dimanche 13 novembre 2016

Galerie Mélanie Rio - Temps Moderne

« Temps Modernes » à la Galerie Mélanie Rio dans le cadre de la Quinzaine Photographique Nantaise. Du 16 septembre au 15 octobre 2016.

Les Photographies d’Ambroise Tézenas.

Dans le cadre de la QPN et sur la thématique du bonheur, Mélanie Rio a proposé dans sa galerie à Nantes un corpus de photographies traduisant le regard de quatre artistes sur les périodes de prospérité économique aux Etats-Unis, en Europe et en Chine. C’est dans cette galerie que sont donc réunies quelques-unes des photographies d’Ambroise Tézenas de la série Beijing, Theatre of the people.
Photojournaliste français, Ambroise Tézenas voyage en Amérique du Sud et en Asie notamment à Pékin dans les années 2000 où il photographie les « hutong » Ces espaces où la vie moderne n’a pas encore tout envahi. On peut voir dans ces clichés, les traces d’une précarité latente qui se prépare à être recouverte par les imposants gratte-ciels qui surgissent en arrière-plan. Ils sont visibles comme une menace pour un écosystème de traditions et de simplicité qui se joue dans les rues sombres et désertes de ces morceaux de villes insolites.
Le photographe choisit de nous donner à voir des architectures précaires dans une atmosphère de mystère et de secret accentuée par les lumières ponctuelles aux accents austères. Les couleurs sombres se répondent dans une opposition fluide oscillant entre les rouges dans le ciel et les verts au le sol. Elles soulignent ainsi le contraste entre les espaces modernisés de la Chine des JO de 2008 et ceux qu’ils n’ont pas encore engloutis. Les gravats laissés au hasard dans les rues, les déchets, les lumières tamisées des fenêtres et les vieilles enseignes de néon participent de la poésie et de la mélancolie de ces lieux qu’Ambroise Tézenas a su capter et donner à voir sans artifice.

Elise Bergonzi


Hutong à Jianguomen périférie de Beijing, Chine 11/2003.

mercredi 9 novembre 2016

Le Lieu Unique - Pedro Reyes - Disarm (mechanized)

Disarm (Mechanized)
Pedro REYES
du 21 octobre au 27 novembre 2016
au LU (Lieu Unique), 2 quai Ferdinand Favre à Nantes

Dans la grande pièce blanche d'exposition à l'étage, le Lieu Unique présente en ce moment même Disarm (Mechanized), une oeuvre sonore de l'artiste mexicain Pedro Reyes.

Cette grande installation mécanique présente d'étranges instruments de musiques, reliés entre eux et amplifiés qui jouent par intermittence des petites phrases afin de former une mélodie d'ensemble. Le spectateur est invité à circuler autour de cet orchestre automatique et à se rapprocher afin de comprendre ce qui produit ces sons. La surprise est grande et ferait presque reculer ce dernier lorsqu'il comprend que ce sont des armes à feu qu'il a sous les yeux. En effet, Pedro Reyes a réutilisé, modifié, re-sculpté des revolvers, fusils et mitraillettes afin de composer un ensemble d'instruments de musique. Le spectateur inspecte alors sous un autre angle ces appareils de ferraille et l'impressionnante quantité d'armes dressées droit sur lui dans son environnement. La musique qui semblait alors à l'entrée inoffensive avec ces « presque » batterie, xylophone, marimba, violoncelle, basse, carillon...prend alors un tout autre sens.
Le morceau, composé par et pour ces instruments et présenté au LU, est régulièrement entrecoupé de silences, tout en restant temps rythmé et plein d'énergie. Il mélange des sons quasiment électroniques, rappelant ceux d'un synthétiseur, avec des sons de musiques tribales : telle l'alliance de la technologie avec des impulsions traditionnelles et naturelles. Les espaces de vides au sein de la composition musicale permettent le déplacement des spectateurs et à la quête de la provenance des sons.




Associer l'univers de la mort à la musique déroute, mais le fait de transformer ces armes qui ont servi à tuer, leur offre une sorte de rédemption, et une seconde vie, bien meilleure en tant qu'instruments de musique. Le son, caractéristique et traumatisant que déclenche une arme en fonctionnement n'aura plus jamais lieu avec celles-ci.

Cette installation est la continuité de deux œuvres précédentes de Pedro Reyes. Celui-ci avait commencé en 2008 avec Palas por pistolas à Culiacàn, une des villes les plus dangereuses du Mexique par la violence qui y règne. L'artiste y avait collecté 1527 armes à feu grâce à la simple donation des citadins de Culiacàn qui recevaient en échange un coupon d'achat dans les magasins locaux. Avec cet arsenal qu'il a fait fondre, 1527 pelles ont été forgées en partenariat avec le jardin botanique de la ville afin de servir à faire planter 1527 arbres à des institutions, des associations, des écoles, etc... Ce désarmement avait pour but de ré-utiliser ce qui avait servi à provoquer la mort, en un outil pour donner la vie.
Ensuite, en 2012, le gouvernement mexicain propose à Pedro Reyes de récupérer le métal de 6700 armes prêtes à être détruites. Ce dernier accepte, et décide de transformer ces fusils et pistolets en instruments de musique. C'est la naissance d'Imagine, où il a été question de recréer des instruments « traditionnels » d'orchestre qui sont joués aujourd'hui lors de concerts-performances. Des musiciens ont ainsi pu reprendre avec ces instruments le tube mythique et pacifiste Imagine de John Lennon (https://www.youtube.com/watch?v=rgMW2VuGItM).

Dans l'exposition, deux vidéos près de l'entrée complètent l'installation sonore. L'une présente la destruction par l'état mexicain des armes confisquées. Celles-ci sont broyées, désossées... afin de ne plus être qu'alors un simple tas de ferraille. Mais symboliquement cette action est lourde de résonances lorsque l'on sait que chaque revolver a été utilisé pour sa fonction première.
La seconde vidéo est une démonstration d'un morceau qui a été programmé sur ces mêmes instruments de l'installation. Elle nous offre une autre mélodie que celle présentée dans la salle, plus énergique, à la manière d'une répétition d'un groupe d'amis en studio. Ce mini clip dévoile ainsi d'autres facettes de ces instruments et de cette performance mécanisée. Cependant, si Pedro Reyes ne présente cette vidéo qu'en « plus » de l'installation c'est dans la volonté de montrer réellement les instruments, et de les faire jouer devant un public qui doit vivre et appréhender cette combinaison au premier abord inadéquate avec les armes à feu pour comprendre son propos.





La musique est la première des communications universelles depuis tout temps, et dans notre monde d'aujourd'hui, il est malheureusement admis que la guerre et la violence en soit une également. Pedro Reyes combat l'industrie de la mort, ainsi que la banalisation des armes dans les jeux vidéo ou les films qui sont les premiers acteurs invisibles du trafic d'armes, et de la violence dans le monde où le nombre d'homicide est affolant. Il nourrit l'utopie d'un monde sans arme et souhaite enclencher une prise de conscience sociale et psychologique grâce à ses travaux afin d'améliorer notre société.

Pour finir, cette installation mélange sculpture et musique, et du même coup les nouvelles technologies. Ni bonnes, ni mauvaises, il faut savoir les utiliser à bon escient comme nous le montre l'artiste. Cette exposition, présente plastiquement une musique mécanisée, industrialisée et peut renvoyer à ce genre de musique actuelle en plein essor. Certes, ce n'est sans doute absolument pas le propos de l'artiste, mais j'y retournerais bien une seconde fois afin de me pencher vers d'autres pistes comme celle-ci et ré-explorer cette œuvre sous un autre angle.

Pour en voir plus et noter qu'il ne vous reste que quelques jours pour profiter de cette exposition : http://www.lelieuunique.com/site/2016/10/21/disarm/



Mathilde Blieck

Le Lieu Unique - Pedro Reyes - Disarm (mechanized)

Disarm (Mechanized)

Du 21 octobre au 27 novembre 2016, le lieu unique présente une installation sonore de
l’artiste mexicain Pedro Reyes.
L’exposition prend place dans une unique salle où se mélangent d’étranges objets en métal évoquant des instruments de musique.
C’est alors que les premiers sons émergent de l’installation que l’on comprend de quoi il s’agit : on peut voir une harpe, un piano, un tambour ou un xylophone.
Visuellement intéressants, on prend plaisir à se balader autour de ces automates musicaux.
Mais c’est une fois qu’on lit la note d’intention de l’artiste que toute l’installation prend son sens.
Pedro Reyes participe depuis une dizaine d’années à des programmes de désarmement en travaillant à la transformation de ces armes à feu en projet artistique.
Ainsi, pour Disarm il a utilisé revolvers, fusils et mitraillettes et a complètement réussi à faire disparaître leur image morbide, liée directement à la mort.
J’ai été très impressionnée par la capacité de l’artiste à donner un nouveau sens à ces objets meurtriers, les transformant en réels instruments de musique et non pas de destruction.
Dès la première note de musique, l’image de l’arme à feu disparaît totalement de
l’esprit et laisse place à un joli dialogue entre corps musicaux.
C’est donc le matériau utilisé et la technique qui m’ont le plus touchée dans cette exposition. Même si le rendu final est ludique et amusant, le processus de création et la matière première sont aussi intéressants qu’originaux.
Et en plus, participer à la baisse du nombre d’armes à feu dans le monde par son travail artistique est un beau geste, non ?
Je recommande donc vivement cette expo, c’est court, c’est gratuit et c’est au lieu unique
A Nantes.

Pour plus d’informations : http://www.lelieuunique.com/site/2016/10/21/disarm/

Léonie Goron

Galerie Confluence - Jessica Todd Harper – The Home Stage

Jessica Todd Harper – The Home Stage
Galerie Confluence. Quinzaine Photographique de Nantes



Lors de cette exposition, j'ai pu découvrir le travail de l'artiste Jessica Todd Harper, constitué d'un ensemble de photographies.
Un unique sujet semble unir ces photographies : celui du cercle familial et de thèmes secondaires comme la maternité, les générations, l'amour familial, le patrimoine.
Dans ces œuvres, on rencontre son environnement personnel, intime.
Avec ces photographies, elle a voulu représenter son évolution, le changement qu'est la maternité dans la vie d'une femme, ce qui d'après ce qu'elle a écrit, l'a profondément changée. L'artiste ne place absolument pas le spectateur à distance. Elle nous invite.
Les enfants sont à l'aise du fait d'être photographiés par leur mère (ou une personne du cercle familial). Les regards des enfants sont puissants, intenses, tandis que l'on ne croise jamais le regard des adultes. Les personnes posent à plusieurs (deux au moins). On remarque l’intention de l’artiste d’évoquer le partage familial. On ressent fortement son sentiment d'amour envers sa famille qu’elle arrive à transmettre à travers la photographie. Cette famille a beau nous être tout à fait étrangère, on ressent une sorte de compréhension de son amour.
Le lien entre les générations est fortement représenté : avec les plans (Ex : enfants au premier plan, puis parents, grands-parents et photos ou peintures d’ancêtres encadrés aux murs).
Les plans sont d'ailleurs traités de façon très intéressante, et sont très importants dans ses compositions. Ainsi que les objets : l’opposition entre les vieilles photos, les broderies et les jouets d'enfants. L'artiste veut sûrement représenter la transmission, et le fort lien familial et générationnel.
En fonction de la scène qui se déroule devant ses yeux, elle la met en scène ou laisse faire le hasard. Elle joue avec la lumière, le flash, la disposition des personnes.
Dans ses photographies, on voit clairement l'influence très intéressante de la peinture flamande, avec les scènes d'intérieur et le traitement de la lumière, donnant une intensité encore supérieure. Le traitement de la photographie est très beau, grâce à la densité et la colorisation, ainsi que le traitement de la lumière. Cette lumière amène un aspect presque divin, sacré, protégé.

La seule chose qui pourrait m'avoir légèrement déçue, c'est l'abstraction (l’absence de ?) du désordre.
Dans une famille avec des enfants, il y a toujours des aspects plus « chaotiques ». Ici, on semble nous les cacher en nous présentant seulement une famille modèle et calme, vivant dans un cadre idyllique et parfaitement ordonné.
L'artiste fait ici totalement abstraction des mauvais aspects. Vision peut-être trop embellie.
On ressent peut-être un trop plein (?) de maturité, une accalmie, un trop plein (?) de sagesse (issu de la maternité?), qui virent à un aspect peut-être trop bourgeois.

Pour conclure, j'ai trouvé cette exposition magnifique, avec des images intenses et touchantes, de beaux traités photographiques.
L’artiste a réussi à donner un aspect presque divin à ces scènes de vie quotidienne. Mais peut-être aurions-nous aimé voir les dessous de ces mises en scène qui semblent trop sages et parfaites.



Line Bourdoiseau

Le temple du goût - Romain Leblanc - Ma vie est plus belle que la votre

Le temple du goût
Romain Leblanc
Ma vie est plus belle que la votre



Lors de l'exposition au Temple du goût à l'occasion de la quinzaine photographique, j'ai pu découvrir le travail de Romain Leblanc : « Ma vie est plus belle que la vôtre ».
Ici Romain Leblanc a travaillé sur la photographie amateur et le selfie, et plus particulièrement sur le sujet du narcissisme dans le selfie.
Pour cela Romain Leblanc s'est mis en scène dans une série de publications sur le célèbre réseau social « Facebook ». On le voit par exemple avec une liasse de billets, dans un bain moussant, nu dans sa salle de bain, ayant fait un gâteau,...
Lui bien sûr, caricature ses selfies, ne travaillant pas ses poses, ne les embellissant pas avec des filtres et se moquant bien de son apparence, contrairement à un selfie normal.
Dans ces mises en scène il a voulu critiquer le fait que notre bien-être soit devenu dépendant du désir de plaire, de séduire, d'être aimé et de convenir aux autres.
Il critique le fait que dans la culture actuelle ce soit un passage obligé, pour crier à tout le monde :
« Je suis normal, j'ai des amis, je fais des voyages et ma vie sexuelle existe ».
Il dénonce que le seul moyen de se représenter actuellement soit de montrer à tout le monde qu'on convient à la société, ou pire encore, que l'on est au-dessus des autres : qu'on sort plus, qu'on a des jambes plus fines, qu'on va plus au restaurant, qu'on voyage plus, qu'on bronze plus, qu'on a des dents plus blanches...
Il dénonce le selfie comme ce qu'il est : un stigmate du narcissisme contemporain et toute cette machine, comme un abandon du contact humain, pour un rapport virtuel, irréel et un individualisme grandissant, à vouloir montrer que l'on est mieux.
Mais il critique aussi cette utilisation du selfie, presque obligatoire, comme un enfermement dans la société.


Il est parfois difficile de dénoncer ce dont nous faisons aussi partie, mais la leçon de Romain Leblanc est intéressante.
Et je trouve ce travail d'autant plus pertinent qu'il rentre dans le cadre du sujet « Heureux qui... », est-ce vraiment ici un idéal du bonheur pour les nouvelles générations qui tendent de plus en plus à s'illustrer comme cela ?


Line Bourdoiseau

Blockhaus 10 - MYKOLA RIDNYI - Perspective pour hier


Blockhaus 10
MYKOLA RIDNYI Perspective pour hier
Exposition du 17 septembre au 16 octobre 2015


J'ai trouvé l'exposition de l'artiste ukrainien Mykola Ridnyi captivante. Lors de cette exposition, nous avons en effet pu observer différentes pièces, mais ayant toutes un lien avec une certaine violence, un rapport à la guerre ainsi qu'à la société actuelle.

Tout d'abord « Blind Spot » ou cet ingénieux moyen de représenter le mécanisme d'auto-aveuglement humain en le comparant à une maladie ophtalmologique dans diverses photographies.
En effet, ici Mykola Ridnyi fait un rapprochement entre un phénomène pathologique qui rend incapable de voir pleinement ce qui se passe autour de nous et nous mène à construire une image manquante de la réalité, petit à petit absorbant toute réalité jusqu'à une obscurité totale - à l'attitude que nous adoptons au sein des sociétés modernes et qui devient un processus d'autodéfense nous aveuglant et nous persuadant d'une réalité inexacte.
Pour représenter les effets de notre auto-pathologisme il reprend des clichés provenants de rapports concernant la guerre à l'est de l'Ukraine et les obscurcit presque totalement à l'aide d'encre, moyen plastique très intéressant.

Ensuite « Shelter », vidéo tournée dans l'un des abris souterrains réquisitionnés dans le cadre d'un programme scolaire appelé « entraînement de pré-service », représente la réutilisation des abris construits lors du conflit américano-russe, et de la paranoïa collective en résultant, par des enseignants et élèves qui ne semblent pas se préoccuper de la situation politique de leur pays, mais seulement de l'importance de l'engagement militaire au sein de la patrie, illustration encore une fois d'un aveuglement benêt, ridicule, risible. On peut y voir des élèves s'entraîner à charger le plus rapidement possible une arme, des cours de tirs, des affiches d'étude de la contenance d'une balle et entendre des paroles patriotiques.

Puis « Under Suspicion », série de photographies défilant à l'aide de diapositives, représentant la suspicion et la sur-surveillance du gouvernement envers chaque citoyen, chacun devenant un potentiel suspect, en fonction des détails qui l'entourent. Pour représenter cela, il fait défiler des clichés de scènes de la vie quotidienne prises dans l'espace public, puis avec des inscriptions au stylo, il y entoure les objets et individus potentiellement suspects.

En face de cette installation était diffusée une vidéo : « Regular places ». Cette vidéo représente les fantômes de la violence qui a pu éclater dans des lieux qui semblent aujourd'hui banals, des lieux où il est aujourd'hui impossible de deviner les émeutes, les affrontements à coup de batte de baseball, les sanctions publiques, les humiliations et les exécutions qui ont pu s'y dérouler. Mykola Ridnyi y fait revivre ces fantômes, en transposant sur ces images d'une vie quotidienne banale, paisible, les sons d'affrontements, de cris, de douleurs. On peut y entendre des phrases très éloquentes comme : « Mort aux ennemis », « Putain de pédés », « Ils tabassent des gars ! Ils tabassent des gars les mecs ! », « Ils ont été attaqués, un vieillard est tombé ! », « Tue-le ce chien de russe ! », « Regarde ! Ils lui ont fracassé la tête ! », « Mon dieu quelle horreur ! », ainsi que des cris d'horreur et de peur. A côté des images paisibles, les cris et les voix de ces fantômes nous choquent.
On en vient à réaliser l’étendue de cette horreur, mais aussi à l'imaginer dans notre rue, notre place, notre environnement.


Et pour finir, la vidéo « Forteress », que j’interprète un peu comme l’apogée, le point final de l'exposition. Car tout ce que l'on nous a présenté auparavant faisait appel à notre interprétation, on nous voilait les choses pour mieux les regarder. Ici on nous lâche les images. On peut voir des hommes armés, des barricades, des groupes de défense, de grands feux, des émeutes, les énormes dégâts des lendemains, des châtiments, des humiliations, des combats,...
Toutes ces images sont commentées par des extraits, des citations de textes sur l'histoire médiévale.
Ils comparent le développement du néolibéralisme contemporain dans les pays de l'est avec celui du système des anciennes monarchies en Europe :

Les hommes qui se battent à l’extérieur du château, les bruits des affrontements, des béliers, de l'huile bouillante et les barons à l'intérieur, gros, opulents, riches, protégés par une horde de soldats et écoutant de la musique (Opposition au bruit de la guerre à l’extérieur).
Ils illustrent aussi la reprise de rites des guerres passés : tenues, noms, cris,..
Mais surtout le mouvement contre les « privilèges seigneuriaux », les privilèges des systèmes du moment en faveur des dirigeants.

Pour conclure j'ai trouvé cette exposition très enrichissante, de par ses dénonciations, mais aussi de par les moyens plastiques utilisés pour y arriver.
Mykola Ridnyi a tout à fait atteint son but de dénonciation de la propagande, la manipulation, la répression, l’oppression, les processus de gouvernance, et surtout la manière avec laquelle l'humain peut occulter une réalité. Il mélange les œuvres qui représentent symboliquement ce qu'il veut exprimer comme « Blind Spot » avec les œuvres, qui grâce a l'utilisation du style documentaire et des images de surveillance imposent une brutale réalité.
Il dénonce et demande un questionnement de nous-mêmes, de notre société.
Cet artiste m'a plu, m'a touchée et m'a aussi montré une vérité choquante.

Line Bourdoiseau

mercredi 2 novembre 2016

Mykola Ridnyi, Perspective pour hier - Blockhaus DY10, Nantes.

Mykola Ridnyi, artiste ukrainien nous présente dans son exposition « Perspective pour hier » ses interprétations plastiques des tensions sociales et politiques présentes il y a peu en Ukraine.

A travers photos, vidéos et diapositives il oppose le climat actuel ukrainien face à celui d'il y quelques mois. En effet la population a participé à de nombreuses manifestations et émeutes, excédée par un pouvoir corrompu et voyant leurs perspectives d'avenir s'effacer.

L'artiste va alors dénoncer ce contexte socio-politique tout en faisant le paradoxe de notre vision qui est occultée par une fausse réalité.
Tout d'abord dans son premier travail « Blind spot » il va imager une zone vide présente dans notre vision entre l’œil gauche et l’œil droit, appelée tâche aveugle. Donc d'après lui nous sommes en incapacité de voir tout ce qui se passe autour de nous, et nous construisons une fausse idée de la réalité. Pour répondre à ce propos il a réalisé une série photographique qui transpose métaphoriquement ces troubles oculaires. Il place à différents endroits de ses photos une tache noire réalisée avec un spray acrylique ce qui permet de donner, d'après moi, une seconde dimension à l'image qui représenterait l'oubli, l'obscuration de notre mémoire. Ainsi, il crée une nouvelle forme de clair-obscur photographique qui ne laisse voir ou deviner que ce que notre cerveau décidera. Cette série est le travail qui m'a le plus interpellé dans l'exposition, autant du point de vue du fond que de la forme.

Mykola Ridnyi a évidemment réalisé d'autres travaux dans cette exposition comme trois vidéos ; on y voit la population révoltée contre le système politique, un abri réhabilité en système d'auto-défense appelé « entraînement de pré-service » ou encore les habitants essayant de reprendre le cours de leurs vies, tout en essayant d'effacer de leur mémoire les événements passés.

En bref, l'artiste soulève de nombreuses questions sur notre vision de la réalité : Sommes-nous réellement objectifs face à ce que nous voyons ? Notre vision nous influence-t-elle sur notre façon d'agir ?

Léo BUREAU.