Thomas Ferrand

MON AMOUR

Thomas Ferrand - Projet Libéral (adaptation hallucinée du Dom Juan de Molière)

Des confettis sur le sol. Un homme. Un bouquet de fleurs. A l’écart, une femme accroupie. Elle semble attendre quelque chose.  « Moi, me railler de vous? Dieu m'en garde ! Je vous aime trop pour cela, et c'est du fond du cœur que je vous parle ». Une chorégraphie se met en place entre les deux corps. L'homme se met à jouer avec elle comme avec une poupée de chiffon. Il la fait basculer, valser, tomber. Il caresse ses seins puis son sexe. «Je vous aime Charlotte je vous aime» Le jeu semble sans fin. «Je vous aime Charlotte je vous aime». Rapidement il n’est plus nécessaire de la guider. Elle exécute mécaniquement les mouvements qui lui ont été dictés auparavant. Une pomme est offerte à une jeune fille du public. La femme se jette par terre. «Je vous aime Charlotte je vous aime» Leurs gestes deviennent absurdes presque pathologiques. Pourquoi se change-t-elle frénétiquement à chaque fin du monologue ?

La comédie se répète. Une nouvelle fois. Inlassablement.  L’homme s'écrase des pommes sur le torse comme preuve factice de sa bonne foi. La transpiration perle sur leurs fronts. Il s'approche, me fixe, mais finit par embrasser ma voisine. Je n’aurais pas voulu être à sa place. embarrassée ? intimidée ? troublée ? dégoûtée ? ........... flattée ? Je sens une pointe de jalousie monter en moi. Pourquoi ne m’a t-il pas choisie ?

http://www.tunantes.fr/spectacle_mon-amour.html?PHPSESSID=3b5d90df215fb3dba45bbfb1dd62fc05

C.Guettier

Raw Vision

Raw Vision

du 18/09/2013 au 22/08/2014

Halle Saint Pierre, Paris

Un an après l'exposition Banditi Dell Arte, je retourne à la Halle Saint-Pierre pressée de découvrir ce qui s'y trame. Une fois devant, je ne suis pas déçue, venue à l'aveuglette, je découvre alors leur nouvel évènement. La Halle Saint Pierre présente une exposition célébrant le 25e anniversaire de la revue anglo-saxonne Raw Vision, consacrée à l'art outsider. Avec plus de 80 artistes et plus de 400 œuvres, cette exposition est l’occasion de retrouver de grands artistes issus de l'art brut. A l’intérieur, mon regard est attiré partout. Je décide de me concentrer et de choisir mon propre itinéraire.  Chaque artiste présenté a droit à un cartel bien détaillé. Ainsi je découvre des artistes souvent torturés, malades et quelquefois lourdement handicapés, ainsi que des univers sombres mais parfois contre toute attente une pointe d’espoir se fait entrevoir. J'ai choisi de vous présenter deux artistes qui m'ont marquée soit à cause de leur vie semée d'embûches soit grâce à leur œuvres particulièrement soignées.

Aloïse,Corbaz, 1886-1964 née à Lausanne figure emblématique de l'art brut. A Postdam, elle est engagée comme gouvernante à la cour. De là, elle tombe éperdument amoureuse de l'empereur. En 1918 elle est hospitalisée pour des troubles mentaux. Aloïse dessine le plus souvent avec des crayons de couleur et de craies grasses, mais aussi parfois avec du suc de pétales ou de feuilles, ou encore avec du dentifrice. Le support qu’elle préfère est le papier kraft récupéré de colis. Elle dessine presque toujours le recto et le verso. Son œuvre est peuplée de fleurs, de rois, de reines, de princes charmants, de princesses. Les thèmes que l'on retrouve régulièrement dans son œuvre sont le couple amoureux, le théâtre...

Dalton Ghetti : est né au brésil, il immigre à l'âge de 24 ans aux Etats Unis. Il commence à  travailler avec des outils des l'âge de six ans. A l'âge de neuf ans il sculpte des objets de toutes sortes à l'aide de couteaux, de ciseaux et d'un marteau. Il commence d’abord à sculpter des œuvres volumineuses puis, en 1986 il décide de créer les plus petites sculptures possibles. Son but est d’attirer l'attention sur les petites choses. Ainsi il commence à sculpter les mines de crayon à papier abandonnés. Pour Dalton Ghetti, ses sculptures sont un passe-temps, et une forme de méditation, qui nécessite beaucoup de patience. Il refuse alors de vendre ses œuvres.

Lucie Calbo

Aloïse,Corbaz

Dalton Ghetti

Armando Andrade Tudela, Zoé Schellenbaum et Genius Loci, Mathieu Pernot, Simone et Lucien Kroll, Cédric Delsaux

CONVERSATIONS IMAGINÉES

* Armando Andrade Tudela, Seuil de rétablissement,

Au Grand Café, Saint-Nazaire,

Exposition du 5 octobre 2013 au 5 janvier 2014

- Les corps absents me regardent.

- Ne les regarde pas.

- Ils m'aspirent et collent sur ma peau la lourdeur du temps. Ils me noient dans

leurs transparences.

- Ne t'inquiète pas, ils sont créés de toutes pièces.

- Mon corps devient absent, fond avec les leurs, qu'est-ce qu'il se passe ?

* Zoé Schellenbaum, Genius Loci,

A l'Atelier sur l'Herbe, Nantes

- Ça veut dire quoi "genius loci" ?

- Ça veut dire "esprit du lieu"

- Mais, un lieu n'a pas d'esprit, non?

- Naïf…

* Mathieu Pernot, Ligne de Mire,

Frac Bretagne, Rennes,

Exposition du 14 septembre au 24 novembre 2013

- C'est étrange, je me demande ce que c'est. Les images sont renversées. On

dirait un montage, une surimpression de photographies.

- C'est du présent sur du passé, un monde vivant sur un monde mort, oublié.

* Simone et Lucien Kroll, Une architecture habitée

Collectif Etc, L'appartement témoin

Au Lieu Unique, Nantes

Exposition du 25 septembre au 1er décembre 2013

- Viens, on habite ensemble ?

- Peut-être pas maintenant, on est jeune, c'est tôt. Et puis, on ne se connaît pas

assez.

- Profite. C'est une expérience. Et puis j'en sais rien moi non plus, on s'en fiche,

on verra.

* Cédric Delsaux, Nous resterons sur terre,

Au passage Sainte-Croix, Nantes

- Moi, je n'y resterais pas.

- Moi si.

- Non, multiple, duplique. Trop de choses, de fouillis. Surtout trop de failles

humaines, de conséquences et d'impacts. Trop.

- Pas assez.

- Un tas de canetons, un tas de voitures, un tas d'humains. Je ne resterais pas

sur cette terre.

Jade Joannès

Armando Andrade Tudela, Jour Transparent I, Jour Transparent II, et Jour Transparent III, 2013

Mathieu Pernot, Plage du Palus, 2012

Collectif Etc, L'appartement témoin, 2013

Cédric Delsaux, Nous resterons sur terre

Les M&M designers

Un grand dépôt.......

On y entre avec des yeux d'enfants, et comme c'est bientôt Noël, on a dans les poches quelques centimes pour s'offrir des petits bonheurs..

Et c'est suffisant, là-bas.

La veste en velours côtelée, de la vieille, on l'a pour 50 centimes.

Alors.......

Le sourire en avant, on prend tout ce qui peut être contenu dans nos sacs.

Parce que sans savoir avant, dans cette cale aux trésors, on sait qu'on y trouvera les perles auxquelles on ne s'attendait pas.

Avec nos sacs en bandoulière, nous voilà sur le chemin de la tirelire, vers le dehors.

Et puis, non.

Une petite entrée sur le côté attire nos pas.

On y voit des objets de récup' de là où on s'est arrêté.

On s'approche ........ un vélo engrainé d'engrenages qu'avec notre imagination on fait voler. Le mécanisme en suspens s'enclenche. Il pourrait voler ce vélo. Il pourrait.

Un robot pensif, tout tordu de rouille, pose à côté d'oiseaux de cuir "en-lacets" dans l'entre deux du sol et du plafond en toile de cette cabane aux merveilles.

On avance..... ..... et......

Au fond...... au fond, on fond.

Des grands volatiles de bois gravés, aux yeux profonds, solitaires dans leur élégance, nous font chavirer. On penche de l'autre côté. Du côté des rêves de l'imagination créatrice, et, poètes de nos regards, on fait virevolter ce grand manège de bois, de fer, et debout, on rêve.

Parce que la simplicité de ces objets, parle.

Au cœur, il y a leur souffle, on se dit qu'ils ont une âme, ces objets.

Qu'ils ont une âme.

Silvia Destouches

(Les M&M designers, cabinet de curiosité, LA RESSOURCERIE DE L'ILE, Nantes, Martin Leveque et Mathier Maingourd)

Pierre Huyghe

Pierre Huyghe au Centre Pompidou

Paris, le 27 septembre 2013

Dès le seuil de l’exposition de Pierre Huyghe, je peux apercevoir l’évaporation d’une fumée brumeuse et épaisse, et je crois reconnaître le son de la pluie s’abattre frénétiquement contre le sol.

Dans la première salle se dresse un talus de pierres, disposées de façon à penser qu’elles seraient directement tombées du ciel. Cette œuvre nous laisse seul face à une fatalité évidente : la mort. La pesanteur s’impose d’elle même, en nous élevant avec légèreté de façon à faire du visiteur l’acteur de second rôle de l’œuvre. Les pierres sont posées sur un socle blanc, la magie du contraste opère. Le face à face est inévitable.

Dans la deuxième salle j’entends des voix. Je devine un son audio, je touche de la glace et aperçois un lévrier à l’allure nonchalante traîner péniblement sa patte rose dans l’espace d’exposition. P. Huyghe joue avec nos sens, il les manipule comme s’il pouvait jongler avec chacun d’entre eux, et s’en amuser. C’est en fait de cela qu’il s’agit au travers de l’exposition de Pierre Huyghe. Il ne se restreint pas seulement à nous montrer, il nous fait Voir, ressentir. J’avance. Je me dirige instinctivement vers la pièce la plus subjectivement attrayante de l’exposition : De la brume, la déferlante de la pluie, le bourdonnement des abeilles. Mes mains deviennent moites, et mes cheveux, humides. L’artiste nous invite à pénétrer dans les abîmes de son âme, et parvient à matérialiser ses pensées, des souvenirs. Cette exposition agit comme un carnet de bord de la pensée. L’aboiement du lévrier interrompt subitement ce rêve éveillé. Une patineuse apparaît désormais devant moi. Légère, elle s’envole, glisse et touche à peine le sol. Quelque chose de Divin se dégage de son mouvement. Pendant une minute, le regard des visiteurs se confond avec la pureté d’une expression enfantine et laisse apparaître une admiration puérile, mais touchante.

Pierre Huyghe explore les facettes les plus obscures de l’art visuel à des fins sensationnelles. J’ai l’impression que si ces installations pouvaient parler, elles nous diraient : «  Sortez-nous de là, nous ne sommes pas à notre place. Nous sommes dans l’air, nous sommes dans le mouvement d’une jupe contre la cuisse d’une jeune fille, dans l’étreinte d’une caresse, ou dans le réconfort d’un feu de bois ». Il s’agit donc, selon moi, d’un questionnement de l’art in-situ à travers les abîmes de la pensée. Pierre Huyghe est un poète, et son atelier est la vie. Il saisit des instants de l’existence, et les retranscrit tels qu’il les ressent dans son fort intérieur.

Il est presque difficile de mettre des mots sur cette exposition. Il faut la sentir et la ressentir pour l’apprécier dans sa juste vérité.

Une citation du poète Rainer Maria Rilke illustre bien cette pensée :

« Les oeuvres d'art sont d'une infinie solitude ; rien n'est pire que la critique pour les aborder. Seul l'amour peut les saisir, les garder, être juste envers elles. »

François Durel

Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla

Jennifer Allora & Guillermo Calzadilla

13 septembre - 16 octobre 2013

Co-produit avec le Festival d’Automne à Paris

Galerie Chantal Crousel 10 rue Charlot Paris 3^ème

             Après vingt minutes de marche intensive dans les rues du Marais parisien nous voilà arrivés devant l’entrée de la galerie Chantal Crousel cachée au fond d’une cour. J’ouvre la porte, je prends mon petit papier explicatif et je pose mes fesses sur un des quinze cubes mis à disposition pour pouvoir regarder la vidéo projetée. Malade, j’essaye de couper mon souffle fort qui résonne et fait mauvais écho à la vidéo, la pièce est sombre et le silence règne, je ne veux pas déranger. Allora & Calzadilla ont réalisé un film qui tente de représenter, en termes visuels et musicaux, un processus de transcription de la figure de la Vénus en musique, utilisant les proportions de la statue comme une gamme musicale. Ils ont demandé au compositeur David Lang d’écrire un solo pour violoncelle à partir de ces règles. Pour le film, la violoncelliste Maya Beiser joue la composition de David Lang à la Vénus de Lespugue originale. Vidéo émouvante, ce ne sont que des gros plans sur le visage de la violoncelliste, sur ses doigts qui tapotent les cordes, sur la colophane qui s’échappe de ses gestes. J’écoute la mélodie grave dans une ambiance sensuelle…Je suis alors prise d’une quinte de toux, je me lève, je trébuche, je dois sortir.

Deuxième round, je re-rentre et au moment deressortir pour partir, quelqu’un m’agrippe le bras, « Ce n’est pas fini il y en a une autre ! ». Cette salle était cachée mais j’étais tellement gênée d’être malade et de déranger par mes raclements de gorge que j’ai presque fait exprès de ne pas la voir. Surprise, un homme chante, il racle sa gorge comme moi, je ne comprends pas vraiment ce qu’il se passe, il communique avec des ossements. J’essaye de regarder mon petit papier pour comprendre mais plongée dans le noir je ne peux pas lire. Pourquoi faire un concerto pour animaux morts ? C’est comme s’il leur racontait une histoire. L’archéologie, la musique et la performance se mêlent, les artistes s’inspirent et jouent de la science avec des faits quasi fantastiques. Silence, la vidéo l’impose. Ça me rappelle l’homme qui tente de communiquer et de créer des nouvelles relations avec des animaux en captivité, comme l’expérience organisée par des musiciens qui avait pour but d’étudier l’impact de la musique humaine sur des espèces non-humaines au jardin des plantes de Paris je crois, vers 1789.

La vidéo se termine, je dois sortir mon état de santé empire. Lumière, j’en profite pour rouvrir le papier que je tiens dans la main depuis trente-cinq minutes sans pouvoir en lire une miette. En fait « les concepts d’homme, de vie et de nature, ainsi que les frontières entre eux, définies par leur rapport à la guerre, la captivité, l’esclavage et d’autres formes de domination et de contrôle social et politique, émergent à cette époque » (j’imagine la révolution). « A cela s’ajoute la question de la musique en tant que possible métalangage inter-espèces, un mode de communication proto-linguistique, non-symbolique et affectif dont la base est biologique et évolutionnaire.

Les artistes ont exploré dans l’ensemble de leurs films les relations entre les proportions et les disproportions, l’harmonie et le déséquilibre, des relations commensurables et incommensurables. Je rentre ça m’a épuisée.

Site de la galerie : http://www.crousel.com/home/

                                          Film 3

 

                                          Apotome

                                          Apotome

                                                                                                                                        Camille Coléon

Pierre Huygues, Centre-Pompidou

« Pierre Huyghe » au Centre-Pompidou de Paris du 25 septembre au 6 janvier 2013.

Commissaire d’exposition : Emma Lavigne.  

Beaucoup l’ont adorée, émerveillés devant l’imaginaire d’un espace organique et onirique, alliant féerie et troubles par des métamorphoses, des hybridations, des rencontres inattendues qui n’avaient encore jamais été proposées auparavant au sein d’une exposition. Entre le rêve et le cauchemar, Pierre Huyghe fait partie de ces artistes contemporains qui revisitent le statut d’œuvre d’art et plus particulièrement de l’espace d’exposition ; un projet qui est d’autant plus influent dans l’immense bâtiment du Centre Pompidou de Paris aux allures d’usine et industrie (une présentation au Palais de Tokyo aurait-elle alourdi au contraire le travail de l’artiste dans un lieu davantage « industriel » ?). Par la désignation d’un tel espace je parle entre autres d’une confrontation directe avec la nature, insectes et animaux bien réels ou désignés par vidéo ou performance, d’un espace d’exposition dégradé par un temps que l’artiste a lui-même remonté, et de découvertes technologiques, machine à faire pleuvoir ou jeu de lumière interactif au plafond. La nature organique est représentée dans toute sa puissance, régnant au-dessus de toute création humaine, inondant les architectures urbaines, envahissant les œuvres d’art en ignorant leur sacrement, ce qui est d’ailleurs paradoxal avec la propre représentation de cette nature en œuvre d’art, que la nature elle-même ignore. Ces lieux sont aussi la démonstration du temps, et de l’impuissance de l’homme à vouloir cacher ses effets : l’espace d’exposition n’est plus l’espace frais d’une démonstration contemporaine sur des murs immaculés mais il devient lecture transparente d’une succession de couches qui s’est établie sur un certain temps, des couches d’artistes et de peintures usés.

Mais c’est par ailleurs cette même vision de l’espace qui peut déranger le spectateur, fatigué d’un parcours naïf et innocent il se sent pantin d’un spectacle destiné à l’émerveiller par des effets visuels et surprenants. Bien que ces œuvres ne soient pas sans signification ni opaque à toute lecture intelligible, il est vrai que l’ensemble de l’exposition est basé sur un très long parcours d’œuvres diverses qui s’apparente à un fourre-tout dans lequel chaque œuvre perd de son sens et son attractivité. Car l’exposition est très grande, que le nombre d’œuvres est très important et que le travail de Pierre Huyghe est présenté sous tous les médiums et thèmes possibles, le regardeur accorde moins d’intérêt à chaque œuvre dans son unicité et préfère se consacrer à l’émerveillement de ce qu’on lui offre. Ce qui est dommage car beaucoup de ses œuvres mériteraient de se pencher un peu plus dessus et d’être isolées d’une ambiance extérieure.

Pourtant Pierre Huyghe est un artiste qui ne peut être détaché de son univers, un univers qui est bien reflété dans cet ensemble, dans sa diversité comme dans les liens entre ses différents travaux.

A.Fournié

Untilled (Liegender Frauenakt), 2012.

Timekeeper, 1999

Untitled, Acte 2 (Light Box) L’Expédition Scintillante, 2002.