CAMOUFLAGES, Joan Fontcuberta

CAMOUFLAGES, Joan Fontcuberta

Du 15 janvier au 16 mars 2014

La Maison Européenne de la photographie, 5/7 rue de Fourcy, 75004 Paris

Commissaires d’exposition : Joan Fontcuberta, Jean Luc Monterosso, Pascal Hoël

http://www.mep-fr.org/evenement/joan-fontcuberta/

Avez-vous déjà entendu parler de la découverte de squelettes de sirènes fossilisés dans les environs de Digne-les-Bains par l’abbé Jean Fontana qui remettrait en cause la théorie de l’évolution ? Saviez-vous qu’en 1968 le régime soviétique a effacé toute trace du passage sur terre d’Ivan Istochnikov, cosmonaute russe émérite, et de son compagnon canin Kloka pour éviter le scandale d’une mission spatiale ayant mal tourné… Peut-être avez-vous vu ce reportage de guerre révélant comment l’acteur de soap opéra arabe Manbaa Mokfhi a été embauché par Al Quaïda pour jouer le rôle du leader fictif Fasqiyta Ul-Junat, puis comment, après sa mystérieuse disparition, les services secrets ont inventé la figure d’Oussama Ben Laden pour le remplacer. Et ce monastère en Carélie où les moines enseignent depuis plus de dix siècles des miracles en tout genre - parmi lesquels l’électrogenèse, la lévitation, l’ubiquité, le surf à dos de dauphin ou mieux encore, celui de faire apparaître la figure de Che Guevara sur des tranches de jambon ; ça ne vous dit vraiment rien ? Allez donc jeter un coup d’œil au gigantesque cabinet de curiosités que propose Joan Fontcuberta à la MEP. Des photographies, des vidéos, des objets authentiques convaincront les plus sceptiques.

L’artiste fabulateur essaie de libérer le spectateur de sa crédulité face aux médias ou à toute autre institution d’ordre scientifique, historique, religieuse. Il y parvient avec un humour irrésistible !

Si vous avez un peu de temps à perdre vous pouvez toujours aller regarder les photographies de David Lynch au dernier étage…

Portrait retrouvé d’Ivan Istochnikov, 1997

©Joan Fontcuberta

 Le miracle du jambon, 2002

©Joan Fontcuberta

Le Dr. Fasqiyta-UI Junat divertit ses camarades en faisant des pirouettes sur un âne,

2004

©Joan Fontcuberta

Alexandra Slattery

Le Vent Se Lève

Le Vent Se Lève (Kaze Tachinu)
écrit et réalisé par Hayao Miyazaki

Sortie en salles au Japon le 20 juillet 2013, en France le 22 janvier 2014

  Son film le plus adulte, portrayant son fantasme le plus enfantin. Ainsi résumerais je mes impressions sur le dernier long-métrage en date du réalisateur phare des Studios Ghibli, Hayao Miyazaki. Ce dernier fait tout simplement vivre et rayonner l’animation japonaise depuis presque cinquante ans, dans son pays et à l’international, avec des chefs d’œuvres bien connus et incontournables comme « Mon Voisin Totoro », « Princesse Mononoké» ou « Le Voyage de Chihiro ». « Le Vent Se Lève » détonne dans sa filmographie, de par son ancrage historique inédit, son traitement biographique romancé, et son découpage très étendu dans le temps. On suit ainsi l’histoire de Jirô Horikoshi, ingénieur chez Mitsubishi ayant conçu les chasseurs bombardiers aériens qui serviront à l’armée japonaise pendant la Seconde Guerre Mondiale. Son profil effacé et rêveur est mêlé à une approche sentimentale et romantique, disons-le très mélodramatique, l’accent étant ici principalement mis sur une dimension émotionnelle très forte. 

 A la sortie de « Le Vent Se Lève » au Japon l’été dernier, le film a évidemment fait parler de lui, d’abord parce qu’il a été présenté comme étant le dernier de la carrière du réalisateur, mais aussi pour son traitement historique particulier. Le thème le plus fort et reconnu de Miyazaki, qui est l’enfance, y est totalement absent ; on suit un passage à l’âge adulte, qui se fait notamment par la découverte de l’amour, un amour romancé et idéalisé, procédé commun chez les Japonais. Horikoshi, personnage historique réel –rappelons-le- représente-t-il le Japonais dans son génie le plus simple ? Dans son commun le plus « japonais » ? Le monde tourne, change, s’autodétruit (magnifique représentation fantaisiste du séisme de 1923 de Kantô), mais notre protagoniste suit un rêve simple, tracé, celui de construire des avions, car c’est ce qu’il a toujours su et aimé faire. Miyazaki semble tout simplement dépeindre le héros qu’il aurait aimé être, un garçon impassible et neutre, ne se souciant pas d’un monde lointain tourmenté et illogique qui toujours se mène à sa propre perte. La folie des hommes, de la guerre… des thèmes politiques et humanistes encore une fois bien connus des services, et sur lesquels Miyazaki garde un avis très tranché. Trop ? Facile de considérer son héros comme dédouané de sa participation pourtant plus que décisive au rôle tragique du Japon dans cette période fatalement meurtrière. Pourtant, la beauté du raisonnement et des sentiments dépeints semblent malicieusement nous demander d’aller au-delà de ces considérations matérielles, des faits. Il n’y a ni gentils ni méchants dans cette histoire, et il est laissé suffisamment de place à l’avis du spectateur sur le rôle des personnages pour pouvoir affirmer que celui-ci n’a au final pas d’importance. La guerre ? L’amour, la mort… des prétextes pour raconter des histoires, faire rêver. Miyazaki réalise des films d’enfants avec des considérations adultes qui les dépassent ; avec « Le Vent Se Lève », il parle d’adultes accomplissant leurs idéaux d’enfants. 

Vincent Rouault

http://www.ghibli.jp/

Friedrich KUNATH

Friedrich KUNATH                                                                              

Commissariat : Claire Le Restif

"A Plan To Follow Summer : Around The World"

@ Le Crédac 

29 rue Raspail, IVRY

du 17 janvier au 23 mars 2014

Un tour d'horizon des rêves d'un poète visuel…

Amoureuse depuis longtemps du Crédac, le centre d'art contemporain d'Ivry, j'avais assez hâte il faut le dire de découvrir leur dernière exposition. Programmant depuis 2003 des artistes aux univers personnels décalés, comme Michel Aubry en 2013, ou Boris Achour en 2012, le Crédac accueille en ce moment même un artiste aux multiples facettes qui tour à tour émerveille, fait rire, rire, rire, et surtout nous fait replonger dans une enfance délicate que le lieu, extrêmement lumineux, accompagne avec finesse tout au long de l'exposition.

            Divisée en trois pièces principales, chacune d'entre elles étant très lumineuse et aérée, l'exposition se pense comme une balade bucolique entre vidéo, son, peinture, sculpture, photographie et dessin, un parcours de santé dans une pluralité étonnante de supports et de matériaux qui composent et font vivre aujourd'hui l'art contemporain. Comme le dit si bien la commissaire de l'exposition, F. Kunath n'est pas un dessinateur, ce n'est pas un photographe… c'est un artiste représentatif de sa génération. En modelant sous toutes ses formes des souvenirs connotés (les voiliers, les oiseaux sur des soleil couchants) parfois stéréotypés - mais jamais "faciles" - oniriques, souvent fragiles et drôles, l'artiste expose en toute sincérité des pans de vies simples et familiers, mais aussi des rêves où s'entremêlent univers d'enfant, d'adolescent, dans une atmosphère douce, claire, où la maîtrise exemplaire d'un panel de techniques accompagne intelligemment une scénographie épurée et très intuitive. La salle du fond dispose même de plusieurs canapés, où l'on peut tranquillement s'assoir afin de profiter des photographies de voyage sur le mur en face, et l'on se prend à rêver, un peu bêtement, d'horizons nouveaux…

Entre dessins oniriques où se promènent Tintin ou des coyotes de l'espace, sculptures monumentales qui retracent l'histoire de la vie (le très très beau The End Of The World Is BiggerThan Love) et vidéos fantastiques à la recherche d'un été qui ne finit pas, F. Kunath offre une multitude d'œuvres à voir absolument, qui ravira les belles âmes, et, j'espère, vous collera un grand sourire aux lèvres jusqu'à la fin de la journée…

Nanténé Traoré

(et puis pour en voir un peu plus, il est représenté par l'incroyable Andreas Rosen Gallery … http://www.andrearosengallery.com/artists/friedrich-kunath )

The End Of The World is Bigger Than Love 

 We Are Nowhere and It's Now  

 Lonesome Cosmic Doppleganger

ICONOCLASTIE

ICONOCLASTIE

(Franck Gerard - En L'Etat / juillet 1999 - aujourd'hui)

Galerie MelanieRio (NANTES)

du 31 janvier 2014 au 22 mars 2014

http://www.franckgerard.eu/

            La photographie traverse aujourd'hui une période de transition, où elle se détache des maîtres des années 70-80 pour s'élancer vers une photographie du quotidien, un mouvement d'images crues, simples, qui tendent à évoluer vers des atlas de scènes du monde. Ce n'est pas moins bien. Mais c'est délicat. Toutes les périodes de transitions sont des périodes délicates. F. Gerard fait partie, à première vue, de ces photographes de l'instant, du réel, et l'exposition présentée à la galerie MelanieRio semble refléter une sorte de rétrospective du travail de l'artiste.

            L'organisation à proprement parler reste intéressante. La pièce du bas mêle peinture, photo, et sexe, on retrouve l'influence des artistes en marge des années 90, comme Clark ou Goldin, mais aussi T. Richardson par exemple, dans un enfer de néons rouges. Le travail offert par F. Gerard a un intérêt particulier dans cette société où la pornographie occupe une place très importante. Pourtant, dès que l'on retourne dans les trois pièces du bas, il y a comme un malaise. Des photos exposées sommairement sur les murs, des tirages brûlés au niveau du visage des protagonistes, et cette étrange série d'arrêts de bus où les pubs de femmes en petite tenue sont censées rendre compte d'une société sexiste et vaniteuse…. Le manque de cohérence dans ces trois pièces me semble être un détail douloureux qui devient un handicap lors de la visite des œuvres.

            Pour revenir sur la série Arrêts de bus, qui est par ailleurs intéressante esthétiquement parlant, j'ai trouvé cela un peu simple, peut être, de parler de sexisme en photographiant des publicités de sous-vêtements. Quel est le message de ces photographies ? Y'en a t'il un ? L'artiste semble ne pas vouloir montrer son réel positionnement face aux problèmes abordés, et il laisse alors un spectateur frustré, en doute, pas vraiment sûr de ce que pense l'auteur, et pas vraiment sûr non plus de ce qu'il faudrait en penser.

            C'est dans la dernière salle, en haut de la galerie, qu'une nouvelle réserve apparaît alors. L'accumulation de clichés : le message est clair sur notre société d'images et de désordre, mais l'artiste semble avoir décidé de ne pas s'intéresser aux formats de ses photos. Je suis pour ma part assez réservée concernant ce parti pris, attendant sans doute une installation plus dirigée pour contraster avec l'étendue numérique des tirages.

            Dans l'ensemble, F.Gerard est un photographe qui capture un instant de vie et de société de manière intéressante et parfois pertinente, mais les réserves des formats, l'accumulations de travaux trop différents (et peut être trop nombreux compte tenu du statut de galerie du lieu) nous laisse un goût de non-fini (et non pas d'infini) qui s'éloigne doucement sans marquer réellement nos esprits.

Nanténé Traoré.

(Quelques photographies hors habitat naturel!) 

Masculin / Masculin. L'homme nu dans l'art de 1800 à nos jours.

Masculin / Masculin. L'homme nu dans l'art de 1800 à nos jours.

Au musée d'Orsay.

Du 24 septembre 2013 au 12 janvier 2014.

Commissariat

Guy Cogeval, président de l'Etablissement public des musées d'Orsay et de l'Orangerie
Ophélie Ferlier, conservateur sculptures au musée d'Orsay
Xavier Rey, conservateur peintures au musée d'Orsay
Ulrich Pohlmann, directeur de la collection photographique du Stadtmuseum Munich
Tobias G. Natter, directeur du Leopold Museum de Vienne
L'exposition est organisée par le musée d'Orsay en collaboration avec le Leopold Museum de Vienne

Lien sur le site du musée d'Orsay :

http://www.musee-orsay.fr/fr/evenements/expositions/au-musee-dorsay/presentation-generale/article/masculin-masculin

Le musée d'Orsay nous laisse entrevoir l'évolution de la représentation du nu masculin durant deux siècles. Que retenons-nous de cette exposition ?

D'abord commençons par les néo-classiques. Ceux-ci sont parsemés d’œuvres kitschs à souhait de Pierre et Gilles. Il semble que leur ambivalent idéal transgressé nous emmène à une forte distanciation du Beau de la section. Pierre et Gilles donnent un filtre de kitschitude aux peintures qui les entourent et cela fait quelque peu mal aux yeux. Notons cependant la discrète et pertinente présence de Mimesi de Gulio Paolini.

Constatons ensuite le déplacement du Beau dans le champ dela photographie. Les mises en scènes néo-classiques se mêlent ainsi aux surréalistes et au puissant Muybridge.

La peinture quand à elle est passée du Beau au dissemblant avec Schiele, Freud et Bacon. Le corps change ainsi radicalement de valeur durant la première moitié du 20e siècle.

Enfin, un constat sociologique saute aux yeux : la majorité des artistes présents (et les meilleurs) à partir des années quarante sont homosexuels. Comme si, chez l'artiste, le désir idéal avait laissé place à un désir empathique qui ne permettrait pas aux hétérosexuels de trouver une inspiration dans ce genre antique.

Une chose est sûre, c'est que chacun a dû y trouver son compte dans cette exposition,... sauf peut être les militants de la manif pour tous !

Antoine Perroteau et Yoojung Lee

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Mimesi, 1975-76 Giulio Paolini

Lutte de deux hommes nus, 1887, Eadweard Muybridge

 Sans titre, Egon Schiele, 1915.

Sunbather, 1967, David Hockney

Scènes ouvertes de slam à Nantes

Ils se réunissent. Presque cachés. Tous les premiers dimanches soirs au Live Bar et les seconds au Chat noir. Ils sont discrets et on les a surement déjà croisés mais on ne leur a jamais parlé.

Pourtant eux les mots ils savent les manier. Certains sont novices et hésitants alors que d'autres sont des pionniers bien assurés.

Lorsque la chance te vient et que tu connais les lieux de rendez-vous, tu t'y aventures. Au début tu te fais discret. A première vue ils ressemblent à une secte, une communauté bien fermée, tapis au fond d'un vieux bar un peu miteux.

Du coup tu fais profil bas. Tu te tais et écoutes.

Il y en a un qui monte sur scène. Il déplie son petit papier, ou non. Il ouvre la bouche. ET LÀ, la magie commence. Un flot de paroles t'englobe. Elles t'apaisent et te bercent quand il est tendre et aimant, ou te submergent et te noient s'il est rapide et acéré.

Ces poètes anonymes se livrent. Puis entre deux passages ils descendent une pression à tes côtés. Ils discutent et les langues se délient. Tu parles de la pluie du beau temps mais avec de vrais mots, ceux qui sont beaux. Si par hasard toi aussi tu écris alors tu sais bien qu'au prochain rendez-vous tu seras sur scène à leurs côtés.

Pour écouter, créer, te livrer

ou simplement te désalterer

tu sais où te rendre.
Si seul un dimanche,

une blanche

tu ne veux pas descendre.

Anouck Gosselin

Aqua Vitalis, Positions de l’Art Contemporain

Aqua Vitalis – Positions de l’Art Contemporain – Acte 2

« Aqua Vitalis, Positions de l’Art Contemporain  », Acte 2, du 15 septembre au 30 décembre 2013. Exposition intégrant le festival Normandie Impressionniste.

L’Artothèque, Espaces d’Art Contemporain,

Palais Ducal Impasse Duc Rollon

14000 Caen

Commissariat : Paul Ardenne/Claire Tangy

Artistes : Marie Aerts, Jennifer Allora et Guillermo Calzadilla, Kader Attia, Faycal Baghriche, Yto Barrada, Taysir Batniji, Lionel Bayol-Themines, Daniel Beltra, Philippe Chancel, Florence Chevallier, Alexandrine Deshayes, Marcel Dinahet, Christiane Geoffroy, Camille Goujon, HEHE, Nick Laessing, Malik Nejmi, Lucy et Jorge Orta, Zineb Sedira, Studio 21bis, Claire Tabouret, Barthelemy Toguo, Marie Velardi.

HISTOIRE D’EAU

Eau de mer, eau de pluie, eau de vie, eau de toutes les convoitises et de tous les dangers…

A peine franchie la porte d’entrée de l’Artothèque, nous voilà embarqués pour un voyage au long cours. Notre viatique ? Une grande barque voguant au milieu de la salle, sur un océan de bouteilles de verre. Barthelemy Toguo, avec son imposante installation « Road to Exile », nous transporte comme les ballots bringuebalants et bariolés qui entourent la barque.

Ne nous y fions pas : il ne s’agit pas d’un voyage d’agrément !

Les paradis artificiels nous guettent comme cette île-témoin aménagée et photographiée par Philippe Chancel : « Dubaï World, île témoin » ou encore l’œuvre de HEHE, Helen Evans et Haiko Hansen, « Nuage Vert », née d’un évènement qui a secoué Saint Ouen, un étrange rayon vert apparu dans la zone de l’incinérateur à déchets.

Si nous réchappons de Charybde, c’est pour mieux tomber sur Scylla et sur un gyrophare bleu en haut d’un socle à quatre étages. « Lighthouse », œuvre du collectif parisien Studio 21 bis. Le phare ne va pas rassurer les pauvres voyageurs que nous sommes. Il tourne vite. Et derrière lui, des photographies d’une plage, Sangatte : police, arrestation, exil.

Nous ne sommes plus très loin de sombrer… le reste de l’exposition à l’étage nous offrirait-il une issue de sauvetage ? Pas sûr !

Un globe terrestre illuminé tourne à une vitesse absolument phénoménale. Cycle de la vie. Vie qui défile. Invitation au voyage : Tu peux aller n’importe où, profites-en, hâte-toi ! Une œuvre de Faycal Baghriche, « Souvenir ». Notre vision se trouble, les contours des terres s’effacent et le bleu de l’eau envahit tout : trop tard !

En vain, notre regard cherche à se rassurer.

Une superbe photographie de Daniel Beltra capte notre regard. Sublime paysage. Forte dominance du turquoise. Des veines rouges et noires parsèment cet océan chimérique. Une île de rêve ? « Spill 4 » révèle en fait une gigantesque masse de pétrole, qui semble embraser la surface de l’eau. Alliage toxique létal.

Le naufrage n’est plus très loin. Se fait alors entendre un requiem, une marche funèbre pour hommes sans têtes. Avec « Débarquement 3 », Marie Aerts nous renvoie au printemps 1944 sur les plages de Normandie. Les images défilent, fébriles et effrayantes. Sommes-nous vivants ou morts ?

Cécile Bredeaux

Pour en savoir davantage sur cette exposition dont il ne faut pas en perdre une goutte, rendez-vous sur www.artotheque-caen.net

Barthelemy Toguo, «Road to exile », 2013, copyright Cécile Bredeaux

Faycal Baghriche, « Souvenir », 2012, copyright Cécile Bredeaux

Marie Aerts, « Débarquement 3 », 2011, copyright Cécile Bredeaux