Armen Eloyan

Exposition de l’artiste Armen Eloyan, FRAC des Pays de la Loire – 24 bis Boulevard Ampère, La Fleuriaye, 44470 Carquefou.

Exposition du 23 juin - 7 octobre 2018

La coexistence d'éléments imaginaires et réels ne peut être réalisée qu'à travers les mots. C'est dans la voix immatérielle que des éléments fantastiques coexistent avec d’autres déjà existants. Les êtres anthropomorphes sont le témoignage de ce phénomène. Il s’agit des monstres ou chimères dotés des formes ou des qualités humaines. Ces créatures ont transcendé malgré le temps et sont devenues, petit à petit, des personnages tels que Mickey Mouse et Donald Duck, symboles de la culture populaire et mondialisée de nos jours.

Ces figures sont, dans le travail de l’artiste arménien Armen Eloyan, les figures principales de plusieurs pièces réalisées au cours de ces dix dernières années. L’exposition explore l’esthétique du Street art avec une ambiance sombre et perverse. Les dessins animés deviennent une dystopie, un désenchantement avec l’enfance. « Les icônes de dessins animés resurgissent sous les traits de personnages grotesques aux mœurs douteuses et insoupçonnées » (2018, Vicente, A.)

En juin, le Fonds Régional d’Art Contemporain des Pays de la Loire (FRAC) a reçu une vingtaine d’œuvres de l’artiste Eloyan comprenant des pièces acquises par les galeries Tim Van Laere (Anvers) et Timothy Taylor (Londres) et une collection privée. L’accrochage proposé permet le dialogue onaniste entre les différents tableaux grâce auxquels le public se retrouve devant la tension dramatique des images qui présentent la violence, le sexe et la tragédie de notre époque.

La peinture Mickey Mouse, Youth, 2009 (huile sur toile 235x270cm) évoque le côté obscur et chaotique. Nous sommes en face d’une toile qui montre un rat difforme habillé en orange sur un fond noir. C’est la défiguration qui attire notre attention : des figures familières ont été usurpées et transposées avec un emprunt à l’humour noir.

Berenice Vargas-Bravo

Vicente, A. (2018). Texte sur l’exposition Armen Eloyan écrit par Anne –Lou Vicente, critique d’art et commissaire d’exposition indépendante.

http://fracdespaysdelaloire.com/fr/programme/2018/au-frac/armen-eloyan

Armen Eloyan, Portrait 1, 2016 -  Courtesy Timothy Taylor Gallery. Copyright. Armen Eloyan.

"Sans", Martine Pisani

Les 11 et 12 octobre, le lieu unique a présenté une pièce de Martine Pisani : « Sans ». Audacieux pari de présenter un spectacle de danse sans musique, sans jeu de lumière, sans éléments de décors, comme son nom l’indique. Avant d’avoir vu le spectacle, on pense facilement à Yvonne Rainer, à une danse minimaliste, dépourvue de tout élément superflu, qui cherche à sortir du standard d’une danse qui se veut gracieuse, élégante.

L’absence de variation de lumière permet tout d’abord de diminuer le mur entre la scène et le spectateur. Le public est quasiment éclairé de la même manière que les danseurs, avec un éclairage simple, comme dans n’importe quel autre intérieur. On se sent facilement plus proche du danseur, notamment par le fait qu’il puisse nous voir, ainsi peut s’installer un dialogue entre la scène et le public. Ce dialogue avec le spectateur passe par des éléments très simples, néanmoins forts : un regard, une expression, des onomatopées, quelques phrases. Les danseurs passent un moment immobiles face au public, seuls leurs visages passent par beaucoup d’émotions, principalement leurs yeux.

Le dialogue se fait également avec l’emprunt de gestes du quotidien et par des gestes connotés, faisant référence à certains sports ou à la culture hip-hop. Cette pièce pose la question de la place du mime dans la danse, la place de la partie jouée. On se demande où est la danse ? Où est le jeu ? Un grand jeu sur les expressions du visage est mis en place, les danseurs prennent presque un rôle de comédien. Cela se traduit par un rire récurrent du public face à ces parties mimées. Le spectacle est présenté en plusieurs parties, pas forcément bien reliées entre elles, sans transition. Néanmoins Martine Pisani joue avec toutes ces frontières, se heurte à des limites, tout cela avec une grande délicatesse.

Theo Kooijman, Laurent Pichaud, Olivier Schram nous montrent une belle cohérence dans leur danse, dans un tableau où ils apparaissent aussi bien ensemble qu’en opposition. La nudité de la scène laisse place à une multitude de placements, déplacements, de configurations. Ils occupent la scène de manière méthodique, en se regroupant, en se séparant, en agissant ensemble, puis tour à tour. Ils deviennent eux-mêmes éléments du décor, les uns pour les autres, les uns par rapport aux autres.

Suzanne Guillemois

http://www.ciemartinepisani.fr/

                                                                               © Laurent Paillier

QUINZAINE PHOTOGRAPHIQUE NANTAISE LE TEMPLE DU GOÛT

« Pour vivre heureux, vivons cachés. » 

À l'occasion de la 22^ème édition de la Quinzaine Photographique Nantaise (QPN), qui se tenait du 14 septembre au 14 octobre 2018, le Temple du Goût exposait une série de photographies d'Amélie Landry intitulée Les chemins égarés, deux séries de la collection de photographies amateurs de Sébastien Lifshitz : Couples travestis et Les Invisibles, et un film documentaire du même titre. Le sujet du festival de photographies était Invisible - Opus 2 : Disparition. L'ensemble exposé au Temple du Goût évoque ce sujet sous l'angle de l'homosexualité et la volonté de se dissimuler du regard des autres, hier comme aujourd'hui, mais en vivant pour autant ouvertement leur sexualité. Les chemins égarés propose une série de photographies parlant du cruising, une pratique sexuelle qui consiste à trouver un partenaire par hasard dans des lieux reculés et adaptés par ses usagers, afin d'avoir un rapport sexuel sur place. Cette pratique implique les notions d’anonymat, d'interdit, de lieux faits à la fois pour se retrouver et se dissimuler. Amélie Landry capture avec une grande sensibilité ces lieux et ces personnes afin de les dévoiler partiellement. Un attachement à la lumière, à l’obscurité et à la couleur est présent et permet de mettre en image une pratique cachée. La volonté de faire voir ce qui ne souhaite pas se montrer est en soi une pratique qui pourrait s'apparenter à un certain voyeurisme, pourtant le regard photographique d'Amélie Landry est un regard poétique et sans jugement de valeur, et permet de mettre avant tout une autre vision de cette sexualité souvent jugée. Plusieurs témoignages sont également présentés et donnent ainsi directement la parole à ces personnes et à leurs histoires. Les collections de Sébastien Lifshitz sont des photographies amateurs d'homosexuels et de travestis tout au long du XX^ème siècle. Ces documents retrouvés sont la preuve de l'existence de ces personnes et de ces identités au cours du siècle dernier. Elles permettent de prouver ces existences passées, loin de l'idée que l'homosexualité ne se vivait pas à cette époque mais plutôt de montrer un quotidien heureux. Exposer ces photographies aujourd'hui permet de modifier la narration prédéterminée des histoires des homosexuels, et donc de changer la narration des histoires actuelles. Ces personnes prouvaient d'une certaine façon leurs identités à travers ces photographies cachées et risquées. Le film documentaire était un ensemble de témoignages de personnes âgées qui avaient décidé de vivre leur sexualité sans se soucier des à priori de l'époque. L'ensemble de l'exposition fonctionnait sur ce principe d'identités non acceptées socialement mais vécues malgré tout. La photographie est alors un médium de mise en lumière de ce qui se cache dans l'ombre pour exister.

         MOREAU Antoine

Exposition : THE BLIND [Éteins la lumière]

Du 1er au 12 octobre 2018 à Trempolino, Nantes

The Blind est un artiste diplômé des Beaux-Arts de Nantes, il fait également partie du collectif 100 pression. Son travail naît, vit et se déploie dans la rue depuis les années 2000. Récemment il se met à investir aussi les lieux d’exposition.

Dans cette expo il mélange avec sarcasme et provocation graffitis et textes en braille.

Le lieu diffère du White Cube traditionnel puisse que nous nous trouvons dans un bar. Selon moi, ce lieu participe à désacraliser l'espace d'exposition. Le rapport œuvre/spectateur conventionnel est lui aussi désacralisé avec une pancarte « Merci de bien vouloir toucher » qui rappelle d’ailleurs une œuvre de Marcel Duchamp au titre éponyme.

L’artiste procède d'abord par l’écriture des lettres en braille au pochoir puis il colle des demi-sphères en plâtre. Le lieu où il réalise ces graffitis pour aveugle participe grandement au sens de son message (par exemple, sur le Palais de justice de Nantes où il écrit, « Pas vu pas pris »).

Le choix du langage propre au street art lui permet une plus grande visibilité. On pourrait dire que c'est un art « gratuit » : l'œuvre appartient à la fois à personne et à tout le monde.

Durant l'exposition, nous sommes invités à traduire le braille. Ainsi, le regardeur mène une action, donc participe directement.

Le fait de décoder, transcrire les œuvres, rend l'expo plus ludique. À la fin on connaît presque par cœur quelques lettres du langage braille (si l'on joue le jeu) à force de répétition.

Déchiffrer, mener notre enquête nous oblige à rester plus longtemps devant l'œuvre donc à s’imprégner, à changer notre regard.

Le thème de la cécité est, je trouve, original car utiliser l'art pour en parler est plutôt paradoxal. En effet c'est quelque chose qu'on ne peut justement pas voir : The Blind cherche à rendre accessible, « visible » l'Art à tout le monde (et donc aussi aux personnes atteintes de cécité). D'autres artistes ont travaillé sur ce sujet, je pense entre autres à Sophie Calle ou encore à Patrick Tosani.

                                                                                                                                            Paola Bonami

The Blind, Adeline Moreau photo argentique en noir et blanc, calque et demi-sphères en plâtre.

La disparition de The Ballad of Sexual Dependency de Nan Goldin

MUSÉE D'ARTS DE NANTES

La disparition de The Ballad of Sexual Dependency de Nan Goldin

            Lors de la réouverture du Musée d'Arts de Nantes en juin 2017, une œuvre majeure de la photographe américaine Nan Goldin (née en 1953) était présentée dans le Cube au deuxième étage. The Ballad of Sexual Dependency est une installation mixte, comprenant la projection de 687 diapositives réparties en 9 carrousels et une bande-son sur CD. L’œuvre a été achetée en 2000 à la Galerie Yvon Lambert avec la participation du FRAM (Fonds Régional d'Acquisition des musées). Les photographies ont été réalisées par Nan Goldin entre 1981 et 1993 et traitent de sujets complexes et tabous : la marginalité, l'orientation sexuelle et l'identité du genre, la drogue, le sexe et la mort. L’artiste s'intéresse aux rapports des corps et à la condition humaine, comme en témoignent ses photographies couleurs qui brossent le portrait vivant de ses proches et de sa propre personne. La recherche de la vérité, d'un certain réalisme non-idéalisé prime dans son travail photographique, comme dans l'autoportrait qu'elle réalise pour témoigner de la violence conjugale dont elle est victime. De cette œuvre engagée et humaniste émane une forte volonté de faire trace, garder mémoire et de capturer la vie dans son essence la plus pure et radicale. Cependant, comme Nan Goldin le dit-elle même : « I used to think that I could never lose anyone if I photographed them enough. In fact, my pictures show me how much I’ve lost. ». Ce témoignage photographique n'est-il donc pas un ensemble de disparus qui finalement incarnent le mieux le concept de l’existence ? Et comme si on les faisait disparaître de nouveau, the ballad of sexual dependency n'est plus exposée au musée d'Arts de Nantes. Par le choix de présenter cet ensemble photographique d'une poésie brute, les visiteurs pouvaient redonner vie à ces disparus, à travers leur attention et leurs regards, comprendre un peu ceux que l'on considère différents. L'absence de cette œuvre dans l'exposition permanente du musée est, selon moi, un manquant regrettable qui pour autant questionne l’œuvre : faut-il montrer l'existence de ces gens là, une présence qui aujourd'hui encore dérange dans nos sociétés. L'interrogation qui introduit le film Laurence Anyways du réalisateur québécois Xavier Dolan permet d'ouvrir les yeux sur cette disparition de l’œuvre : « Je voudrais que l’on se penche un peu non pas sur les droits et l’utilité des marginaux mais, sur les droits et l’utilité de ceux qui se targuent d’être normaux ».

                                                                                                                                  

                                                                                                                                 MOREAU Antoine

Nan Goldin, The Ballad of Sexual Dependency, 1979-1995

Version n°3. Achat à la Galerie Yvon Lambert avec la participation du FRAM en 2000

Exposition Sculpter (faire à l'atelier) à Rennes

 Sculpter (faire à l'atelier) au Frac Bretagne, à la Criée, au Musée des Beaux-arts de Rennes. 

14 mars-27 mai 2018

L’exposition Sculpter (faire à l’atelier) se déploie dans trois musées : Fonds régional d’art contemporain Bretagne (Frac) à Beaulieu, le Centre d’art contemporain la Criée aux halles et le musée des Beaux-Arts. Au total, soixante-trois artistes vivant en France, âgés de 28 à 77 ans, permettent de tracer un paysage de la sculpture contemporaine. Selon le site du Centre National de Ressources textuelles et lexicales (CNRTL), la sculpture est l’«action de tailler une matière dure, de façonner une matière selon des techniques appropriées, d’assembler divers matériaux, afin de dégager, dans un but utilitaire ou esthétique, un objet, une figure, un ornement ; ensemble des techniques utilisées à cet effet. ». Il est bien loin le temps des sculptures grecques de Phidias et de Praxitèle. Que représente la sculpture dans l’art d’aujourd’hui ? L’exposition Sculpter (faire à l’atelier) a pour ambition d’inviter des artistes et critiques à aborder quelques-unes des questions qui traversent ce champ de la création contemporaine : l’atelier est-il toujours le lieu indispensable de fabrique de la sculpture et quelles en sont les formes actuelles ? Quels gestes et (im)matériaux pour la sculpture contemporaine ? L’atelier est le lieu du faire et du savoir-faire mais aussi de la pensée et de la recherche. L’exposition explore la sculpture en se concentrant sur l’acte créatif et la fabrication qui se déroulent au sein de l’atelier d’artiste, dans toute leur pluralité. On découvre ainsi plusieurs modes de « faire ».

Parmi les artistes invités certains maîtrisent seuls la réalisation de leur œuvre, en s’appuyant parfois exclusivement sur la maîtrise d’une technique traditionnelle ou artisanale, « L’idée était de sélectionner des artistes dont la fabrication est au cœur de leur démarche, que ce soit une partie ou tout leur travail » explique Anne Dary, directrice du Musée des beaux-arts. Mais cela n’exclut pas ceux qui préfèrent s’entourer d’experts issus parfois du hors-champ de l’art pour réaliser leurs œuvres. Une place importante est accordée à la matière qu’elle soit assemblée, déformée, composée ou recyclée. Sculpter (faire à l’atelier) se veut une exposition sans barrière ni de génération ni de matériaux ni de techniques, non plus que de « style ». Pour ce qui est de la scénographie, l’exposition est conçue sans séparation à l’intérieur des salles ; elle privilégie donc la circulation d’œuvre en œuvre par sensibilité plutôt que par thématiques ou générations.

Pauline Tomaszewski

Samir Mougas. Techno. Courtesy de l'artiste.





Aurélie Ferruel et Florentine Guédon. Si, si la famille 2017.
Copyright. François Baglin. Copyright. Marine Combes

Archipel. Angela Detanico & Rafael Lain

Musée de l'Abbaye Sainte-Croix - Les Sables d'Olonne - 28 janvier-20 mai 2018

Angela Detanico et Rafael Lain bâtissent nos îlots, nous révélant la puissance évocatrice de l'horizon, ce qui nous rapproche des astres et ce sur quoi le monde repose ; le temps, la rotation. Lors de l'exposition Archipel, le couple nous invite à prendre conscience de l'influence des mouvements astrologiques à travers une mise en espace d'un langage animé et sonore ; avec NEW FIRST FULL LAST, 28 MOONS et LUNA MARIA, les artistes nous renvoient à la face visible, à l'ombre comme à la lumière, ils nous plongent dans l'obscurité, à observer des surfaces s'éclairer puis s'étendre, comme de l'eau. Les mers lunaires évoquent nos marées terrestres ; l'attraction de la lune et du soleil s'exerce sur nos océans, ces masses oscillent, de haut en bas, avec SEA OF LIGHT. L'eau nous compose, compose la terre à 70%, et nos terres se dispersent, en roches plus ou moins étendues ; notre vision se limite à l'horizon, à Flatland. Chaque terre appartient à un temps, à l'instar de l'alphabet cartographique ; DÉRIVE extrait des territoires et les assemble.  Attribuer des lettres, des mots, des phrases, pour tenter de se familiariser avec le monde. L'un des enjeux du langage. Angela Detanico et Rafael convoquent des figures de l'histoire, celles qui ont provoqué des bouleversements, la révolution. D'un état à un autre, ils mettent des images sur des idées abstraites. L'œuvre 365 SOLES comme RÉVOLUTION, représente la théorie de l'héliocentrisme de Copernic. Auparavant, la terre était plate puis elle est devenue ronde : intégrée dans le système terrestre, nous ne ressentons ni sa courbe ni ses mouvements. Mais on peut penser qu'elle ressemble au soleil, à la Lune, aux autres planètes qui échappent au monde du sensible. Alors, prendre nos pas pour des années-lumières c'est situer sa propre place dans l'espace ; quelque part, on peut nous rappeler que nous appartenons à un système qui nous dépasse. Ainsi, depuis nos archipels, nous tentons constamment d'améliorer notre compréhension, de répondre au doute, de s'attribuer une place.

Marilou Robert