Bebop Basquiat

Exposition de l’artiste Jean-Michel Basquiat, Fondation Louis Vuitton

– 8 Avenue du Mahatma Gandhi, 75116 Paris.

Exposition du 3 octobre 2018 – 14 janvier 2019

En 1890, les ouvriers américains travaillaient de longues journées pour dessiner les grandes lignes de chemin de fer (voies ferrées) qui relieraient tout le pays. C’était dans le secteur ouvrier de Sedalia, Missouri où le ragtime («ragged time» temps déchiré) de Scott Joplin a trouvé un moyen de s'établir et se répandre dans le sud des États-Unis, fondant involontairement, le début de la musique jazz. En commençant avec le style libre du Dixieland, en passant pour la nervosité des années 40 avec le Bebop et en terminant avec la protestation violente du Free jazz et le Jazz électrique des années 60, le Jazz a toujours été la musique des minorités, il n’est, donc, pas étonnant que cette musique populaire soit un sujet récurrent dans le travail de l'artiste Jean Michel Basquiat.

Dans les années 70, lors que Frank Zappa sortit son album emblématique Joe's Garage (1977), le jeune Basquiat quitta l'école pour se rebeller. Il s’aventure donc, à rencontrer l'atmosphère underground des rues de New York, découvrant les gangs et les dealears du SoHo. Cependant, Basquiat ne s'intéresse pas à la nouvelle vague du Jazz rock de Zappa, au contraire, il est attiré par le hip-hop,un genre à peine émergent, et à l'improvisation présente dans le Jazz moderne connue sous le nom de Bebop. Son intérêt pour la musique l’amena à créer, en 1979, son propre projet musical intitulé Gray en l'honneur du livre d'anatomie Gray's Anatomy.

DIZZY GILLESPI, DIZZY GILLESPI, CHARLIE PARKER, CHARLIE PARKER, CHARLIE PARKER, ORNITHOLOGIE, ORNITHOLOGIE, THEETH, THOH, SHOO SE OBEE, ALCHEMY, LARNYZ, SOAP, PREE, sont quelques-uns des mots qui, en format de liste, apparaissent continuellement dans les tableaux de l’artiste faits avec du pastel gras et de l’acrylique sur toile. BILLIES BOUNCE, BILLIES BOUNCE, WARMING UP A RIFF, NOWS THE TIME, THE RIVING IN A RIFF, MEANDERING, KOKO, SIDE A, SIDE B, SIDE C, SIDE D, mots retrouvés dans l'œuvre Discography (One) (1983), où Basquiat fait référence à la session d'enregistrement du 26 novembre 1945 de Charlie Parker, son premier enregistrement à la tête d'un ensemble.

En octobre, la fondation Louis Vuitton a inauguré une exposition sur l'artiste Jean-Michel Basquiat, dans laquelle, nous pouvons trouver des œuvres réalisées par l’artiste entre la période 1980 et 1988, lesquelles appartiennent actuellement à des collections privées américaines et européennes. L'exposition contient 120 tableaux, répartis par sujet dans 9 différentes galeries. La galerie 5 intitulée MUSIC SPOKEN est organisée autour des références musicales de l'artiste, où nous pouvons apprécier des œuvres telles que : CPRKR (1982), Horn Players (1983), Charles le Premier (1982), Now's the Time (1985) et le déjà mentionné Discographie (One) (1983). Cette salle donne au spectateur une occasion unique pour connaître en profondeur les préoccupations de l'artiste en s’éloignant des signes conventionnels pour lesquels son travail est facilement reconnaissable : les couronnes et SAMO.

Berenice Vargas-Bravo

Jean Michel Basquiat, Discography one et Discography two, 1983. Galerie Bruno Bischofberger, Zurich. Copyright. Jean Michel Basquiat.

Pagé, S. (2018). Texte sur l’exposition Jean Michel Basquiat écrit par Suzzane Pagé et Dieter Buchhart, critiques d’art et commissaires d’exposition.

Berendt, J (1962). El Jazz. Fondo de Cultura Económica, México. 

Raphaël Dallaporta, Chauvet-Pont d’Arc : l’Inappropriable

Du 13.10.2018 au 06.01.2019, au CENTQUATRE-PARIS 19^ème

Raphaël Dallaporta est un photographe français né en 1980, en tant que lauréat d’un concours il a pu pénétrer dans la grotte de Chauvet, site classé patrimoine de l’Unesco, où ont été découverts les premiers dessins connus de l’Humanité et dont l’accès est habituellement réservé à quelques scientifiques. Il y a réalisé des prises de vue automatisées en panorama polyédriques (planisphère simplifié en forme géométrique dont les faces sont déployées) reconstituant les volumes de la grotte. Le résultat est présenté dans une pièce sombre carrée avec une installation vidéo immersive sur grand écran, et une composition musicale de Marihiko Hara. Des séquences de mouvements très lents dans les panoramiques en noir et blanc s’enchaînent dans l’ordre de cheminement, sur fond de sons spatiaux et de nappes harmoniques.

« Une grotte nécessite d’être traitée avec une infinie retenue: comme un paysage, un espace naturel qui anime un sentiment profond de l’immémorial en nous » a dit le photographe, et l’on ressent en effet le mystère d’un tel lieu, sa puissance évocatrice et la compression du temps qu’il opère lorsque l’on observe les parois, les fresques, les formations minérales mais aussi les passerelles en métal installées par les scientifiques. Les dessins ne sont pas omniprésents dans les plans mais leur apparition fait ressurgir des questionnements profonds sur la raison même de leur existence et sur l’essence de l’Homme.

Jean-Jacques Delannoy écrit: « La lecture des paysages de la grotte offerte par les photographies de Raphaël Dallaporta permet d’effleurer ses différentes temporalités, depuis sa genèse jusqu’aux cristaux de calcite déposés à l’instant par une goutte d’eau, en passant par les traces et les oeuvres des Hommes de la préhistoire. Une des forces qu’on ressent en parcourant la grotte tient à la puissance visuelle de ses différentes histoires, si distendues dans le temps et si intimement liées dans ses paysages ».

Dallaporta nous donne à voir ce lieu sacré avec un regard presque scientifique, mais inclusif et l’on

peut prendre le temps.

E.C.

                        CACTUS_OURS-35 © Raphaël Dallaporta, Éditions Xavier Barral, 2016

Collection de Stéphane Lifshitz au Temple du goût, Nantes

Du 14 septembre au 14 octobre 2018

Le festival de la Quinzaine Photographique Nantaise consacrait cette année son festival au thème des « Invisibles ». Au travers des divers lieux d'exposition, nous avons alors pu déambuler et découvrir de multiples portraits d'individus en marge de la société, de personnes dites « invisibles ». Des témoignages photographiques marquants, avec notamment le travail de Pierre Faure, nous dévoilant la montée de pauvreté dans les zones rurales françaises ou encore celui de Danila Tkachenko, capturant des hommes ayant décidé de s'extraire de toute civilisation dans les forêts de Russie. Le travail de Stéphane Lifshitz était alors également mis à l'honneur au Temple du Goût.

Collectionneur de photographies qu'il acquiert dans les brocantes depuis de nombreuses années, Stéphane Lifshitz nous dévoilait pour la première fois ses portraits de couples homosexuels anonymes des années 1900 aux années 1960. D'une pudeur élégante, ces photographies amateurs nous montraient des couples dans leur intimité, à la fois au travers de clichés pris sur le vif ou au contraire, plus travaillés telle une séance chez le photographe. Un seul regard, une seule main posée délicatement sur son partenaire suffisent pour nous dévoiler leur relation intime devant l'objectif. Cette collection témoignant d'une liberté, permet à l'artiste de nous retranscrire une autre image de cette société en marge, loin des idées reçues comme il le souligne lui-même : « Être pédé ou lesbienne, c'était s'inscrire dans une généalogie de souffrance, de destins dramatiques, pour ne pas dire tragiques. Pourtant ces images que j'avais trouvées au cours des années me racontaient une autre histoire. » Une autre histoire en effet, celle d'une homosexualité décomplexée, douce et ludique. Cette collection de portraits nous questionne alors sur l'exposition des relations homosexuelles et donc identitaire dans la société. « Peut-être avaient-ils réussi à négocier quelque chose avec leur famille, leur milieu professionnel ou la société dans son ensemble » énonce l'artiste. La discrétion restant sans doute le maître mot de leurs amours.

Blandine Langlois

Céleste Boursier-Mougenot : Fluides

Du samedi 30 juin 2018 au dimanche 30 septembre 2018

HAB Galerie, Nantes

Les ondes sonores, naturelles et artificielles,

Retentissent harmonieusement dans la salle.

Les rythmes souterrains, semblent venir du ciel.

Les arbres influent sur les variations musicales.

Les diamants mandarins, oiseaux d’Australie,

Volant, planant, tournant dans cet espace orchestral,

Pincent de leurs pattes et becs les guitares électriques,

Produisant en s'y perchant, une joliesse mélodique.

Les flux invisibles font chuter sur les dorées cymbales

Les fins noyaux des cerises, telle la vague déferle

Sur le glissant basalte...

Les corps en mouvement, les cœurs s'exaltent,

Les sens en éveil, remplis de clarté...

Indicible beauté.

LELO Landrino

From here to ear, 2018

Installation

Aura, 2015

Installation

Sous-bois, 2018

Installation

Histoire de l’œil, Georges Bataille

« Je n’aimais pas ce qu’on nomme les plaisirs de la chair, en effet parce qu’ils sont fades… »

Georges BATAILLE publie son œuvre, classée dans ses débuts comme pornographique, sous un pseudonyme Lord AUCH. Ce ne sera qu’après sa mort que son livre sera publié sous son vrai nom en 1967 sans que BATAILLE ne reconnaisse officiellement avoir rédigé cette courte fiction.

Entre sexualité anticonventionnelle, perversité et fétichisme, BATAILLE force le lecteur à se confronter à deux adolescents dont la vie érotique dépasse et transgresse tout entendement.

Marqué par une enfance difficile, BATAILLE assimile des éléments de sa vie quotidienne en les retranscrivant à l’écrit par le biais de ce couple d’adolescents à la découverte d’une sexualité hors normes. La syphilis et les troubles urinaires de son père, narrés dans la préface de son livre nous permettront de tisser un lien avec l’obsession des deux protagonistes pour le jeu avec le « sale ». Le souvenir de l’odeur de l’urine de son père sera assimilé à de la scatophilie. Ces personnages évolueront avec ce désir puissant né d’une souffrance morale. Les actes devenant alors de plus en plus violents, destructeurs, et blasphématoires.

Certains objets reviennent par ailleurs un grand nombre de fois dans l’ouvrage. Une armoire normande dans laquelle on se branle, un revolver que l’on tient pendant l’acte ou bien un prie-Dieu. Des lieux doux tel un bois au clair de lune, violents comme une arène de corrida ou encore religieux. Les lieux et éléments contradictoires entraînent le lecteur dans un univers confus et étrange.

L’œil tient un rôle majeur, vu comme un instrument érotique à part entière, l’œil qui observe le désir permettant l’érection. L’œil qui devient un œuf rond et doux qui pénètre dans la « fourrure » (terme utilisé par BATAILLE pour évoquer le sexe féminin) du protagoniste (Simone). L’œil sein, fesse, qui stimule le désir sexuel du narrateur. L’œil testicule de taureau qui peut s’apparenter à l’Euterpe (divinité ayant une multitude de seins, vus également comme des testicules de taureau). L’œil doux luisant qui devient organe d’excitation arraché à un curé par Simone pour satisfaire ses désirs.

Pour BATAILLE la sexualité, l’érotisme, la violence de la jouissance extrême sont oubliées. Cette ascendance vers le délire et les pratiques sadomasochistes des personnages les rendent humains. J’entends par humain fait de chairs (palpable et déchirable) et animal à la fois, poussant leurs désirs les plus puissants pour qu’ils deviennent des actes d’une extrême violence érotique. La chair n’est plus fade parce qu’ils l’ont consommée.

Les liens transversaux entre l’enfance de BATAILLE, le sexe dans notre société, le cauchemar et la brutalité font de cet ouvrage une œuvre complexe, dure à ingérer et forte d’un point de vue émotionnel nous faisant vaquer entre gêne et honte.

GARRET Lila

Armen Eloyan

Exposition de l’artiste Armen Eloyan, FRAC des Pays de la Loire – 24 bis Boulevard Ampère, La Fleuriaye, 44470 Carquefou.

Exposition du 23 juin - 7 octobre 2018

La coexistence d'éléments imaginaires et réels ne peut être réalisée qu'à travers les mots. C'est dans la voix immatérielle que des éléments fantastiques coexistent avec d’autres déjà existants. Les êtres anthropomorphes sont le témoignage de ce phénomène. Il s’agit des monstres ou chimères dotés des formes ou des qualités humaines. Ces créatures ont transcendé malgré le temps et sont devenues, petit à petit, des personnages tels que Mickey Mouse et Donald Duck, symboles de la culture populaire et mondialisée de nos jours.

Ces figures sont, dans le travail de l’artiste arménien Armen Eloyan, les figures principales de plusieurs pièces réalisées au cours de ces dix dernières années. L’exposition explore l’esthétique du Street art avec une ambiance sombre et perverse. Les dessins animés deviennent une dystopie, un désenchantement avec l’enfance. « Les icônes de dessins animés resurgissent sous les traits de personnages grotesques aux mœurs douteuses et insoupçonnées » (2018, Vicente, A.)

En juin, le Fonds Régional d’Art Contemporain des Pays de la Loire (FRAC) a reçu une vingtaine d’œuvres de l’artiste Eloyan comprenant des pièces acquises par les galeries Tim Van Laere (Anvers) et Timothy Taylor (Londres) et une collection privée. L’accrochage proposé permet le dialogue onaniste entre les différents tableaux grâce auxquels le public se retrouve devant la tension dramatique des images qui présentent la violence, le sexe et la tragédie de notre époque.

La peinture Mickey Mouse, Youth, 2009 (huile sur toile 235x270cm) évoque le côté obscur et chaotique. Nous sommes en face d’une toile qui montre un rat difforme habillé en orange sur un fond noir. C’est la défiguration qui attire notre attention : des figures familières ont été usurpées et transposées avec un emprunt à l’humour noir.

Berenice Vargas-Bravo

Vicente, A. (2018). Texte sur l’exposition Armen Eloyan écrit par Anne –Lou Vicente, critique d’art et commissaire d’exposition indépendante.

http://fracdespaysdelaloire.com/fr/programme/2018/au-frac/armen-eloyan

Armen Eloyan, Portrait 1, 2016 -  Courtesy Timothy Taylor Gallery. Copyright. Armen Eloyan.

"Sans", Martine Pisani

Les 11 et 12 octobre, le lieu unique a présenté une pièce de Martine Pisani : « Sans ». Audacieux pari de présenter un spectacle de danse sans musique, sans jeu de lumière, sans éléments de décors, comme son nom l’indique. Avant d’avoir vu le spectacle, on pense facilement à Yvonne Rainer, à une danse minimaliste, dépourvue de tout élément superflu, qui cherche à sortir du standard d’une danse qui se veut gracieuse, élégante.

L’absence de variation de lumière permet tout d’abord de diminuer le mur entre la scène et le spectateur. Le public est quasiment éclairé de la même manière que les danseurs, avec un éclairage simple, comme dans n’importe quel autre intérieur. On se sent facilement plus proche du danseur, notamment par le fait qu’il puisse nous voir, ainsi peut s’installer un dialogue entre la scène et le public. Ce dialogue avec le spectateur passe par des éléments très simples, néanmoins forts : un regard, une expression, des onomatopées, quelques phrases. Les danseurs passent un moment immobiles face au public, seuls leurs visages passent par beaucoup d’émotions, principalement leurs yeux.

Le dialogue se fait également avec l’emprunt de gestes du quotidien et par des gestes connotés, faisant référence à certains sports ou à la culture hip-hop. Cette pièce pose la question de la place du mime dans la danse, la place de la partie jouée. On se demande où est la danse ? Où est le jeu ? Un grand jeu sur les expressions du visage est mis en place, les danseurs prennent presque un rôle de comédien. Cela se traduit par un rire récurrent du public face à ces parties mimées. Le spectacle est présenté en plusieurs parties, pas forcément bien reliées entre elles, sans transition. Néanmoins Martine Pisani joue avec toutes ces frontières, se heurte à des limites, tout cela avec une grande délicatesse.

Theo Kooijman, Laurent Pichaud, Olivier Schram nous montrent une belle cohérence dans leur danse, dans un tableau où ils apparaissent aussi bien ensemble qu’en opposition. La nudité de la scène laisse place à une multitude de placements, déplacements, de configurations. Ils occupent la scène de manière méthodique, en se regroupant, en se séparant, en agissant ensemble, puis tour à tour. Ils deviennent eux-mêmes éléments du décor, les uns pour les autres, les uns par rapport aux autres.

Suzanne Guillemois

http://www.ciemartinepisani.fr/

                                                                               © Laurent Paillier