Galerie Confluence - Jessica Todd Harper – The Home Stage

Jessica Todd Harper – The Home Stage

Galerie Confluence. Quinzaine Photographique de Nantes

Lors de cette exposition, j'ai pu découvrir le travail de l'artiste Jessica Todd Harper, constitué d'un ensemble de photographies.

Un unique sujet semble unir ces photographies : celui du cercle familial et de thèmes secondaires comme la maternité, les générations, l'amour familial, le patrimoine.

Dans ces œuvres, on rencontre son environnement personnel, intime.

Avec ces photographies, elle a voulu représenter son évolution, le changement qu'est la maternité dans la vie d'une femme, ce qui d'après ce qu'elle a écrit, l'a profondément changée. L'artiste ne place absolument pas le spectateur à distance. Elle nous invite.

Les enfants sont à l'aise du fait d'être photographiés par leur mère (ou une personne du cercle familial). Les regards des enfants sont puissants, intenses, tandis que l'on ne croise jamais le regard des adultes. Les personnes posent à plusieurs (deux au moins). On remarque l’intention de l’artiste d’évoquer le partage familial. On ressent fortement son sentiment d'amour envers sa famille qu’elle arrive à transmettre à travers la photographie. Cette famille a beau nous être tout à fait étrangère, on ressent une sorte de compréhension de son amour.

Le lien entre les générations est fortement représenté : avec les plans (Ex : enfants au premier plan, puis parents, grands-parents et photos ou peintures d’ancêtres encadrés aux murs).

Les plans sont d'ailleurs traités de façon très intéressante, et sont très importants dans ses compositions. Ainsi que les objets : l’opposition entre les vieilles photos, les broderies et les jouets d'enfants. L'artiste veut sûrement représenter la transmission, et le fort lien familial et générationnel.

En fonction de la scène qui se déroule devant ses yeux, elle la met en scène ou laisse faire le hasard. Elle joue avec la lumière, le flash, la disposition des personnes.

Dans ses photographies, on voit clairement l'influence très intéressante de la peinture flamande, avec les scènes d'intérieur et le traitement de la lumière, donnant une intensité encore supérieure. Le traitement de la photographie est très beau, grâce à la densité et la colorisation, ainsi que le traitement de la lumière. Cette lumière amène un aspect presque divin, sacré, protégé.

La seule chose qui pourrait m'avoir légèrement déçue, c'est l'abstraction (l’absence de ?) du désordre.

Dans une famille avec des enfants, il y a toujours des aspects plus « chaotiques ». Ici, on semble nous les cacher en nous présentant seulement une famille modèle et calme, vivant dans un cadre idyllique et parfaitement ordonné.

L'artiste fait ici totalement abstraction des mauvais aspects. Vision peut-être trop embellie.

On ressent peut-être un trop plein (?) de maturité, une accalmie, un trop plein (?) de sagesse (issu de la maternité?), qui virent à un aspect peut-être trop bourgeois.

Pour conclure, j'ai trouvé cette exposition magnifique, avec des images intenses et touchantes, de beaux traités photographiques.

L’artiste a réussi à donner un aspect presque divin à ces scènes de vie quotidienne. Mais peut-être aurions-nous aimé voir les dessous de ces mises en scène qui semblent trop sages et parfaites.

Line Bourdoiseau

Le temple du goût - Romain Leblanc - Ma vie est plus belle que la votre

Le temple du goût

Romain Leblanc

Ma vie est plus belle que la votre

Lors de l'exposition au Temple du goût à l'occasion de la quinzaine photographique, j'ai pu découvrir le travail de Romain Leblanc : « Ma vie est plus belle que la vôtre ».

Ici Romain Leblanc a travaillé sur la photographie amateur et le selfie, et plus particulièrement sur le sujet du narcissisme dans le selfie.

Pour cela Romain Leblanc s'est mis en scène dans une série de publications sur le célèbre réseau social « Facebook ». On le voit par exemple avec une liasse de billets, dans un bain moussant, nu dans sa salle de bain, ayant fait un gâteau,...

Lui bien sûr, caricature ses selfies, ne travaillant pas ses poses, ne les embellissant pas avec des filtres et se moquant bien de son apparence, contrairement à un selfie normal.

Dans ces mises en scène il a voulu critiquer le fait que notre bien-être soit devenu dépendant du désir de plaire, de séduire, d'être aimé et de convenir aux autres.

Il critique le fait que dans la culture actuelle ce soit un passage obligé, pour crier à tout le monde :

« Je suis normal, j'ai des amis, je fais des voyages et ma vie sexuelle existe ».

Il dénonce que le seul moyen de se représenter actuellement soit de montrer à tout le monde qu'on convient à la société, ou pire encore, que l'on est au-dessus des autres : qu'on sort plus, qu'on a des jambes plus fines, qu'on va plus au restaurant, qu'on voyage plus, qu'on bronze plus, qu'on a des dents plus blanches...

Il dénonce le selfie comme ce qu'il est : un stigmate du narcissisme contemporain et toute cette machine, comme un abandon du contact humain, pour un rapport virtuel, irréel et un individualisme grandissant, à vouloir montrer que l'on est mieux.

Mais il critique aussi cette utilisation du selfie, presque obligatoire, comme un enfermement dans la société.

Il est parfois difficile de dénoncer ce dont nous faisons aussi partie, mais la leçon de Romain Leblanc est intéressante.

Et je trouve ce travail d'autant plus pertinent qu'il rentre dans le cadre du sujet « Heureux qui... », est-ce vraiment ici un idéal du bonheur pour les nouvelles générations qui tendent de plus en plus à s'illustrer comme cela ?

Line Bourdoiseau

Blockhaus 10 - MYKOLA RIDNYI - Perspective pour hier

Blockhaus 10

MYKOLA RIDNYI Perspective pour hier

Exposition du 17 septembre au 16 octobre 2015

J'ai trouvé l'exposition de l'artiste ukrainien Mykola Ridnyi captivante. Lors de cette exposition, nous avons en effet pu observer différentes pièces, mais ayant toutes un lien avec une certaine violence, un rapport à la guerre ainsi qu'à la société actuelle.

Tout d'abord « Blind Spot » ou cet ingénieux moyen de représenter le mécanisme d'auto-aveuglement humain en le comparant à une maladie ophtalmologique dans diverses photographies.

En effet, ici Mykola Ridnyi fait un rapprochement entre un phénomène pathologique qui rend incapable de voir pleinement ce qui se passe autour de nous et nous mène à construire une image manquante de la réalité, petit à petit absorbant toute réalité jusqu'à une obscurité totale - à l'attitude que nous adoptons au sein des sociétés modernes et qui devient un processus d'autodéfense nous aveuglant et nous persuadant d'une réalité inexacte.

Pour représenter les effets de notre auto-pathologisme il reprend des clichés provenants de rapports concernant la guerre à l'est de l'Ukraine et les obscurcit presque totalement à l'aide d'encre, moyen plastique très intéressant.

Ensuite « Shelter », vidéo tournée dans l'un des abris souterrains réquisitionnés dans le cadre d'un programme scolaire appelé « entraînement de pré-service », représente la réutilisation des abris construits lors du conflit américano-russe, et de la paranoïa collective en résultant, par des enseignants et élèves qui ne semblent pas se préoccuper de la situation politique de leur pays, mais seulement de l'importance de l'engagement militaire au sein de la patrie, illustration encore une fois d'un aveuglement benêt, ridicule, risible. On peut y voir des élèves s'entraîner à charger le plus rapidement possible une arme, des cours de tirs, des affiches d'étude de la contenance d'une balle et entendre des paroles patriotiques.

Puis « Under Suspicion », série de photographies défilant à l'aide de diapositives, représentant la suspicion et la sur-surveillance du gouvernement envers chaque citoyen, chacun devenant un potentiel suspect, en fonction des détails qui l'entourent. Pour représenter cela, il fait défiler des clichés de scènes de la vie quotidienne prises dans l'espace public, puis avec des inscriptions au stylo, il y entoure les objets et individus potentiellement suspects.

En face de cette installation était diffusée une vidéo : « Regular places ». Cette vidéo représente les fantômes de la violence qui a pu éclater dans des lieux qui semblent aujourd'hui banals, des lieux où il est aujourd'hui impossible de deviner les émeutes, les affrontements à coup de batte de baseball, les sanctions publiques, les humiliations et les exécutions qui ont pu s'y dérouler. Mykola Ridnyi y fait revivre ces fantômes, en transposant sur ces images d'une vie quotidienne banale, paisible, les sons d'affrontements, de cris, de douleurs. On peut y entendre des phrases très éloquentes comme : « Mort aux ennemis », « Putain de pédés », « Ils tabassent des gars ! Ils tabassent des gars les mecs ! », « Ils ont été attaqués, un vieillard est tombé ! », « Tue-le ce chien de russe ! », « Regarde ! Ils lui ont fracassé la tête ! », « Mon dieu quelle horreur ! », ainsi que des cris d'horreur et de peur. A côté des images paisibles, les cris et les voix de ces fantômes nous choquent.

On en vient à réaliser l’étendue de cette horreur, mais aussi à l'imaginer dans notre rue, notre place, notre environnement.

Et pour finir, la vidéo « Forteress », que j’interprète un peu comme l’apogée, le point final de l'exposition. Car tout ce que l'on nous a présenté auparavant faisait appel à notre interprétation, on nous voilait les choses pour mieux les regarder. Ici on nous lâche les images. On peut voir des hommes armés, des barricades, des groupes de défense, de grands feux, des émeutes, les énormes dégâts des lendemains, des châtiments, des humiliations, des combats,...

Toutes ces images sont commentées par des extraits, des citations de textes sur l'histoire médiévale.

Ils comparent le développement du néolibéralisme contemporain dans les pays de l'est avec celui du système des anciennes monarchies en Europe :

Les hommes qui se battent à l’extérieur du château, les bruits des affrontements, des béliers, de l'huile bouillante et les barons à l'intérieur, gros, opulents, riches, protégés par une horde de soldats et écoutant de la musique (Opposition au bruit de la guerre à l’extérieur).

Ils illustrent aussi la reprise de rites des guerres passés : tenues, noms, cris,..

Mais surtout le mouvement contre les « privilèges seigneuriaux », les privilèges des systèmes du moment en faveur des dirigeants.

Pour conclure j'ai trouvé cette exposition très enrichissante, de par ses dénonciations, mais aussi de par les moyens plastiques utilisés pour y arriver.

Mykola Ridnyi a tout à fait atteint son but de dénonciation de la propagande, la manipulation, la répression, l’oppression, les processus de gouvernance, et surtout la manière avec laquelle l'humain peut occulter une réalité. Il mélange les œuvres qui représentent symboliquement ce qu'il veut exprimer comme « Blind Spot » avec les œuvres, qui grâce a l'utilisation du style documentaire et des images de surveillance imposent une brutale réalité.

Il dénonce et demande un questionnement de nous-mêmes, de notre société.

Cet artiste m'a plu, m'a touchée et m'a aussi montré une vérité choquante.

Line Bourdoiseau

Mykola Ridnyi, Perspective pour hier - Blockhaus DY10, Nantes.

Mykola Ridnyi, artiste ukrainien nous présente dans son exposition « Perspective pour hier » ses interprétations plastiques des tensions sociales et politiques présentes il y a peu en Ukraine.

A travers photos, vidéos et diapositives il oppose le climat actuel ukrainien face à celui d'il y quelques mois. En effet la population a participé à de nombreuses manifestations et émeutes, excédée par un pouvoir corrompu et voyant leurs perspectives d'avenir s'effacer.

L'artiste va alors dénoncer ce contexte socio-politique tout en faisant le paradoxe de notre vision qui est occultée par une fausse réalité.

Tout d'abord dans son premier travail « Blind spot » il va imager une zone vide présente dans notre vision entre l’œil gauche et l’œil droit, appelée tâche aveugle. Donc d'après lui nous sommes en incapacité de voir tout ce qui se passe autour de nous, et nous construisons une fausse idée de la réalité. Pour répondre à ce propos il a réalisé une série photographique qui transpose métaphoriquement ces troubles oculaires. Il place à différents endroits de ses photos une tache noire réalisée avec un spray acrylique ce qui permet de donner, d'après moi, une seconde dimension à l'image qui représenterait l'oubli, l'obscuration de notre mémoire. Ainsi, il crée une nouvelle forme de clair-obscur photographique qui ne laisse voir ou deviner que ce que notre cerveau décidera. Cette série est le travail qui m'a le plus interpellé dans l'exposition, autant du point de vue du fond que de la forme.

Mykola Ridnyi a évidemment réalisé d'autres travaux dans cette exposition comme trois vidéos ; on y voit la population révoltée contre le système politique, un abri réhabilité en système d'auto-défense appelé « entraînement de pré-service » ou encore les habitants essayant de reprendre le cours de leurs vies, tout en essayant d'effacer de leur mémoire les événements passés.

En bref, l'artiste soulève de nombreuses questions sur notre vision de la réalité : Sommes-nous réellement objectifs face à ce que nous voyons ? Notre vision nous influence-t-elle sur notre façon d'agir ?

Léo BUREAU.

Galerie TrES. - 3 rue Bossuet, Nantes.

http://galerietres.com/

Exposition de mi-septembre à mi-octobre.

JI Chang-Rim, Jane PLANSON, GWENHAËL, LEE Jeong-Hyup.

Cet article aura pour sujet la galerie tenue par l'artiste peintre coréen, et docteur en arts plastiques de l'université de Rennes 2, JI Chang Rim, ancien étudiant aux Beaux-Arts de Nantes.

Ji Chang-Rim m'a gentiment accueillie et m'a raconté l'histoire de quelques-uns des artistes exposés dans sa galerie.

Tout d'abord, Jane PLANSON est une artiste peintre de Rouen qui travaille surtout sur les personnages, et rarement sur les paysages. Cependant, elle a décidé d'apporter à Chang-Rim, lorsqu'elle est venue sur Nantes, trois tableaux de paysages et un d'un personnage. J'ai pu feuilleter le livre regroupant une partie de ses travaux pendant que Chang-Rim m'expliquait des petits faits sur l'artiste en question. Jane Planson utilise des pigments, de la cire et de l'huile dans ses toiles, mais elle a aussi travaillé sur du bois. Je trouve ses paysages assez mystérieux, et en même temps une impression de calme qui s'en dégage grâce à l'absence de personnages. Cela me fait penser au chaos, à l'annonce de l'arrivée d'une tempête. De plus, même dans ses peintures de personnages, il y a toujours, selon moi, cette forte aura ténébreuse. Son utilisation de la cire apporte un grand plus dans sa peinture.

On trouve également dans la galerie des travaux de Gwenhaël. J'ai personnellement et surtout énormément apprécié le travail avec les plumes qu'il a dessinées. Il crée une profondeur hallucinante. Les sortes de triangles qui se superposent apparaissent sous la forme de losanges, de rectangles. Le mouvement avec les plumes donne l'impression d'un envol et se détache des losanges : cela apporte un dynamisme, un mouvement à l'image et d'autant plus, de la profondeur.

Dans la galerie, deux travaux du galeriste coréen sont exposés. L'un est le premier provenant d'une série intitulée Le sentiment d'enveloppe de cinq travaux, c'est ce qu'il a présenté lors de son oral de fin d'études à l'école des beaux-arts de Nantes. Le second travail exposé est une peinture sur laquelle on peut voir des nuances de bleu. Des corps semblent se dessiner dans les mouvements laissés par les traces du pinceau. Une sorte de rythmique, une danse paraît se former.

On trouve également des céramiques coréennes du coréen LEE Jeong-Hyup. Très fascinantes, les céramiques sont recouvertes de motifs végétaux bleus et marron, des sortes d'arbres qui s'entrelacent. Je me sens sereine devant ces objets, et je dirais même, cela m'impressionne énormément, notamment la surface extrêmement lisse et brillante de la céramique et des motifs.

Chang-Rim, en plus de m'avoir raconté l'histoire autour de la céramique coréenne, m'a offert un petit livret très passionnant qui traite des peintures folkloriques dites « Min Hwa ». J'en suis ravie et l'en remercie beaucoup !

Une nouvelle exposition intitulée « Parfum d'éternité » dans la galerie de JI Chang-Rim a commencé le 11 octobre et se terminera la 25 octobre.

Jane PLANSON.

Céramiques coréennes, LEE Jeong-Hyup.

Gwenhaël.

Galerie TrES.

JI Chang-Rim (Le sentiment d'enveloppe, 1/5 à droite).

Myriame EL KHAWAGA.

Ma vie est plus belle que la vôtre, Romain LEBLANC. - Le Temple du Goût, Nantes.

Du 16 septembre au 16 octobre 2016.

Dans cette collection photographique amateur, Romain LEBLANC se montre au public de manière très amusante. Sur un grand mur, on aperçoit les publications qu'il a faites sur un réseau social. Cela m'a donné le sourire aux lèvres. On le voit dans des situations du quotidien : en train de se brosser les dents, en train de cuire du bacon, en train de lire un magazine, en train de repasser son linge, en train de poser devant le fessier de quelqu'un, et plein d'autres genres. Il paraît être idiot et va dans l'absurde, quitte à se prendre en selfie pendant sa visite chez le dentiste, et même dans son fauteuil avec sa télécommande. Je pense que la photo la plus hilarante, en plus de sa photo de profil sur laquelle il semble être non vêtu, est celle où il sourit, une tasse dans la main et les dents pleines de chocolat (je suppose que c'en est du moins je l'espère).

Un selfie de nos jours est censé mettre en valeur la ou les personnes qui prennent la photo. Or, sur les selfies de Romain LEBLANC, on est loin de pouvoir dire qu'il est sous son meilleur jour ! Comment ne pas rire de ses photos et surtout de lui : un homme banal qui semble faire l'idiot, sachant qu'il s'agit de photos publiées pour être vues par le public.

J’en conclus que ce travail de Romain LEBLANC critique la société très friande de réseaux sociaux.

Photographies de l'exposition.

Myriame EL KHAWAGA.

11ème Convention de Tatouage de Nantes

11^ème Convention Tatouage Nantes – 7,8 et 9 octobre

Organisé par l’association Moby d’Ink

Dès l’entrée dans le parc de l’expo de la Beaujoire, le ton était donné. Une ambiance immersive plongée dans un son hard rock enivrant accompagné du bruit sourd des machines perçant la chair. Des visages crispés, filtrant la douleur devant une foule toujours plus enthousiaste. Une œuvre immortelle sur un mortel. Chacun son style, chacun sa façon d’habiter l’espace qui lui a été réservé. Certain préférant de vastes affiches tape-à-l’œil à la sobriété d’un stand sage et rangé. Les flashes encore disponibles jonchaient les tables. C’était amusant de se poser dans un coin du salon pour y observer la foule. Très éclectique. Presque binaire. D’un côté des hommes et femmes, des familles d’une classe sociale plutôt modeste grossièrement tatouées venant avec leur poussette écumer le stand à la recherche de la meilleure affaire. De l’autre, des artistes, bobos, dandys au style savamment étudié parcourant nonchalamment les stands chinant contact, inspiration, à l’affut de LA pièce qui compléterait au mieux leur univers si particulier. Des centaines d’ artistes tatoueurs ont enchaîné tout le week-end, venus du monde entier, au style aussi épars qu’inspirant. Sergio Villa, Ako, B. Parks, Bichon, Captain Plume… De l’old school, néoclassique, contemporain, gore… La richesse des univers présents était une source d’inspiration infinie. Toute la culture de cet art était à disposition. Des représentations coquines et des concours venaient rythmer l’ensemble. Des Streep-teases, du shibari, des danses et un présentateur aux tournures de phrases aussi improvisées que son style vestimentaire animait les concours. Le meilleur tatouage de la journée, le meilleur flash ou les tatouages les plus originaux. Et pour noter tous cela : trois juges aux critères de sélections aussi floues que le breuvage qui était devant eux. En conclusion, trois jours hauts en couleurs, intenses, uniques !

Melany Girou

www.convention-tattoo.com