Exposition au Blockhaus DY10, à la Zoo Galerie et au FRAC des Pays de la Loire

La Chronique Politique

+ Mykola Ridnyi - Perspective pour hier - 17.09/16.10

Blockhaus DY10, 5bis boulevard Léon Bureau, Nantes

+ Mediengruppe Bitnik Ft Adam Harvey - Welcome to Ecuator - 25.06/29.10

Zoo Galerie, 49 chaussée de la Madeleine, Nantes

+ Amar Kanwar - The Torn First Pages - 25.06/16.10

Frac des Pays-de-la-Loire, Carquefou

Perspective pour hier, d’un point de vue esthétique l’exposition fonctionne très bien. La série de photos présentées, Blind Spot, nous met subtilement dans le thème sans avoir lu le descriptif, puis au fur et à mesure de l’expo, nous comprenons réellement le sens des photos par rapport aux vidéos explicitement politiques. 

J’ai trouvé intéressant ces images bombées en noir au centre qui provoque un sentiment de frustration face à l’image qui se trouve derrière et dont nous ne pouvons qu’entrevoir que des détails. Ces taches m’évoquaient une tumeur, une gangrène qui grossit au fil des mois/années dans le cerveau. Puis en découvrant que l’exposition - les vidéos - était tournée principalement vers la politique, cela a renforcé ce sentiment en le mettant en corrélation avec ces "décideurs" qui peuvent être une gangrène pour leur pays.

Les vidéos présentées m’ont moins marqué du fait que j’ai trouvé que c’était un travail de reporter, il nous montre des images « déjà vues » aux infos/internet. Malgré la relation texte et image des vidéos, intéressante, j’ai trouvé que ce n’était pas exploité jusqu’au bout. Je suis resté sur ma faim.

Mais la dimension politique dans les expositions a toujours eu du mal à me captiver. Exemple : l’exposition The Torn First Pages d’Amar Kanwar au FRAC Pays-de-la Loire, mise à part la scénographie ambitieuse, le contexte culturel du pays m’était vraiment extérieur et je n’avais aucun moyen de m’immiscer dans cet univers. Faute d’information complémentaire et de descriptif, les images étaient là pour nous orienter mais même si on pouvait se douter que l’exposition était engagée politiquement, on ne pouvait vraiment pas savoir de quoi il était question réellement.

Welcome to Ecuador est une des rares expositions engagées qui ont réussi à captiver mon attention. D’une part parce qu’elle n’est pas totalement liée à la politique. Mediengruppe Bitnik se sert de l’affaire politisée de Julian Assange pour pouvoir produire et s’amuser. La démarche des artistes commence avant tout par un jeu d’enfant, tout simplement d'accéder à un endroit inaccessible comme l’intérieur d’une fourmilière. Par-delà le mapping du colis, ils parviennent à créer une forme graphique qui m’a fait penser à la méthode de travail de la « contre-productivité" de Julien Précieux, qui dans les mêmes années, a utilisé ce système pour pouvoir produire « Atelier de dessin » un diagramme de Voronoï. C’est cet objet (le colis) qui va mener à l’aboutissement de la plupart des productions de Mediengruppe Bitnik. Julian Assange’s Room et Parcel sont l’extension de leur projet, plus engagé puisqu’il permet de nous positionner/ prendre parti politiquement. En analysant sa chambre on se rend compte des conditions de vie d’Assange, soulignées par le dessin d’un de ses enfants. Cette pièce nous donne envie de nous intéresser à ce qu’il lit, ce qu’il aime, ce qu’il possède, qui il est. Toute cette curiosité nous fait devenir des protestataires en sa faveur (groupie d’Assange).

Thomas Gameiro

The First Torn Pages & A season outside de Amar Kanwar, FRAC Pays-de-la Loire.

www.fracdespaysdelaloire.com

Du 25 juin 2016 au 16 octobre 2016.

« How can I push my position if I do not demonstrate my strength without force? »

Comment puis-je avancer ma position si je ne fais pas la démonstration de ma force, avec la force ?

Voici l’une des questions majeures que l’on retrouve dans le travail de l’indien Amar Kanwar.

Pour the First Thorn Pages l’artiste nous présente dans un espace dépouillé une installation de 19 vidéos, témoignages de la dictature birmane et de la résistance qui s’y opposa.

Sa manière de projeter les vidéos, le projecteur placé face à nous derrière une fine feuille de papier laissant passer la lumière et simplement tenue par de petites pinces à dessins sur un cadre en métal noir m’a particulièrement marquée. Cela crée une ambiance solennelle mais apaisante.

Le lieu est comme un mémorial, en hommage à ces citoyens qui luttèrent contre l’oppression avec leurs moyens. Ce qui est intéressant c’est qu’il ne se dégage aucune violence de cette atmosphère me faisant penser au musée du mémorial de la Paix à Hiroshima : se souvenir, comprendre, pardonner mais résister.

C’est là que se situe l’enjeu du travail de Amar Kanwar, comme il l’explique dans le film « A season Outside » il lui fallait trouver une voie où il ne répondrait pas à la violence par la violence mais où il ne la fuirait pas non plus. C’est l’une des choses qui m’a touchée dans son travail, il semblerait qu’il ait trouvé sa voie dans l’Art : C’est sa résistance.

Visuellement c’est sublime, par de simple choix de cadrage ou montage, il crée des visuels très forts.

Diane CESCUTTI.

Performance : La fugue de Cebolang, Paradise, 6 rue Sanlecque, Nantes.

http://www.galerie-paradise.fr

Samedi 22 octobre 2016 

Jean-Marc Saint-Paul, Lyn Nékorimatè et Jean-Paul Labro.

Ces trois artistes ont été invités par la galerie tenue par Béatrice Dacher et Michel Gerson pour une performance de 30 min.

Une expérimentation sonore et musicale réalisée à partir d'un extrait du texte javanais

« Le livre de Centhini » traduit en version française par Elisabeth D. Inandiak.

Arrivée dans une pièce sombre, des matelas sur le sol pour s'assoir ou s'allonger. Une lumière dirigée sur chaque artiste. Jean-Paul assis sur une chaise à gauche, un micro devant lui. Lyn assise par terre à droite, micro sur le sol, manipulant son ordinateur. Jean-Marc est debout, au milieu des deux autres artistes, derrière tous ses instruments, quatre cloches, une guitare, une basse, un thérémine, une grosse caisse et d'autres petits bibelots.

La musique commence, sonorités numériques et instruments ancestraux se mêlant à la voix suave de Jean Paul. L'histoire commence...

"Cebolang, jeune prince errant à la recherche du gai savoir et de la conscience de soi part, vagabond céleste, sur les chemins de l'île de Java. Ses rencontres sont légions : grand magicien, femme ouléma, montreurs d'ombres, danseur réog, opiomane... tous instruisent le jeune homme et le révèlent à lui-même."

Pendant la performance, on observait quelques personnes allongées, fermant les yeux afin de savourer pleinement l'écoute. La musique parfois calme, parfois stridente, nous immerge sur l'île de Java. Lyn chantant et parlant parfois avec Jean-Paul nous offre une certaine légèreté à la performance.

A la fin, après ce voyage avec Cebolang, j'ai eu le sentiment que tous les spectateurs étaient envahis d'une sorte d'apaisement.

J'ai particulièrement adoré la performance du musicien Jean-Marc, travaillant des sonorités exotiques et exécutant des loops, se mêlant superbement avec les voix des deux autres artistes.

Marceau GORCE.

The Home Stage

The Home Stage,

Jessica TODD HARPER

Galerie Confluence, 4 rue de Richebourg à Nantes, du 8 septembre au 15 octobre 2016

The Home Stage est une exposition photographique de l'américaine Jessica Todd Harper mise en scène par cette dernière et les membres de l'association qui font vivre la galerie Confluence. Elle s'intègre à l’événement de la QPN « Heureux qui... » (Quinzaine Photographique Nantaise) qui alimente depuis quelques jours la ville d'images contemporaines sur le thème du bonheur.

Cette artiste de 40 ans nous dévoile un travail autobiographique par une série d'une petite vingtaine de clichés de sa famille et de son entourage proche avec qui elle vit au quotidien. Elle nous présente ainsi de façon intime son environnement aux allures un peu bourgeoises, au cœur de la Pennsylvanie.

Ses photographies prennent pour point de départ une lumière, une couleur qui l'interpelle dans une scène qui se déroule sous ses yeux. La peinture est à la fois présente dans la représentation, avec des visages peints en arrière-plan, mais aussi par le caractère pictural de la photo évoquant les compositions classiques flamandes. Dès lors, on pourrait croire en voyant ses photos que l'artiste effectue une mise en scène minutieusement chorégraphiée de ces personnages avant de les immortaliser...et pourtant, elle n'effectue que rarement de grands changements afin de conserver au mieux l'esprit du moment.

Cette troublante série nous frappe tout d'abord par l'intensité des regards des multiples enfants que l'on croise au fil de l'exposition. Toujours plus ou moins au centre de l'image, ce sont des regards soutenus, confiants, et même assez froids qui nous observent, nous spectateurs, nous obligeant à une interprétation de ce qui se dégage de ces scènes de vie quotidienne. Cette proximité entre les personnages et l'objectif n'aurait jamais pu avoir lieu avec un photographe venant de l'extérieur du cercle. De plus, Jessica Todd Harper semble nous inviter de force dans son univers et nous offre le statut, un peu voyeur, de visiteur qui n'aurait pas réellement sa place dans ces compositions d'où ressort une inquiétante étrangeté. C'est donc d'un pas mal assuré que l'on se promène entre ces photographies qui ornent les murs de la galerie dans un consentement mutuel mais muet avec les proches de l'artiste.

Toutes sont des photographies d'intérieur, excepté la dernière où la scène présente une grand-mère tenant un bébé dans ses bras dans un jardin. Cependant, celle-ci ne fait pas office de porte de sortie, et le reste des photos témoignent par leur cadre le souhait de Jessica de nous inclure à son environnement, puisqu'on circule littéralement au sein d'espaces clos.

Afin de ne pas s'appesantir sur les expressions des personnages, c'est la délicatesse et le « léché » des clichés qui nous rendent curieux des moindres détails qui agrémentent l'espace et qui peut-être pourraient nous en dire plus sur ce cercle d'intimes. Et c'est ainsi, en tentant de déceler de minutieux indices que nous sommes attirés par les jeux de nœuds entre les personnes et les diverses générations représentées. L'idée de transmission, d'héritage familial et culturel s'impose alors à nous : les enfants jouent avec leurs parents sous les regards de leurs aînés, des femmes tiennent dans leur bras de toutes nouvelles vies et contrastent avec des personnages fatigués par le temps... Tous les âges s’entremêlent et provoquent chez nous une perte de repères temporels : toutes les photos ont été prises non pas au même instant mais dans un temps cependant assez rapproché, ce ne sont donc pas des photos qui défient les générations et montreraient plusieurs fois une même personne à différentes périodes de sa vie. Pourtant notre envie de spectateur de tisser des liens et de former des récits est forte ; certainement pour essayer de mieux comprendre ce qui nous échappe dans ces photographies.

Cette densité se juxtapose avec l'impression d'un trop plein de vide au sein de cette famille traditionnelle, aux allures de modèle...à laquelle on ne peut décidément pas coller l'étiquette de la « famille idéale ». Cette atmosphère lisse et propre, bien que très intrigante, se veut immersive sans nous laisser totalement nous immerger.

Au cours de l'exposition, un rapprochement évident avec le film Éternité (écrit et réalisé par Trần Anh Hùng, et sorti le 7 septembre 2016) s'est imposé à moi. Peut-être était-ce parce que je l'avais vu 2 jours auparavant.... Néanmoins l'analogie entre cette adaptation du roman L'Élégance des veuves d'Alice Ferney paru en 1995 et The Home stage me permet d'aller plus loin dans la réflexion sur ces photographies mystérieuses.

Tout comme l'exposition, ce film montre un cercle d'intimes (famille et amis) de façon très pudique. Nous sommes également invités à être présents, à tout voir de notre délicate place de simple spectateur coincé dans son fauteuil de cinéma. Il traite d'une histoire de générations, et d'un éternel récit gravé dans le marbre qui se répète au fil des âges.

L'esthétique des images du film insiste sur le traitement de la lumière, souvent douce, qui guide le regard du spectateur. Le décor, qui reproduit les espaces de vie de la bourgeoisie de la fin du XVIIIème siècle évoquent directement les précieux meubles et objets des maisons dans lesquelles Jessica Todd Harper prend ses clichés. D'autre part, le film ne comprend que très peu de dialogue, telles les photographies ou tous les personnages sont muets ; le regard et les gestes sont la parole. De plus, la chorégraphie que forment des placements dans l'espace est toujours bien pesée, méticuleusement équilibrée et soignée. Et enfin, le point de vue des femmes est omniprésent sur toute la durée du long-métrage, et comme la photographe avec son objectif, il montre un lieu qui est loin d'être le paradis, où s'entremêlent des vies et des histoires.

Jessica souhaite nous faire rentrer au plus loin dans son univers et prenant pour œil sa subjectivité, comme s'il fallait qu'elle fige ce qui se passe à un instant présent et qu'elle capture ce qui ne se répétera peut-être jamais...alors que, tout comme le film le démontre, tout finira certainement par recommencer.

J'invite donc les amateurs à se rendre à la galerie Confluence avant le 15 octobre pour découvrir le travail énigmatique de Jessica Todd Harper, et à pourquoi pas se rendre aux dernières séances du film Éternité qui complète ces questions de la place du spectateur au sein d'une intimité qui n'est pas la sienne.

Pour plus d'informations complémentaires : http://galerie-confluence.fr/expositions/

Mathilde Blieck

The Torn First Pages, Amar KANWAR - Frac des Pays de la Loire, boulevard Ampère 44470 Carquefou.

www.fracdespaysdelaloire.com/fr/programme/2016/au-frac/amar-kanwar

Du 25 juin au 16 octobre 2016.

    Pour cette exposition organisée par la FRAC des pays de la Loire, l’artiste indien Amar Kanwar présente une de ses œuvres majeures : The Torn First Pages.

Deux salles, deux installations vidéos. La première, très minimaliste, est assez solennelle. Les écrans suspendus à une simple structure noire sont teintés d’une lumière douce, orangée. Le cadre poétique contraste avec les images plus sombres. À travers ces films, Amar Kanwar parle de la Birmanie. Le spectateur est plongé dans la sinuosité de la dictature birmane, entre témoignages et images historiques. Ces vidéos ont le pouvoir de happer le spectateur, comme si Amar Kanwar voulait le mettre face à ses propres souvenirs.

La seconde installation présente un unique film : A Season Outside.

Le vidéaste s’attache cette fois ci aux conflits entre l’Inde et le Pakistan. Mais au lieu de choisir des images directement liées à l’opposition de ces deux pays, il choisit de filmer une cérémonie théâtrale prenant place à leurs frontières. C’est donc sur ce fond de parades, de foule et d’applaudissements, qu’Amar (en voix off) s’interroge sur le cycle sans cesse renouvelé de la violence. La famille, la communauté mais aussi sa propre conscience, sont des notions qui l’animent dans son propre questionnement. Finalement, ces films invitent également le public à s’interroger sur la société qui les entoure.

Amar Kanwar, The Torn First Pages.

 Extrait de The Torn First Pages.

Léonie GORON.

Léviathan et ses fantômes - The Last judgment

Au Lieu Unique

Léviathan et ses fantômes

installation ''The Last Judgment" de

Véréna Paravel et Lucien Castaing-Taylor

du 2 juillet au 25 septembre 2016

A l'extérieur, quotidien. Les couleurs, les gens. La vie suit son cours. Un pas. Un seul. Et l'obscurité nous engloutit. La porte, derrière nous, est restée ouverte et pourtant, le monde n'existe plus. Il s'est évaporé dans ce silence spirituel, balayé par le bruit des remous, envolé avec les oiseaux de mer, il s'est dissout dans l'écume. Ici, un autre univers s'est formé dans les vagues lumières. On se demande si notre corps n'est pas devenu éther car la pesanteur semble ne plus être qu'un souvenir éteint. Nous devenons pure sensation. La solitude n'est plus un mot, aucun mot n'est, car autour de nous, le langage est devenu autre.

La pénombre réveille des brumes rêveuses sur tous les murs, nous obligeant à lever la tête, à oublier la vision de notre propre enveloppe charnelle. Aussitôt, je pense à la bande dessinée de Benoît Sokal, L'Amerzone. ''Les oiseaux blancs, c'est rien que des histoires pour faire rêver les enfants de l'Amerzone''. Alors le rêve est devenu réalité dans cet immense espace vide du Lieu Unique. Un espace entre monde qui invite à déployer son corps, comme les ailes de ces mouettes géantes projetées sur les murs et à danser dans les vagues qui parfois submergent notre vue. Dans nos oreilles, la voix de la mer est un chant si ouvert, tout est possible. On y voit un cortège d'hommes-poissons vibrer comme des chamans. L'Atlantis vient de sortir des eaux.

On pourrait rester des heures, ici, à voyager entre les ombres, à tournoyer sur soi-même pour saisir chaque fois une silhouette nouvelle. Je me souviens alors d'une installation semblable à celle-ci, immersive et contemplative, où l'on perd sa propre conscience dans nos sens. C'était à la Fondation Cartier lors de l'exposition The Great Animal Orchestra. On y trouvait alors cette œuvre : Plancton, aux origines du vivant. Une même ascendance, la mer, une même magie, au sein de la pénombre d'une pièce, des sons et des images. Là-bas, comme ici, la notion du temps s'est éclipsée.

Ces expériences parviennent à nous faire ressentir un échantillon lointain de ce que peut être cette chose aussi grandiose, mystérieuse et éternelle que la Mer. Cette contrée impalpable, source de tant de fantasmes s'est faite une place dans notre imaginaire, a creusé en nous une profonde estime. Plus d'une fois, des frissons glacés ont parcouru mon corps, entre frayeur et fascination. Espérons que cela nous aide tous à la considérer autrement, et à y voir un avenir qu'il nous faut à tout prix préserver.

Oriane Cavin

Le Bonheur... terre promise, Laurent Hasse - L'Atelier, Nantes.

   C'est dans « L'Atelier », une galerie qui est en partenariat avec la Quinzaine Photographique Nantaise, que l'artiste Laurent Hasse nous délivre un court métrage dont la réflexion première tourne autour du fameux Bonheur que l'on cherche tous dans la vie.

De ce que j'ai pu comprendre, dans un premier abord, c'est que ce film n'aurait jamais vu le jour sans un accident tragique qui a marqué de manière significative la vie de l'artiste. Ce dernier fut frappé d'un terrible accident qui lui fit perdre l'usage de la vue, de l'odorat et ainsi que celle de ses jambes. Depuis cet événement, au fur et à mesure des années, il put recouvrir la vue et marcher à nouveau. C'est alors qu'il se lança dans une véritable expédition : un tour de France, un parcours initiatique essentiel pour se rendre compte de la chance de pouvoir marcher à nouveau. Et dans un deuxième temps, lors de son voyage, il interrogera chaque personne rencontrée sur sa définition du bonheur.

Ainsi, son aventure démarra et il immortalisa son extraordinaire épopée en la filmant, et qui existe aujourd'hui sous le nom de « Le Bonheur...terre promise ».

Plus captivant qu'un simple documentaire, ce court métrage a été une véritable révélation pour ma part ! Le courage de M. Hasse face à son grand défi, la sensibilité de chaque personne qu'il a croisée, leurs histoires personnelles plus que touchantes, leurs discussions et leurs réflexions philosophiques ce que pouvait bien être le bonheur, étaient tous simplement fabuleux! Jamais une réalisation pareille n'a pu me faire couler de chaudes larmes, et de me faire rendre compte que la vie ne demande pas un sens, mais qu'on pouvait la vivre par bien des manières tout autant différentes que je n'avais jamais pu envisager.

Il n'y a pas de doute, ce film est à voir absolument ! Il restera gravé dans ma mémoire!

Claire BODIN.