samedi 22 mars 2014

Les bêtes du sud sauvage


Les bêtes du sud sauvage – 2012 – Benh Zeitlin

Synopsis : « Hushpuppy, 6 ans, vit dans le bayou avec son père. Brusquement, la nature s'emballe, la température monte, les glaciers fondent, libérant une armée d'aurochs. Avec la montée des eaux, l'irruption des aurochs et la santé de son père qui décline, Hushpuppy décide de partir à la recherche de sa mère disparue. »

Les bêtes du sud sauvage est un film sur la puissance de vivre, sur l’élan vital dans ce qu’il a de premier, presque animal. C’est un hymne à la vie dans ce qu’elle a de plus essentiel et cru, loin des implications économico-culturelles que l’on connaît aujourd’hui dans les sociétés néolibérales. Pour le faire ressentir, le réalisateur, Benh Zeitlin, pousse plus loin les facultés sur lesquelles repose cette vie primitive en magnifiant de façon crue et sensorielle les aptitudes de chacun. Il y a toujours quelque chose d’extrême dans l’usage des capacités, un geste excessif produit par un dérèglement. Quand la petite fille fait la cuisine, pour allumer le feu, elle utilise un lance-flamme, ce qui fait que l’on perçoit la possibilité de cuisiner comme un rite fort nous renvoyant dans sa technicité d’aujourd’hui à des temps immémoriaux, ceux de la préhistoire. Jeu de paradoxe que nous pouvons retrouver également avec un bateau, qui est aussi un objet archaïque fait d’éléments contemporains (benne de pick-up). Ce qui est en jeu c’est de rendre sensible à nouveau des gestes, devenus chez nous insensibles, nos sens, en produisant des excès dans la représentation, dans les visibilités que nous donne à percevoir le réalisateur. On pourrait dire qu’il nous installe dans un temps préhistorique contemporain d’un clan, d’une meute qui se bat pour survivre contre l’adversité présentée par la société libérale installée derrière la digue. Ces familles du bayou ne demandent rien que de vivre leur liberté, c’est pour cela que c’est un film puissant. La question n’est pas de sortir de leur pauvreté, mais qu’on les laisse vivre cette liberté qui est à eux et pour laquelle ils se battent.
Par une modeste production (coût du tournage : 1 800 000 dollars), le collectif Court 13, a su utiliser les ressources du lieu du tournage. Á la fois par un casting populaire composé de volontaires, tous des amateurs locaux, mais également la confection des décors avec des matériaux de récupération, au point de les réhabiliter par la suite...


Josselin THOBY



















Henry-Pierre PICOU (1824-1895) et les Néo-Grecs


La lyre d'ivoire

Henry-Pierre PICOU (1824-1895) et les Néo-Grecs

NANTES-Chapelle de l'Oratoire 25 octobre 2013 - 26 janvier 2014
MONTAUBAN-Musée Ingres  21 février - 18 mai 2014

Commissariat général :
Blandine Chavanne, directrice du musée des beaux–arts de Nantes
Florence Viguier-Dutheil, Conservatrice du Patrimoine, Directrice du musée Ingres de Montauban
Commissariat scientifique :
Cyrille Sciama, chargé de la collection XIXe
Scénographie :
Silvio Crescoli

Communiqué de presse:



Une exposition sur les Néo-Grecs à Nantes ! Quel manque de perspicacité de la part du Musée des Beaux-arts, se dira t-on, d'exposer la crème des conservateurs de l'Académisme 19ème qui nous ennuie tous. Sexistes, impérialistes et anti-modernes, tout ce qui mériterait notre opprobre. Et pourtant, à regarder leurs peintures de plus près, nous ne sommes pas si éloignés des œuvres de nos puissants collectionneurs européens.
Regardons, par exemple, la peinture qui parachève le style néo-grec de Jean-Léon Gérôme : Le prisonnier. Une barque orientaliste, mené par l'artiste lui-même, transporte un prisonnier, Charles Gleyre, son maître. L'analogie avec A Perfect Day, de Maurizio Cattelan (son galeriste scotché au mur) n'a guère besoin d'être démontrée. L'amusement des puissants à jaser des « clash » entre personnalités non plus. Les Salons de l'époque faisaient déjà office de « Closer » pour la « bofitude » aristocratique. Ça, tout le monde le voit ! Ce que l'on voit plus difficilement chez Gérôme, c'est la mort de Dieu. La mort de l'Autorité au sein même de ce que l'on identifie d'une manière générique comme l'Académisme. Gérôme avait commencé à tuer l'autorité antique avec son Combat de coqs (il désacralisait le regard sur l'antique par la représentation du quotidien), il achèvera cette autorité en lui substituant un modèle relatif, l'Orientalisme, qui n’a plus que le statut de puissance suggestive.
Depuis 1861, Dieu n'a certainement pas ressuscité. Ce n'est donc pas à l'Autorité que Cattelan s'est attaqué en 1999, mais à un Pouvoir. Et de même qu'il a fallu longtemps aux Européens pour admettre la mort de Dieu, de même il faudra encore quelque temps avant de pouvoir comprendre quel Pouvoir n'est déjà plus. Au-delà de la peinture en elle-même, on voit donc que l'art des néo-grecs cristallise des tensions internes à la société conservatrice de leur époque et que cet art ne peut que faire écho à notre art contemporain qui lutte lui aussi tant bien que mal à s'émanciper d'un système libéral nécrosé. Pour une fois, remercions donc les Académistes de nous mettre un miroir sous les yeux !

Antoine Perroteau



Jean-Léon Gérôme, Le Combat de coqs, 1847


Jean-Léon Gérôme, Le prisonnier 1861



Maurizio Cattelan, A Perfect Day, 1999 (Hors exposition)




CAMOUFLAGES, Joan Fontcuberta



CAMOUFLAGES, Joan Fontcuberta

Du 15 janvier au 16 mars 2014
La Maison Européenne de la photographie, 5/7 rue de Fourcy, 75004 Paris

Commissaires d’exposition : Joan Fontcuberta, Jean Luc Monterosso, Pascal Hoël

http://www.mep-fr.org/evenement/joan-fontcuberta/



Avez-vous déjà entendu parler de la découverte de squelettes de sirènes fossilisés dans les environs de Digne-les-Bains par l’abbé Jean Fontana qui remettrait en cause la théorie de l’évolution ? Saviez-vous qu’en 1968 le régime soviétique a effacé toute trace du passage sur terre d’Ivan Istochnikov, cosmonaute russe émérite, et de son compagnon canin Kloka pour éviter le scandale d’une mission spatiale ayant mal tourné… Peut-être avez-vous vu ce reportage de guerre révélant comment l’acteur de soap opéra arabe Manbaa Mokfhi a été embauché par Al Quaïda pour jouer le rôle du leader fictif Fasqiyta Ul-Junat, puis comment, après sa mystérieuse disparition, les services secrets ont inventé la figure d’Oussama Ben Laden pour le remplacer. Et ce monastère en Carélie où les moines enseignent depuis plus de dix siècles des miracles en tout genre - parmi lesquels l’électrogenèse, la lévitation, l’ubiquité, le surf à dos de dauphin ou mieux encore, celui de faire apparaître la figure de Che Guevara sur des tranches de jambon ; ça ne vous dit vraiment rien ? Allez donc jeter un coup d’œil au gigantesque cabinet de curiosités que propose Joan Fontcuberta à la MEP. Des photographies, des vidéos, des objets authentiques convaincront les plus sceptiques.
L’artiste fabulateur essaie de libérer le spectateur de sa crédulité face aux médias ou à toute autre institution d’ordre scientifique, historique, religieuse. Il y parvient avec un humour irrésistible !

Si vous avez un peu de temps à perdre vous pouvez toujours aller regarder les photographies de David Lynch au dernier étage…



Portrait retrouvé d’Ivan Istochnikov, 1997
©Joan Fontcuberta


 Le miracle du jambon, 2002
©Joan Fontcuberta


Le Dr. Fasqiyta-UI Junat divertit ses camarades en faisant des pirouettes sur un âne,
2004
©Joan Fontcuberta


Alexandra Slattery


vendredi 21 mars 2014

Le Vent Se Lève

Le Vent Se Lève (Kaze Tachinu)
écrit et réalisé par Hayao Miyazaki
Sortie en salles au Japon le 20 juillet 2013, en France le 22 janvier 2014

  Son film le plus adulte, portrayant son fantasme le plus enfantin. Ainsi résumerais je mes impressions sur le dernier long-métrage en date du réalisateur phare des Studios Ghibli, Hayao Miyazaki. Ce dernier fait tout simplement vivre et rayonner l’animation japonaise depuis presque cinquante ans, dans son pays et à l’international, avec des chefs d’œuvres bien connus et incontournables comme « Mon Voisin Totoro », « Princesse Mononoké» ou « Le Voyage de Chihiro ». « Le Vent Se Lève » détonne dans sa filmographie, de par son ancrage historique inédit, son traitement biographique romancé, et son découpage très étendu dans le temps. On suit ainsi l’histoire de Jirô Horikoshi, ingénieur chez Mitsubishi ayant conçu les chasseurs bombardiers aériens qui serviront à l’armée japonaise pendant la Seconde Guerre Mondiale. Son profil effacé et rêveur est mêlé à une approche sentimentale et romantique, disons-le très mélodramatique, l’accent étant ici principalement mis sur une dimension émotionnelle très forte. 
 A la sortie de « Le Vent Se Lève » au Japon l’été dernier, le film a évidemment fait parler de lui, d’abord parce qu’il a été présenté comme étant le dernier de la carrière du réalisateur, mais aussi pour son traitement historique particulier. Le thème le plus fort et reconnu de Miyazaki, qui est l’enfance, y est totalement absent ; on suit un passage à l’âge adulte, qui se fait notamment par la découverte de l’amour, un amour romancé et idéalisé, procédé commun chez les Japonais. Horikoshi, personnage historique réel –rappelons-le- représente-t-il le Japonais dans son génie le plus simple ? Dans son commun le plus « japonais » ? Le monde tourne, change, s’autodétruit (magnifique représentation fantaisiste du séisme de 1923 de Kantô), mais notre protagoniste suit un rêve simple, tracé, celui de construire des avions, car c’est ce qu’il a toujours su et aimé faire. Miyazaki semble tout simplement dépeindre le héros qu’il aurait aimé être, un garçon impassible et neutre, ne se souciant pas d’un monde lointain tourmenté et illogique qui toujours se mène à sa propre perte. La folie des hommes, de la guerre… des thèmes politiques et humanistes encore une fois bien connus des services, et sur lesquels Miyazaki garde un avis très tranché. Trop ? Facile de considérer son héros comme dédouané de sa participation pourtant plus que décisive au rôle tragique du Japon dans cette période fatalement meurtrière. Pourtant, la beauté du raisonnement et des sentiments dépeints semblent malicieusement nous demander d’aller au-delà de ces considérations matérielles, des faits. Il n’y a ni gentils ni méchants dans cette histoire, et il est laissé suffisamment de place à l’avis du spectateur sur le rôle des personnages pour pouvoir affirmer que celui-ci n’a au final pas d’importance. La guerre ? L’amour, la mort… des prétextes pour raconter des histoires, faire rêver. Miyazaki réalise des films d’enfants avec des considérations adultes qui les dépassent ; avec « Le Vent Se Lève », il parle d’adultes accomplissant leurs idéaux d’enfants. 

Vincent Rouault







jeudi 20 mars 2014

Friedrich KUNATH


Friedrich KUNATH                                                                              
Commissariat : Claire Le Restif
"A Plan To Follow Summer : Around The World"
@ Le Crédac 
29 rue Raspail, IVRY
du 17 janvier au 23 mars 2014


Un tour d'horizon des rêves d'un poète visuel…

Amoureuse depuis longtemps du Crédac, le centre d'art contemporain d'Ivry, j'avais assez hâte il faut le dire de découvrir leur dernière exposition. Programmant depuis 2003 des artistes aux univers personnels décalés, comme Michel Aubry en 2013, ou Boris Achour en 2012, le Crédac accueille en ce moment même un artiste aux multiples facettes qui tour à tour émerveille, fait rire, rire, rire, et surtout nous fait replonger dans une enfance délicate que le lieu, extrêmement lumineux, accompagne avec finesse tout au long de l'exposition.
            Divisée en trois pièces principales, chacune d'entre elles étant très lumineuse et aérée, l'exposition se pense comme une balade bucolique entre vidéo, son, peinture, sculpture, photographie et dessin, un parcours de santé dans une pluralité étonnante de supports et de matériaux qui composent et font vivre aujourd'hui l'art contemporain. Comme le dit si bien la commissaire de l'exposition, F. Kunath n'est pas un dessinateur, ce n'est pas un photographe… c'est un artiste représentatif de sa génération. En modelant sous toutes ses formes des souvenirs connotés (les voiliers, les oiseaux sur des soleil couchants) parfois stéréotypés - mais jamais "faciles" - oniriques, souvent fragiles et drôles, l'artiste expose en toute sincérité des pans de vies simples et familiers, mais aussi des rêves où s'entremêlent univers d'enfant, d'adolescent, dans une atmosphère douce, claire, où la maîtrise exemplaire d'un panel de techniques accompagne intelligemment une scénographie épurée et très intuitive. La salle du fond dispose même de plusieurs canapés, où l'on peut tranquillement s'assoir afin de profiter des photographies de voyage sur le mur en face, et l'on se prend à rêver, un peu bêtement, d'horizons nouveaux…
Entre dessins oniriques où se promènent Tintin ou des coyotes de l'espace, sculptures monumentales qui retracent l'histoire de la vie (le très très beau The End Of The World Is BiggerThan Love) et vidéos fantastiques à la recherche d'un été qui ne finit pas, F. Kunath offre une multitude d'œuvres à voir absolument, qui ravira les belles âmes, et, j'espère, vous collera un grand sourire aux lèvres jusqu'à la fin de la journée…

Nanténé Traoré

(et puis pour en voir un peu plus, il est représenté par l'incroyable Andreas Rosen Gallery … http://www.andrearosengallery.com/artists/friedrich-kunath )



The End Of The World is Bigger Than Love 



 We Are Nowhere and It's Now  




 Lonesome Cosmic Doppleganger

ICONOCLASTIE


ICONOCLASTIE
(Franck Gerard - En L'Etat / juillet 1999 - aujourd'hui)
Galerie MelanieRio (NANTES)
du 31 janvier 2014 au 22 mars 2014
http://www.franckgerard.eu/



            La photographie traverse aujourd'hui une période de transition, où elle se détache des maîtres des années 70-80 pour s'élancer vers une photographie du quotidien, un mouvement d'images crues, simples, qui tendent à évoluer vers des atlas de scènes du monde. Ce n'est pas moins bien. Mais c'est délicat. Toutes les périodes de transitions sont des périodes délicates. F. Gerard fait partie, à première vue, de ces photographes de l'instant, du réel, et l'exposition présentée à la galerie MelanieRio semble refléter une sorte de rétrospective du travail de l'artiste.
            L'organisation à proprement parler reste intéressante. La pièce du bas mêle peinture, photo, et sexe, on retrouve l'influence des artistes en marge des années 90, comme Clark ou Goldin, mais aussi T. Richardson par exemple, dans un enfer de néons rouges. Le travail offert par F. Gerard a un intérêt particulier dans cette société où la pornographie occupe une place très importante. Pourtant, dès que l'on retourne dans les trois pièces du bas, il y a comme un malaise. Des photos exposées sommairement sur les murs, des tirages brûlés au niveau du visage des protagonistes, et cette étrange série d'arrêts de bus où les pubs de femmes en petite tenue sont censées rendre compte d'une société sexiste et vaniteuse…. Le manque de cohérence dans ces trois pièces me semble être un détail douloureux qui devient un handicap lors de la visite des œuvres.
            Pour revenir sur la série Arrêts de bus, qui est par ailleurs intéressante esthétiquement parlant, j'ai trouvé cela un peu simple, peut être, de parler de sexisme en photographiant des publicités de sous-vêtements. Quel est le message de ces photographies ? Y'en a t'il un ? L'artiste semble ne pas vouloir montrer son réel positionnement face aux problèmes abordés, et il laisse alors un spectateur frustré, en doute, pas vraiment sûr de ce que pense l'auteur, et pas vraiment sûr non plus de ce qu'il faudrait en penser.
            C'est dans la dernière salle, en haut de la galerie, qu'une nouvelle réserve apparaît alors. L'accumulation de clichés : le message est clair sur notre société d'images et de désordre, mais l'artiste semble avoir décidé de ne pas s'intéresser aux formats de ses photos. Je suis pour ma part assez réservée concernant ce parti pris, attendant sans doute une installation plus dirigée pour contraster avec l'étendue numérique des tirages.
            Dans l'ensemble, F.Gerard est un photographe qui capture un instant de vie et de société de manière intéressante et parfois pertinente, mais les réserves des formats, l'accumulations de travaux trop différents (et peut être trop nombreux compte tenu du statut de galerie du lieu) nous laisse un goût de non-fini (et non pas d'infini) qui s'éloigne doucement sans marquer réellement nos esprits.

Nanténé Traoré.

(Quelques photographies hors habitat naturel!) 






Masculin / Masculin. L'homme nu dans l'art de 1800 à nos jours.



Masculin / Masculin. L'homme nu dans l'art de 1800 à nos jours.
Au musée d'Orsay.
Du 24 septembre 2013 au 12 janvier 2014.

Commissariat
Guy Cogeval, président de l'Etablissement public des musées d'Orsay et de l'Orangerie
Ophélie Ferlier, conservateur sculptures au musée d'Orsay
Xavier Rey, conservateur peintures au musée d'Orsay
Ulrich Pohlmann, directeur de la collection photographique du Stadtmuseum Munich
Tobias G. Natter, directeur du Leopold Museum de Vienne

L'exposition est organisée par le musée d'Orsay en collaboration avec le Leopold Museum de Vienne
Lien sur le site du musée d'Orsay :

Le musée d'Orsay nous laisse entrevoir l'évolution de la représentation du nu masculin durant deux siècles. Que retenons-nous de cette exposition ?

D'abord commençons par les néo-classiques. Ceux-ci sont parsemés d’œuvres kitschs à souhait de Pierre et Gilles. Il semble que leur ambivalent idéal transgressé nous emmène à une forte distanciation du Beau de la section. Pierre et Gilles donnent un filtre de kitschitude aux peintures qui les entourent et cela fait quelque peu mal aux yeux. Notons cependant la discrète et pertinente présence de Mimesi de Gulio Paolini.

Constatons ensuite le déplacement du Beau dans le champ dela photographie. Les mises en scènes néo-classiques se mêlent ainsi aux surréalistes et au puissant Muybridge.
La peinture quand à elle est passée du Beau au dissemblant avec Schiele, Freud et Bacon. Le corps change ainsi radicalement de valeur durant la première moitié du 20e siècle.

Enfin, un constat sociologique saute aux yeux : la majorité des artistes présents (et les meilleurs) à partir des années quarante sont homosexuels. Comme si, chez l'artiste, le désir idéal avait laissé place à un désir empathique qui ne permettrait pas aux hétérosexuels de trouver une inspiration dans ce genre antique.

Une chose est sûre, c'est que chacun a dû y trouver son compte dans cette exposition,... sauf peut être les militants de la manif pour tous !

Antoine Perroteau et Yoojung Lee
`



Mimesi, 1975-76 Giulio Paolini




Lutte de deux hommes nus, 1887, Eadweard Muybridge




 Sans titre, Egon Schiele, 1915.



Sunbather, 1967, David Hockney