Alina Szapocznikow

Alina Szapocznikow

Du dessin à la sculpture

27 février – 20 mai

Centre Pompidou

J’ai découvert le travail de cette artiste polonaise il y a deux ans, en tombant sur le catalogue de l’exposition monographique qui venait d’avoir lieu au centre d’art contemporain de Bruxelles (Alina Szapocznikow – Sculpture Undone – 1955 -1972). À la fois dérangée et fascinée par ces étranges dessins et sculptures, j’avais très envie de les voir « en vrai ».

La petite exposition qui a lieu en ce moment au quatrième étage du Centre Pompidou ne m’a pas déçue. Elle regroupe une centaine de dessins et monotypes, et quelques œuvres tridimensionnelles. Dès la première salle, j’ai apprécié ressentir le caractère expérimental de son travail : pas d’impression de gradation entre des dessins que l’on pourrait définir de préparatoires, et les monotypes ou sculptures. Les croquis à l’encre sont peut-être le point de départ d’œuvres plus « abouties », mais je les trouve d’une intensité presque plus saisissante. Corps fragmenté, amas de chair, agglomérats de matières. Alina Szapocznikow expérimente de nouveaux matériaux tels que la mousse polyuréthane, résine polyester, limités à l’époque à un usage industriel. Elle démembre, défigure, déconstruit pour reconstruire. C’est souvent son propre corps qui est la base de ses expériences, presque toujours identifiable malgré les déformations. Dans ses premiers dessins d’étude, le corps apparaît encore comme entité, puis il se métamorphose en objets étranges, anthropomorphes. Ce passage de désarticulation de la forme est fascinant et bien mis en lumière par la scénographie de l’exposition.

Aussi bien dans ses œuvres en deux dimensions que dans ses sculptures, je ressens une certaine fragilité, de l’instabilité. Un peu comme si le centre de gravité de la figure était déplacé, toujours un peu trop haut ou un peu trop à gauche. Elle joue avec la pesanteur, et c’est peut-être ce déséquilibre (très maîtrisé) qui me tient en admiration devant chaque dessin. Les quelques prototypes d’objets « fonctionnels » qui nous sont présentés (coussin, lampe) sont d’autant plus étranges qu’ils se trouvent entre l’objet de consommation de masse et quelque chose de très unique, purement charnel.

Pierre Cabanne a écrit à propos d’une série de sculptures en cire « On ne sait jamais si les seins ou les cuisses qui émergent de cette espèce de lit sont objets d’étreintes ou saisis par la boue d’Hiroshima. On ne sait jamais si c’est l’amour ou la mort qui les révèlent ». Cette déclaration résume parfaitement l’ambiguïté du travail d’Alina Szapocznicow, entre angoisse et extase, déstabilisant et fascinant, viscéral et sensuel.

Gabrielle Petiau

Art au Carré

Exposition « Art au Carré »

Du 18 janvier 2013 au 24 février 2013 à Nantes

Organisée par la galerie Albane et Espace investissement

Bâtiment N°3

Clémentine De Chabaneix

   Le jour, la nuit,

La nuit, les ombres, une ambiance

trois murs sur des dessins,

Des dessins sur trois murs

Des néons, du mystère

Du mystère, du noir et blanc

Du noir et blanc, de l’intensité

   Au centre, un arbre,

au centre de l’arbre, un trou, une fille

Une fille, une balançoire

Une balançoire tout droit sortie d’un conte

Un conte avec une forêt

Une forêt, des couleurs

Des couleurs dans la pénombre

   Une barque près de l’arbre

Non!

Un arbre dans la barque

Un voyage, un monde parallèle

Un monde parallèle, intérieur, extérieur

Fantastique, mystique

Mystique, perdu!

Cassie Néhou

Institut du Monde Arabe

LES MILLE ET UNE NUITS

Institut du Monde Arabe, Paris

Jusqu’au 28 avril 2013

            Plongé dans une lumière tamisée, l'Institut du Monde Arabe nous accueille dans un espace débordant de livres anciens ; on est immédiatement renvoyé au septième siècle du Moyen Orient et immergé, avec émerveillement dans le passé des mille et une nuits.

            Ce voyage nous transporte de toutes les manières possibles. Dans la première salle c'est un plafond investi par des carrés de lumière. Plus tard, on traverse musicalement différentes cultures, de l'Iran en Egypte, en passant par l'Irak et la Syrie. Des décors dignes des grandes scènes de théâtre nous encadrent et l'on se sent  véritablement dans un conte oriental.

            Des peintures, des photos, des vidéos, des instruments, des costumes ; chaque proposition est un complément pour la suite de l'exposition et la compréhension de l'ambiance générale. Je m'y suis sentie baladée et appelée par les personnages des mille et une nuits.

            Les histoires et leurs protagonistes nous rattrapent et viennent enrichir  nos histoires d'enfants. Nous trouvons d'autres aspects esthétiques et plastiques aux dessins animés de Disney et aux héros des livres étudiés à l'école. Pour moi, il s'agissait de vieux souvenirs dans ma mémoire ; cette exposition m'a permis d'en apprendre plus. C'est comme si j'avais grandi et que l'on pouvait me dévoiler l'origine de ces contes lointains.

TAHAN ADELINE

Olivia Lavergne

Olivia Lavergne, Jungles

Galerie Confluence, Nantes, du 13 mars au 20 avril

     Olivia Lavergne nous invite dans la galerie Confluence à pénétrer dans une jungle très esthétique. Dès l'entrée, on est frappé par la présence, trop pesante, de cadres japonisants en bois sombre, qui cloisonnent proprement des clichés de nature luxuriante. Ce cerne noir, certes design, standardise malheureusement des photos irrégulières et aplatit l'ensemble. On a donc au premier abord, plus l'impression de se trouver dans la salle d'attente d'une agence de voyages qui vend un rêve raffiné d'exotisme, que dans une jungle à proprement dit.

     Il faut un deuxième regard pour réussir à s'extraire de cette  vision globale qui manque d'originalité et redécouvrir individuellement les images. On perçoit alors la méthode de l'artiste, répétée de manière plus ou moins heureuse en fonction des prises de vue. Il y a toujours un clair obscur, organisé avec un premier plan sombre, presque hostile, et un deuxième qui se présente comme un au-delà lumineux. L'image invite à pénétrer au cœur de ces cocons de verdure, et, parfois, on arrive à se perdre dans cette densité graphique, oubliant qu'il s'agit de feuillages. Il ne reste alors, plus que le dessin merveilleux qui n'a plus rien d'un rêve standard d'exotisme.

Isabelle Levadoux

Gisants

Gisants (Hommage à E.C Crosby et K.Z Lorenz) Jan FABRE.

Du 28 Février au 20 Avril 2013, Galerie Daniel Templon, Paris

            Gisants, un gisant, de marbre, une forme, statique, centrale de cet espace, noir, contrastant froidement avec l’œuvre. Tout autour. L’Œuvre. Et puis des cerveaux, partout. Pincés d’insectes, un microcosme fourmillant de part en part. Mouches butinant sans fin, restant immobiles, lorsque le public volète, bourdonne et se réchauffe sous les projecteurs.

            La mise en scène le connait. Alors, après les Piétas de la Biennale de Venise, Jan FABRE réitère l’opération. De marbre, toujours, car rien ne doit bouger, pas un cil. Mais cette fois-ci, ce sont des morts. Oui, des morts. Une véritable mise en scène macabre. Deux caveaux, de chaque côté de la rue. La Galerie transformée en tombeau le temps d’une exposition. Un hommage de plus, à deux scientifiques. Anatomistes et biologistes. Le corps comme outil de travail. Et la science de la vie.

Un esthétisme tout à fait particulier, un humour décalé mis au service d’un matériau noble. Car ici, tout est de marbre.

            Sauf que ce soir, c’est le vernissage. Du beau monde. Le gratin. La haute. Les commentaires acerbes de mes voisins n’y feront rien. Moi j’adore. Au-delà même, j’idolâtre.

            Le maitre est là, dans son costume cintré. Accent faussement british. Anonyme parmi la foule.

Margot Seigneurie.

Manuel Álvarez Bravo

Manuel Álvarez Bravo. Un photographe aux aguets (1902-2002)

Jusqu’au 20 janvier 2013

Jeu de Paume, Paris

La rétrospective de l'artiste photographe mexicain Manuel Àlvarez Bravo (1902-2002), exposée au Jeu de Paume à Paris, a été installée dans un espace qui se déroule comme un serpent étendu presque en spirale en évoquant une spirale temporelle qui nous accompagne dans l'histoire de son travail.

En pénétrant dans ce parcours je suis restée immobile face à la façon de l'artiste de partir d'un détail insignifiant de la vie quotidienne ou d'un cliché de la tradition de sa culture pour en réaliser une image irréelle, une forme presque divinisée et indépendante en elle-même, loin de toutes connotations. Matelas, rideaux, arbres, marches, papiers, orgues, rochers... deviennent à travers ses photos des formes abstraites entre le minimalisme et le surréalisme. J'ai retrouvé dans ses images, synthétiques et absurdes, ce que moi j’essaie vainement d'exprimer avec la poésie. J'ai aperçu ses photos-poèmes comme une recherche en cours et au même temps comme une réalisation aboutie de l'objectif d'expression préétablie.

Dans plusieurs photos avec des contextes complètement différents on retrouve la même attention pour la forme circulaire, dans un autre ensemble de photos il s'attarde plutôt à travailler des formes bien plus géométriques et ses ombres nettes. Ce sont ces formes, plutôt que les sujets, qui nous permettent de créer des liens entre ses images et de passer de l'une à l'autre avec la même fluidité que dans un film. Par contre pour ce qui concerne les sujets on remarque qu'il y a une grande majorité d'objets non vivants, immobiles et de détails plutôt que de personnages et pourtant le mouvement est partout !

Même dans les scènes où il y a des personnages, il ne se passe rien, il n'y a pas d'action. Ils sont allongés ou plongés dans leurs pensées ou en attente et pourtant le jeu des formes crée un mouvement dans chaque image.

Dans ses photographies on a l'impression que le temps n'existe pas, c'est plutôt l'instant qui règne comme une répétition infinie.

Une phrase de Bravo m'a absorbée:

« La statistique est la quintessence de la dynamique »

Federica Ruggieri

Malik Nejmi, photographe du 17/01 au 17/02 à L'Atelier, Nantes

Malik Nejmi, photographe du 17/01 au 17/02 à L'Atelier, Nantes

         De belles couleurs et de beaux sujets, résumerait parfaitement cette exposition, si ce n'est que ça n'est qu'un aspect superficiel du travail présenté par l'artiste.

En entrant on tombe nez à nez avec cette photographie qui donne immédiatement une idée d’ouverture et de voyage.

Que l'on commence par la droite ou la gauche nous entrons à la découverte d'un pays, d'une histoire et de ses protagonistes. Au milieu se trouve le sujet le plus douloureux pour l'œil et l'esprit, c'est pourtant là que l'on reste le plus longtemps.

         Enfants Tabous d'Afrique occupe une grande partie de l’exposition. Nejmi nous raconte l’histoire de ces handicapés laissés à l'abandon ou assassinés à la naissance.

Le texte principal est extrêmement touchant et effrayant, il aborde un sujet difficile avec des mots pourtant simples.

La phrase "En Afrique, quand naît un enfant c'est toute la société qui est autour de cet enfant. Quand naît un enfant handicapé, c'est toute la société qui se détache de ses devoirs envers cet enfant. " de Ferdinand Diemme Orthoprothésiste à Bamako, située sur un cartel au début du sujet est probablement celle qui m’a le plus émue et révoltée.

         L'accrochage en général est assez épuré, simple sans être simpliste, ce qui permet une bonne lecture des photos qu’elles soient en patchwork de petits formats ou alignées et de grandes tailles, la lumière est agréable et permet une bonne visualisation des photos.

Les cartels qui sont souvent des témoignages s’associent parfaitement aux œuvres laissant le spectateur déchiré.

Les photos se succèdent, l'œil est happé par des images dures, c'est un documentaire poignant que nous offre Nejmi.

C’est une découverte macabre mais terriblement belle, nous sentir coupables d'apprécier ces photos.

Louise Horvat