte technique et artisanale. Il serait également faux de réduire l’art à cette seule et unique partie technique. Le parfum n’est pas uniquement un artisanat, il est une pensée abstraite qui combine, qui mémorise, qui anticipe et qui invente. Le nez n’est pas qu’un nez, ce concepteur de parfums est aussi et surtout une construction de l’esprit, car on a déjà vu des parfumeurs anosmiques continuer à créer des fragrances. Mais au-delà de la conception matérielle et immatérielle d’un parfum, il serait intéressant de penser un parfum à l’abri des diktats de l’industrie de la cosmétique, à l’abri des exigences du marché et de la fabrication de simples fragrances « qui sentent bon » calfeutrant les parfums dans le cadre restrictif d’un art de vivre.

Dans la philosophie orientale, et plus particulièrement au Japon, on a la preuve et l’existence d’un art olfactif à proprement parler. Un art qui existe simplement pour lui-même et affranchi de la mainmise des industriels.

Le Kodo est en effet l’art des fragrances, c’est une école du parfum pour lui-même, qui puise son origine dans l’ère Edo, époque pendant laquelle les nobles aimaient à mélanger des essences lors  de compétitions qui récompensaient la meilleure senteur. Le Kodo, littéralement « la voie de ce qui est parfumé » a pour principe le mélange de substances destinées à la senteur, cette voie des odeurs amène aussi à écouter les odeurs et à les célébrer par de courts poèmes. Religieux à ses débuts, le Kodo était à l’origine de célébrations et divinations du parfum, perçu dans son immatérialité comme un pont entre le monde des morts et celui des vivants. Il permet de créer des senteurs qui existent pour elles-mêmes, et non pour simplement purifier l’air.

Dans nos sociétés occidentales, l’existence du parfum est pensée uniquement dans les domaines de la cosmétique, de la séduction, de l’hygiène et du bien-être, posant ainsi des œillères et bridant par cela notre perception globale du monde des odeurs, nous empêchant de faire du parfum un art à part entière. Il faut aussi savoir que seules les sociétés occidentales ont adopté le fait de s’enduire le corps de substances odorantes, et c’est sûrement cette distance entre le corps et le parfum qui a permis à la philosophie orientale d’envisager le parfum non comme un vulgaire consommable ou à un simple produit d’entretien mais à un acte artistique et esthétique, célébré collectivement comme une passerelle vers le sublime, bref, comme un art à part entière.

On a donc développé des préjugés sur la pauvreté du sens nasal, et si un art éphémère existe, l’art olfactif est l’évidence même, traduisant aussi bien le fugace, le périssable et le volatile des choses que toute la mouvance de l’art performatif.

Pour l’acceptation d’un art olfactif, Chantal Jaquet énonce deux voies empruntables : Tout d’abord celle de la synesthésie, qui consisterait à concevoir chaque œuvre d’art comme une parcelle du monde sur laquelle la perception du spectateur doit se projeter avec la totalité des cinq sens, comme nous le faisons pour notre appréhension et connaissance des choses qui nous entoure. La seconde voie serait celle de considérer le parfum comme un moyen d’expression privilégié, acquérant le même statut que les catégories traditionnelles de l’art, et affranchi des caractéristiques hédonistes du «ça sent bon, ça sent mauvais » ou de la perception réduisant les odeurs à leur provenance, car le lexique des fragrances est étonnamment réduit.

Il faut par ailleurs s’affranchir de l’acceptation séculaire de la condition dualiste de l’homme. Le retour de l’esprit et du corps dans une seule entité est aussi considérer l’homme comme une multiplicité de sens, et donc accorder une importance accrue aux sens les moins sollicités comme l’odorat. Car c’est en développant le corps que l’on développe l’esprit, plus il est habitué à réagir à une multiplicité de choses, plus l’esprit est apte à penser. Avec l’entraînement, on peut même aboutir à une certaine odeur mentale affranchie de la représentation imagée, non formelle, comme la musique en quelque sorte car la matérialité de l’odeur et de la vue ne sont pas les mêmes. La puissance spécifique du parfum réside aussi dans son aspect volatile, invisible, quasi spirituel, qui est aussi un outil de connexion entre le divin et l’homme, entre le matériel et l’immatériel, à l’origine d’une voie de passage aussi puissante et évocatrice que l’art, permettant elle aussi d’accéder au sublime.

Roy Martin

« Ecoute dans le vent, les buissons en sanglots »

Angélique Lecaille

exposition à la galerie Mélanie Rio.

Nantes

Une tectite, c'est un fragment qui se forme lorsqu'un débris de roche en fusion émanant d'un cratère de météorite se solidifie, elle obtient alors cette forme de gouttes appelées aussi les « larmes de la terre ». Angélique est une joueuse de matière, rend le mou minéral et peint avec le feu. Les explosions, ou plutôt ce qu'il en reste, donnent aux dessins obscurs de Lecaille une minéralité détonante, presque palpable. Le chiffon, la mine de plomb et la gomme donnent au grès, à la roche en fusion et à la glace une géométrie linéaire qui semble être dictée par la terre elle-même. Elle concentre les essences terrestres et les forces primales dans la nature même des matériaux avec lesquels elle esquisse ses paysages. C'est lorsque la Montagne sainte victoire se mélange aux effluves et aux miasmes colériques du Vésuve, et qu'une cascade dont on ne saurait préciser si elle se compose de feu ou de glace verse son flot d'énergie tellurique pure, et cristallise le paysage, comme si l'énergie éthérée qui émane d'elle était la matière même de la montagne environnante. Un choc thermique tout de géométrie, dans le noir et le blanc. Le bois calciné devient l'enduit du feu, et sa forme sans tâche semble taillée du savoir faire de la race révolue des terrestres, comme ressuscités par l’artiste, qui redonne un sens aux mythes oubliés et tribaux d'un peuple sculpteur de roches et bâtisseur de la terre. Ce sont les strates liquides qui de siècles en siècles reviennent inonder la terre de roches en fusion, et lorsque le sang tellurique coule, que le grès liquide se repaît des restes humains, les objets pétrifiés prennent des airs de nouveau Pompéi. Angélique insuffle dans le volatile la lourdeur du béton, revenant à une déité des forces de la terre, explorant la nature divine de la matière matrice, de Gaïa la génitrice. Elle revient au mysticisme de la création terrestre primale et met en résonance la fossilisation d'artefacts contemporains comme autant d'objets trahissant l'absence d'existences que le temps fera lentement couler sous l'asphalte. Les sacs à dos et la tente coulés sous le béton (œuvres de Briac Leprêtre) y sont des gisants, qui trahissent par la pérennité qui leur a été conférée, le vétuste et l'éphémère de nos existences. Avec l'exposition en arrière plan, ils deviennent les témoins de ce qui restera de nous après une éruption mystique, où le passé millénaire et le présent factuel cohabitent et font émerger du ciel des formes géométriques dont les origines se puisent dans le flot de la terre, irradiés par une lumière qui nous paraît assurément divine. On y ressent le frottement des plaques et l'énergie colossale dégagés par les formes qui pourtant sont lisses, comme des cristaux de verre. Sans éclaboussures, aucune. On y surprend un air presque post-apocalyptique qui nous renvoie à cette fin des temps programmée par notre race, où nos villes seront fondues dans le plomb de la colère terrestre parmi les poussières, emportées par les nuées ardentes et les coulées de lave et dont les fragments seront mis sous des cloches de verre par les générations futures ayant survécu au déclin de leur race. On sent chez Angélique les échanges de matières, les paysages à la fois pérennes et en perpétuelle évolution, modelées sans cesse par les combats  incessants que se livrent les golems et géants de pierre, déités primitives et colossales, dont le résultat se livre à nos yeux en un panel de noir et de blanc sur lequel est portée l'ombre d'un reste de cubisme. On oscille entre le brutal et le gracieux, mais le résultat, esthétisant au possible, fait l'effet d'une véritable puissance mystique sous-jacente. L’extrême finesse et la linéarité lisse et régulière, que l'on sent émerger de la tourmente nous livre un paysage fantôme de strates minérales polies par la chaleur. Angélique invente une roche spectrale, un grès sépulcral qui est aussi matrice de toute vie. L'artiste sculpte la matière pour ne plus croire aux fondements même de la science, pour ne plus croire à l'atome, ou uniquement au carbone. Pour ne plus croire qu'au spirituel qui devient la matière même de ce grès, de cette roche, enfouissant inexorablement les époques et forgeant les mythes, trouvant la petitesse et le semblant de vétuste dans son extrême pérennité, car des milliards d'années nous regardent derrière le verre d'une simple cloche. La roche prend ici valeur de matière mystique et est absorbée par les fumées et les poussières de roche diaphane et par le grès esthétisé des formations géologiques. De la mine de plomb émane une avancée dans la grotte humaine et terrestre, qui rend à ces roches fantomatiques la grandeur mystique des scènes historiques, le tout enrobé d'une lumière d'éclipse caressant et lissant le grès sépulcral par une matière spirituelle et non matérielle, sans couleur aucune. Car la couleur n'est pas dans les origines de la terre, la genèse n'est pas matière, seulement néant, seulement lumière. Seulement le noir, seulement le blanc.

 Martin Roy

Ouverture pour inventaire

Ouverture pour inventaire
Laurel Katz
Œuvres de la collection du Frac des pays de la Loire
Hab Galerie, Nantes

"Je me souviens. Il était dix neuf heures. Nous mangions toujours de bonne heure. Il faisait froid dehors. Il faisait froid à l'intérieur. Il m'attendait, les bras croisés. Il m'attendait toujours les bras croisés. Mais cette fois-ci, j'avais peur. J'avais souvent peur avec lui. Mais cette fois-ci, j'étais terrorisé. Une balance. Ma vie familiale est une balance gigantesque dans laquelle ma nausée ne peut s'échapper. Les battements de cœur s'échappèrent de ma bouche. Je me suis assis, sagement, délicatement. La balance du bal lance la balançoire. Il me fixait. Il n'y avait rien. Il n'y avait pas de plats, pas d'odeurs alimentaires, il n'y avait pas de mots. Juste de la lourdeur et la senteur de la sévérité. Ma vie familiale est une balance des jeux d'enfants dans laquelle je suis trop léger. Ce soir là, le silence lui-même fut plus lourd que moi. Ce soir là, je ressemblais plus à un son aigu pittoresque d'un violon qu'à un accord voluptueux de piano insolent. La froideur. Il faisait froid. J'étais trop frêle pour supporter le bruit du sel, j'étais trop frêle pour entendre n'importe quel chuchotement. J'avais mal à la tête. Ça tournait. Il m'a dit quelque chose. De sa voix grave d'un croquemort dans la fleur de sa vieillesse. Sa barbe. La balance. Et toujours ce bruit de sel. Partir. Loin, avec le sable. Le vent hurlera dans mes oreilles. Je ne penserai plus à la table. J'aimerai peut-être à nouveau. L'odeur de sel dans la balance. Et sa voix rauque. Que me disait-il déjà ?"

Lorsque je vis l'œuvre de Laurel Katz, il ne me fallut pas beaucoup de temps avant d'avoir des visions et envies splendides. Dans mon âme résonnait Proust, dans mon ventre vibrait Trenet. Cette œuvre de jeunesse ne représentait pas, à mon sens, un détournement d'objet, une sculpture ou quoi que ce soit. Ce sujet est tout simplement l'évocation majestueuse d'un Intime Universel.

Il y a une marque, une signature fantomatique, qui détermine la pesanteur dans une ligne oblique. Où résident le supérieur et l'inférieur ? On ne peut que se référer à nous-mêmes, à un vécu d'une soirée ou d'un quotidien. Les deux protagonistes sont là. Dans l'agonie de leurs absences, l'essentiel réside ici : il reste leurs formes sociales et émotionnelles. Il n'y a rien de mieux qu'un silence, qu'une absence avec des éléments flottant autour de cet invisible pour moduler notre propre vision. C'est une histoire interminable, sur un chemin sinueux passant d'un paysage solaire à un paysage acide. L'idée se métamorphose en une autre entité.

Alors, pour terminer mon brouhaha d'idées et de réflexions, j'écrirai tout simplement que cette œuvre, par sa froideur et, paradoxalement, dans sa proximité, nous conte une histoire d'une vie, une histoire d'un repas définissant des paroles et des "classes" de distinctions familiales. Que l'ensemble de ce sujet est la quiddité du souvenir.


Maxime Juin

D.I.A.L History, 68min

Johan Grimonprez 

D.I.A.L History, 68min

(Le film est disponible sur Youtube)

            D.I.A.L History est un documentaire sous forme de foundfootage, dans lequel Johan Grimonprez mêle extraits de films, reportages d'actualités, documents amateurs, musique et texte. Entre réalité et fiction, Johan Grimonprez retrace l'histoire du détournement d'avion depuis les années 1970, utilisant son propre langage filmique poétique et sensible. A travers de nombreuses archives, Johan Grimonprez remet en question le rôle des médias disposés à nous faire prendre conscience du monde et réévalue notre rapport aux images.

J'ai effectivement ressenti une réelle poésie à travers ce film ; ce ne sont pas seulement des images et des mots réunis pour nous informer, pour nous apprendre quelque chose, c'est aussi un désir de l'auteur de véhiculer des émotions, des sentiments provoqués par l'impact de ces images, de ces mots.

Ces émotions sont même assez troublantes puisque parfois à la limite du divertissement, de la légèreté. Je me suis surprise à passer de bons moments durant certaines périodes du film et à éprouver une certaine culpabilité de passer ces bons moments. En effet comment peut-on éprouver du divertissement à regarder l'historique des crashs aériens ?

            Johan Grimonprez joue habilement sur cette notion et ce malaise grâce à un texte fictif qui évoque les rêveries d'un écrivain dans un monde hyper médiatisé. La voix off du personnage imaginé s'installe entre toutes ces représentations de conflits politiques, catastrophes, témoignages, terrorisme... et nous offre un temps de répit dans ce flot d'images brutales presque ininterrompu. A cela s'ajoute la bande sonore très présente et entêtante, en pleine contradiction avec la violence des faits montrés de manière parfois très crue.

           

 D.I.A.L History est un mélange singulier de genres, entre fiction et documentaire, une sorte de poésie visuelle bouleversante et très abondante, qui reste ancrée dans la mémoire, le savoir et les sentiments.

Marie Minvielle-Debat

Le sacré et le profane. Terry Richardson

Galerie Emmanuel Perrotin Paris 3ème
Du 7 mars au 11 avril
 
Il y a quelques semaines de cela, pendant que je gambadais dans les rues de Paris en compagnie de mon ipod, une voix intérieure me rappela qu'un certain Terry Richardson, photographe emblématique des années 2000, expose dans la célèbre galerie Perrotin dans le 3ème arrondissement.

Après un petit voyage de quelques minutes dans un wagon parisien et des centimes donnés à un SDF, je me retrouvais face à la devanture de cette fameuse galerie. Je fis le vide dans ma tête, exclus toutes suppositions et préjugés pour entrer l'esprit sain et me faire une idée sur cet artiste qui photographie les stars nues pour poser ensuite avec elles.
L'exposition était répartie sur deux étages, l'univers de Terry était très bien retranscrit même si certaines photographies ne suscitent pas plus de réflexion que cela à mon sens. En réalité, cette exposition reposait sur des séries de photographies prises au cours des deux dernières années dans les états de l'ouest des Etats-Unis, où Terry voulait illustrer les tensions entre le droit religieux et l'industrie du sexe dans cette région. Il nous rappelle que Jésus a une place bien précise dans la société américaine où églises côtoient sex-shops et où se procurer une arme est un jeu d'enfant, sans oublier l'ignorance et la haine qui envahissent cette société.

Courtesy Galerie Perrotin © Terry Richardson

Terry Richardson arrive parfaitement à allier le trash au glamour et la plaisanterie au sérieux, ce fut une exposition riche en réflexions.

Je remets mes écouteurs et je repars méditer à pied dans les rues de Paris ...


 
Nabil Moustaid

En route vers le sud !

Expositions entre Sète et Montpellier.

CRAC Sète Exposition « Magenta », « Le bleu du ciel » et « Chair » du 6 février au 31 mai 2015

Pavillon Populaire Montpellier « La vie en Kodak » du 25 mars au 17 mai 2015

Musée Fabre Montpellier exposition permanente.

La panacée « Boutographie #15 » du 4 au 26 avril 2015

C’est au bord du canal de Sète, à l’entrée de la Méditerranée que se trouve le Centre Régional d’Art Contemporain du Languedoc Roussillon. On pénètre alors dans une architecture industrielle singulière, ancien centre de réfrigération du port de pêche, qui accueille un white cube de deux étages. Pour cette exposition, les artistes sont uniquement féminines et se regroupent au sein d’un même thème, celui du corps. Des photographies grimpent sur le mur, on aperçoit des peintures couleur chair puis notre œil est attiré par la vibration de couleurs que propose Nina Childress. Peu habituée à apprécier la peinture dans l’art contemporain, je me retrouve plongée dans un univers qui me parle. La culture des années 60/70 est vue sous un filtre 3D psychédélique. Une fluorescence des corps qui deviennent animés, présents et pourtant d’un autre temps. La figure est nue, théâtralisée mais libérée. La source photographique est un chemin chronologique pour le visiteur. Le titre « magenta » s’illustre comme un point final lorsqu’on pénètre dans un grand rideau de bandes colorées roses où une pièce vidéo nous montre des personnages féminins aux grandes plumes enrobées de la voix du ténor Alain Vanzo, un clin d’œil aux sources de l’artiste.

Arrivée à Montpellier je dépasse la place de la comédie et me retrouve sur l’esplanade où se font presque face le Musée Fabre et Le pavillon populaire. Faisant un crochet par ce dernier, et ne m’étant pas renseignée sur la nature de l’exposition, une grande affiche 50’s d’un couple dans un champ de tulipes me surprend tout d’abord jusqu’à la lecture du titre « La vie en Kodak, Colorama publicitaires de 1950 à 1970 ».  Je pénètre alors dans un monde parfait, lissé, coloré, souriant tout en panoramique. C’est sous une forme de série tv où tous les personnages se renouvellent que pendant 30 ans le hall de la gare de NYC accueille un panorama acidulé d’une famille parfaite, blanche et souriante. Les mises en scènes deviennent comiques et rafraîchissantes. Entre évolution technique et évolution des mœurs, l’exposition questionne également la place de la photographie publicitaire dans l’art.

Plus loin, le sol est incrusté de bandes noires et blanches. On reconnaît Buren qui nous guide vers l’entrée du Musée Fabre. Pas d ‘exposition temporaire pour le moment, mais je ne peux que m’empêcher de jeter un coup d’œil au dernier étage, où de nombreuses œuvres de Soulages recouvrent les murs. D’abord une salle commune où l’on nous rappelle que Pierre Soulages a aussi intégré de la couleur à sa peinture, puis la dernière salle. Conçu spécialement pour accueillir les peintures de Soulages, la lumière est contrôlée par des fenêtres opaques, tels des paravents japonais qui filtrent un jour adouci. Les tableaux sont suspendus au mur, se chevauchent du regard et le noir Soulages devient vibrant, brillant, blanc. La peinture devient une expérience sensorielle, tactile et émotionnelle.

En remontant les rues au dessus de Fabre, je retrouve un espace couteau suisse ; La Panacée. Ce centre de culture contemporaine est un cousin éloigné du Lieu Unique. A là fois centre d’art, il accueille un restaurant bar, des ateliers enfants, des logements sur deux ans pour étudiants en art, des résidences d’artistes.  Des photographies défilent en projecteur dans une salle où les gens râlent de ces nouveaux artistes contemporains « qui nous prennent pour des cons ». Puis l’exposition de photographies, des thèmes captivants mais des accrochages douteux, superposant chaque bout de photos empêchant une lecture correcte de l’image. Puis une série que j’avais aperçue sur des sites d’info culture populaire, celle de Laurence Rasti qui, avec beaucoup de pudeur, de beauté et de couleur dénonce ce que le régime iranien nie c’est-à-dire la présence d’homosexuels dans le pays. Réfugiée en Turquie sous peine d’exécution, l’artiste leur redonne la voix que leur pays leur a dérobée, tout en questionnant les options fragiles d’identité et de genre.  

                                                                                                                                                                                        

Opale Mirman