ORLAN avant ORLAN

Exposition de l’artiste ORLAN, galerie Ceysson & Bénétière

• 23 rue du Renard, 75004 Paris.

Exposition du 18 octobre 2018 – 8 décembre 2018

L'évolution picturale de l'artiste est une nécessité. « Personne n’est exempt des changements. Les théories sont dépassées, la vérité n’est jamais absolue et la plupart du temps, nous ne nous connaissons pas nous-mêmes dans notre totalité » (Sanguino, J). Quarante ans avant de peindre Guernica (1937), Pablo Picasso créa, en 1897, Science et charité, une peinture de style réaliste réalisée selon une technique classique. Dix-sept ans après avoir conçu Croix noire (1915), Kazimir Malevich, peint, en 1932, L’homme qui court, une peinture figurative qui évoque la période de la vie de l'artiste lorsqu'il était persécuté par le gouvernement soviétique.

C’est une erreur de vouloir juger un artiste pour une œuvre, car cela nous oblige à généraliser immédiatement sans avoir connu un aspect plus large de son travail à travers le temps, c'est pourquoi la galerie Ceysson & Bénétière, située à côté du Centre National d’Art et Culture George Pompidou à Paris, présente pour la première fois, une exposition des premières œuvres picturales produites par l'artiste française ORLAN entre 1971 et 1974, intitulées Problématiques géométriques.

ORLAN est une artiste reconnue de l’art corporel, qui pousse le corps dans ses limites, matériau extrêmement fragile, extrêmement vulnérable. La chirurgie esthétique est mise au service de l’art, ce qui soulève des questions liées aux canons de la beauté et à la transformation physique et psychologique du corps. L'art corporel est un art de la résistance, inscrit hors de la loi et émergeant comme une subversion.

C’est dans cette ligne critique que la jeune ORLAN commence à développer son travail artistique, critiquant l’existence des structures oppressives et systématiques qui conditionnent la vie des femmes dans différents domaines : au travail, dans leur corps / leur apparence, dans leur comportement et dans leur sexualité. Clairement influencée par les mouvements sociaux de Mai 68, ORLAN condamne les hiérarchies patriarcales établies dans la vie familiale, présentes sur tout dans la cuisine. Les matériaux et les ustensiles de la vie domestique, ainsi que le corps, serviront comme composants potentiels qui lui permettront de développer ses peintures géométriques.

« Cette exposition sera le premier volet d’une relecture de la carrière de l’artiste » (Ceysson, B).

Berenice Vargas-Bravo

Galerie Ceysson & Bénétière, Paris, France, "ORLAN avant ORLAN", 2018.

Ceysson, B. (2018). Texte sur l’exposition ORLAN avant ORLAN écrit par Bernard Ceysson, critique d’art et commissaire d’exposition.

Chauvel-Levy, L. (2018). Texte sur l’exposition ORLAN avant ORLAN écrit par Léa Chauvel-Lévy , critique d’art et commissaire d’exposition.

Sanguino, J (2018). El primer y último trabajo de grandes pintores y su evolución en el lienzo. Cultura Colectiva, México. https://culturacolectiva.com/arte/el-primer-y-ultimo-trabajo-de-grandes-pintores-y-su-evolucion-en-el-lienzo

Franz West - Centre Pompidou

Du 12 septembre au 10 décembre 2018

Mon train arrive à Paris.

Je cours vite jusqu’au Centre Pompidou, j’ai peur d’arriver trop tard et de rater l’exposition. Ce serait dommage quand même. Venir jusqu’à Paris pour voir la rétrospective dédiée à Franz West et la louper.

Escalator, escalator, escalator, encore et encore. Ça y est, j’y suis.

J’entre.

L’exposition commence avec une vidéo de Franz West tournée par son ami Friedl Kubelka.
Je me balade un peu partout, je lis les cartels. J’aimerais tout toucher, glisser mes pieds dans les méduses d’un Paßstücke accroché au mur.

On n’a plus le droit de toucher à rien maintenant.

Dans un coin, au fond, il y a d’autres Paßstücke avec lesquels on peut jouer. On peut se glisser avec derrière un rideau blanc et en faire ce qu’on veut. Comme dans l’exposition originelle.

C’est rigolo. J’ai envie d’essayer mais j’ose pas.

Je m’approche, tout le monde me fixe. Je tripote cet objet ludique puis le repose.

J’irai pas me cacher avec aujourd’hui.

Je continue à errer dans l’exposition. Je suis un peu déçue, je pensais que ça me parlerait plus.

Je me dirige vers la sortie et c’est là que je les vois. Ces grosses sculptures en papier mâché.

Elles reposent fièrement, toutes ensembles, sur leur socle. Je suis hypnotisée. Je m’en approche, les regarde sous toutes les coutures. J’aimerais pouvoir passer mes doigts dessus, sentir les bosses, la texture. J’imagine Franz West les modeler.

Je regarde les couleurs, tout est mélangé. Je me fais la réflexion que j’aimerais bien voir un peu de orange entre ce parme, ce rouge et ce noir.

J’ai à peine le temps de baisser les yeux que je distingue une petite tâche de peinture orangée dissimulée.

T’es fort Franz, t’es fort.

Il est temps de m’en aller.

Au moment de sortir de l’expo j’aperçois une vidéo de Franz West encore une fois tournée par Kubelka, trois décennies après la première.

Je la regarde, il me regarde.

Il sourit. Je souris.

Voilà, c’est fini.

Je sors.

Heureusement que je suis arrivée à l’heure.

Talhùla Deray

                                                                     © Estate Franz West © Archiv Franz West / Photo: D.R.

Grupp mit Kabinett, ensemble de 8 sculptures. Papier mâché, gaze, tables.

Les Passstücke ou Adaptives (« pièces à adapter », « Adaptatives ») sont des sculptures en plâtre et papier mâché à la matière irrégulière nommées ainsi par Franz West

Bebop Basquiat

Exposition de l’artiste Jean-Michel Basquiat, Fondation Louis Vuitton

– 8 Avenue du Mahatma Gandhi, 75116 Paris.

Exposition du 3 octobre 2018 – 14 janvier 2019

En 1890, les ouvriers américains travaillaient de longues journées pour dessiner les grandes lignes de chemin de fer (voies ferrées) qui relieraient tout le pays. C’était dans le secteur ouvrier de Sedalia, Missouri où le ragtime («ragged time» temps déchiré) de Scott Joplin a trouvé un moyen de s'établir et se répandre dans le sud des États-Unis, fondant involontairement, le début de la musique jazz. En commençant avec le style libre du Dixieland, en passant pour la nervosité des années 40 avec le Bebop et en terminant avec la protestation violente du Free jazz et le Jazz électrique des années 60, le Jazz a toujours été la musique des minorités, il n’est, donc, pas étonnant que cette musique populaire soit un sujet récurrent dans le travail de l'artiste Jean Michel Basquiat.

Dans les années 70, lors que Frank Zappa sortit son album emblématique Joe's Garage (1977), le jeune Basquiat quitta l'école pour se rebeller. Il s’aventure donc, à rencontrer l'atmosphère underground des rues de New York, découvrant les gangs et les dealears du SoHo. Cependant, Basquiat ne s'intéresse pas à la nouvelle vague du Jazz rock de Zappa, au contraire, il est attiré par le hip-hop,un genre à peine émergent, et à l'improvisation présente dans le Jazz moderne connue sous le nom de Bebop. Son intérêt pour la musique l’amena à créer, en 1979, son propre projet musical intitulé Gray en l'honneur du livre d'anatomie Gray's Anatomy.

DIZZY GILLESPI, DIZZY GILLESPI, CHARLIE PARKER, CHARLIE PARKER, CHARLIE PARKER, ORNITHOLOGIE, ORNITHOLOGIE, THEETH, THOH, SHOO SE OBEE, ALCHEMY, LARNYZ, SOAP, PREE, sont quelques-uns des mots qui, en format de liste, apparaissent continuellement dans les tableaux de l’artiste faits avec du pastel gras et de l’acrylique sur toile. BILLIES BOUNCE, BILLIES BOUNCE, WARMING UP A RIFF, NOWS THE TIME, THE RIVING IN A RIFF, MEANDERING, KOKO, SIDE A, SIDE B, SIDE C, SIDE D, mots retrouvés dans l'œuvre Discography (One) (1983), où Basquiat fait référence à la session d'enregistrement du 26 novembre 1945 de Charlie Parker, son premier enregistrement à la tête d'un ensemble.

En octobre, la fondation Louis Vuitton a inauguré une exposition sur l'artiste Jean-Michel Basquiat, dans laquelle, nous pouvons trouver des œuvres réalisées par l’artiste entre la période 1980 et 1988, lesquelles appartiennent actuellement à des collections privées américaines et européennes. L'exposition contient 120 tableaux, répartis par sujet dans 9 différentes galeries. La galerie 5 intitulée MUSIC SPOKEN est organisée autour des références musicales de l'artiste, où nous pouvons apprécier des œuvres telles que : CPRKR (1982), Horn Players (1983), Charles le Premier (1982), Now's the Time (1985) et le déjà mentionné Discographie (One) (1983). Cette salle donne au spectateur une occasion unique pour connaître en profondeur les préoccupations de l'artiste en s’éloignant des signes conventionnels pour lesquels son travail est facilement reconnaissable : les couronnes et SAMO.

Berenice Vargas-Bravo

Jean Michel Basquiat, Discography one et Discography two, 1983. Galerie Bruno Bischofberger, Zurich. Copyright. Jean Michel Basquiat.

Pagé, S. (2018). Texte sur l’exposition Jean Michel Basquiat écrit par Suzzane Pagé et Dieter Buchhart, critiques d’art et commissaires d’exposition.

Berendt, J (1962). El Jazz. Fondo de Cultura Económica, México. 

Raphaël Dallaporta, Chauvet-Pont d’Arc : l’Inappropriable

Du 13.10.2018 au 06.01.2019, au CENTQUATRE-PARIS 19^ème

Raphaël Dallaporta est un photographe français né en 1980, en tant que lauréat d’un concours il a pu pénétrer dans la grotte de Chauvet, site classé patrimoine de l’Unesco, où ont été découverts les premiers dessins connus de l’Humanité et dont l’accès est habituellement réservé à quelques scientifiques. Il y a réalisé des prises de vue automatisées en panorama polyédriques (planisphère simplifié en forme géométrique dont les faces sont déployées) reconstituant les volumes de la grotte. Le résultat est présenté dans une pièce sombre carrée avec une installation vidéo immersive sur grand écran, et une composition musicale de Marihiko Hara. Des séquences de mouvements très lents dans les panoramiques en noir et blanc s’enchaînent dans l’ordre de cheminement, sur fond de sons spatiaux et de nappes harmoniques.

« Une grotte nécessite d’être traitée avec une infinie retenue: comme un paysage, un espace naturel qui anime un sentiment profond de l’immémorial en nous » a dit le photographe, et l’on ressent en effet le mystère d’un tel lieu, sa puissance évocatrice et la compression du temps qu’il opère lorsque l’on observe les parois, les fresques, les formations minérales mais aussi les passerelles en métal installées par les scientifiques. Les dessins ne sont pas omniprésents dans les plans mais leur apparition fait ressurgir des questionnements profonds sur la raison même de leur existence et sur l’essence de l’Homme.

Jean-Jacques Delannoy écrit: « La lecture des paysages de la grotte offerte par les photographies de Raphaël Dallaporta permet d’effleurer ses différentes temporalités, depuis sa genèse jusqu’aux cristaux de calcite déposés à l’instant par une goutte d’eau, en passant par les traces et les oeuvres des Hommes de la préhistoire. Une des forces qu’on ressent en parcourant la grotte tient à la puissance visuelle de ses différentes histoires, si distendues dans le temps et si intimement liées dans ses paysages ».

Dallaporta nous donne à voir ce lieu sacré avec un regard presque scientifique, mais inclusif et l’on

peut prendre le temps.

E.C.

                        CACTUS_OURS-35 © Raphaël Dallaporta, Éditions Xavier Barral, 2016

Collection de Stéphane Lifshitz au Temple du goût, Nantes

Du 14 septembre au 14 octobre 2018

Le festival de la Quinzaine Photographique Nantaise consacrait cette année son festival au thème des « Invisibles ». Au travers des divers lieux d'exposition, nous avons alors pu déambuler et découvrir de multiples portraits d'individus en marge de la société, de personnes dites « invisibles ». Des témoignages photographiques marquants, avec notamment le travail de Pierre Faure, nous dévoilant la montée de pauvreté dans les zones rurales françaises ou encore celui de Danila Tkachenko, capturant des hommes ayant décidé de s'extraire de toute civilisation dans les forêts de Russie. Le travail de Stéphane Lifshitz était alors également mis à l'honneur au Temple du Goût.

Collectionneur de photographies qu'il acquiert dans les brocantes depuis de nombreuses années, Stéphane Lifshitz nous dévoilait pour la première fois ses portraits de couples homosexuels anonymes des années 1900 aux années 1960. D'une pudeur élégante, ces photographies amateurs nous montraient des couples dans leur intimité, à la fois au travers de clichés pris sur le vif ou au contraire, plus travaillés telle une séance chez le photographe. Un seul regard, une seule main posée délicatement sur son partenaire suffisent pour nous dévoiler leur relation intime devant l'objectif. Cette collection témoignant d'une liberté, permet à l'artiste de nous retranscrire une autre image de cette société en marge, loin des idées reçues comme il le souligne lui-même : « Être pédé ou lesbienne, c'était s'inscrire dans une généalogie de souffrance, de destins dramatiques, pour ne pas dire tragiques. Pourtant ces images que j'avais trouvées au cours des années me racontaient une autre histoire. » Une autre histoire en effet, celle d'une homosexualité décomplexée, douce et ludique. Cette collection de portraits nous questionne alors sur l'exposition des relations homosexuelles et donc identitaire dans la société. « Peut-être avaient-ils réussi à négocier quelque chose avec leur famille, leur milieu professionnel ou la société dans son ensemble » énonce l'artiste. La discrétion restant sans doute le maître mot de leurs amours.

Blandine Langlois

Céleste Boursier-Mougenot : Fluides

Du samedi 30 juin 2018 au dimanche 30 septembre 2018

HAB Galerie, Nantes

Les ondes sonores, naturelles et artificielles,

Retentissent harmonieusement dans la salle.

Les rythmes souterrains, semblent venir du ciel.

Les arbres influent sur les variations musicales.

Les diamants mandarins, oiseaux d’Australie,

Volant, planant, tournant dans cet espace orchestral,

Pincent de leurs pattes et becs les guitares électriques,

Produisant en s'y perchant, une joliesse mélodique.

Les flux invisibles font chuter sur les dorées cymbales

Les fins noyaux des cerises, telle la vague déferle

Sur le glissant basalte...

Les corps en mouvement, les cœurs s'exaltent,

Les sens en éveil, remplis de clarté...

Indicible beauté.

LELO Landrino

From here to ear, 2018

Installation

Aura, 2015

Installation

Sous-bois, 2018

Installation

Histoire de l’œil, Georges Bataille

« Je n’aimais pas ce qu’on nomme les plaisirs de la chair, en effet parce qu’ils sont fades… »

Georges BATAILLE publie son œuvre, classée dans ses débuts comme pornographique, sous un pseudonyme Lord AUCH. Ce ne sera qu’après sa mort que son livre sera publié sous son vrai nom en 1967 sans que BATAILLE ne reconnaisse officiellement avoir rédigé cette courte fiction.

Entre sexualité anticonventionnelle, perversité et fétichisme, BATAILLE force le lecteur à se confronter à deux adolescents dont la vie érotique dépasse et transgresse tout entendement.

Marqué par une enfance difficile, BATAILLE assimile des éléments de sa vie quotidienne en les retranscrivant à l’écrit par le biais de ce couple d’adolescents à la découverte d’une sexualité hors normes. La syphilis et les troubles urinaires de son père, narrés dans la préface de son livre nous permettront de tisser un lien avec l’obsession des deux protagonistes pour le jeu avec le « sale ». Le souvenir de l’odeur de l’urine de son père sera assimilé à de la scatophilie. Ces personnages évolueront avec ce désir puissant né d’une souffrance morale. Les actes devenant alors de plus en plus violents, destructeurs, et blasphématoires.

Certains objets reviennent par ailleurs un grand nombre de fois dans l’ouvrage. Une armoire normande dans laquelle on se branle, un revolver que l’on tient pendant l’acte ou bien un prie-Dieu. Des lieux doux tel un bois au clair de lune, violents comme une arène de corrida ou encore religieux. Les lieux et éléments contradictoires entraînent le lecteur dans un univers confus et étrange.

L’œil tient un rôle majeur, vu comme un instrument érotique à part entière, l’œil qui observe le désir permettant l’érection. L’œil qui devient un œuf rond et doux qui pénètre dans la « fourrure » (terme utilisé par BATAILLE pour évoquer le sexe féminin) du protagoniste (Simone). L’œil sein, fesse, qui stimule le désir sexuel du narrateur. L’œil testicule de taureau qui peut s’apparenter à l’Euterpe (divinité ayant une multitude de seins, vus également comme des testicules de taureau). L’œil doux luisant qui devient organe d’excitation arraché à un curé par Simone pour satisfaire ses désirs.

Pour BATAILLE la sexualité, l’érotisme, la violence de la jouissance extrême sont oubliées. Cette ascendance vers le délire et les pratiques sadomasochistes des personnages les rendent humains. J’entends par humain fait de chairs (palpable et déchirable) et animal à la fois, poussant leurs désirs les plus puissants pour qu’ils deviennent des actes d’une extrême violence érotique. La chair n’est plus fade parce qu’ils l’ont consommée.

Les liens transversaux entre l’enfance de BATAILLE, le sexe dans notre société, le cauchemar et la brutalité font de cet ouvrage une œuvre complexe, dure à ingérer et forte d’un point de vue émotionnel nous faisant vaquer entre gêne et honte.

GARRET Lila